>PLATERO Y TU

>

Platero y Tú fue un grupo vasco de rock and roll formado a finales de los años 80 y disuelto en 2001. Tiene influencias de grupos como Leño, AC/DC o Status Quo, y guitarristas como John Fogerty de Creedence Clearwater Revival, alejándose del rock radical vasco que triunfaba en el momento de la creación de la banda. Sus canciones hablan de temas de bares, drogas y amores. Debe su nombre a la famosa obra de Juan Ramón Jiménez: Platero y yo.

Platero y Tú se formó en Bilbao en la década de los 80. Fueron Juantxu y Uoho los primeros que empezaron a ensayar juntos, tras la disolución de su antigua banda, Ke y Maguila se unió más tarde a los ensayos como batería. Un día Juantxu invitó a Fito, vecino suyo, al local para ver uno de los ensayos, y éste acabó entrando a formar parte del grupo como voz y guitarra.

Con el dinero de sus primeras actuaciones graban en los estudios Arion de Pamplona su primera maqueta, y tomaron el nombre de Platero y Tú que más tarde sería el definitivo. La maqueta, a la que llamaron Burrock’n’roll, se editó en 1990 con muy pocas copias y ahora es una verdadera pieza de coleccionista.
En 1991 la productora barcelonesa Welcome Records se pone en contacto con ellos para grabar su primer disco, Voy a acabar borracho, en los estudios Lin; aunque la promoción del disco no fue lo bastante buena y apenas fueron conocidos fuera de Bilbao. Aun así les valió para que les conocieran unos cazatalentos de la multinacional DRO, que reeditó Burrock`n Roll en 1992 como su segundo álbum, reconfigurando la lista de canciones y mejorando la producción.

Ese mismo año, entre febrero y marzo de 1992 grabaron su tercer disco, Muy deficiente, con algunos de los temas que se harían clásicos en los conciertos de la banda, como “El roce de tu cuerpo”. Además cuentan con la colaboración de Rosendo en el tema “Sin solución”. Con este disco hacen una gira que ronda el centenar de conciertos.

Su cuarto disco, Vamos tirando fue grabado en los estudios Box y ve la luz en 1993, y que les dio proyección a nivel nacional. Este disco cuenta con una versión del grupo Hertzainak, “R&R Batzokian”, así como un tema grabado en directo, “Mírame”. También ese año se editó En directo a todo gas un disco en vivo junto con otras dos bandas, Zer Bizio? y Sedientos. Este disco supuso un punto de inflexión en la banda, apareciendo la producción, y notándose un mayor acabado en la grabación y composición de los temas, cuestión que les valió aplausos y críticas a partes iguales.[cita requerida]

Aún a disco por año, en 1994 graban el quinto, Hay poco Rock & roll, de nuevo con DRO en los estudios Box, donde colaboran Robe y Evaristo en la canción “Juliette”. Con Hay poco Rock & roll consiguen su primer disco de oro al superar las 50.000 copias vendidas. El reconocimiento de la banda se nota al pasar de tocar en salas pequeñas para hacerlo en algunas de mayor aforo. En este álbum es claro el recrudecimiento del sonido, seguramente influenciados por las críticas que les acusaban de ‘refinarse’ en su anterior trabajo, volviendo aquí al sonido más directo de su primera época.

Los años 1995 y 1996 los pasan de gira dando conciertos y grabando su sexto álbum, esta vez en vivo, al que llamaron A pelo, un éxito de ventas con el que consiguieron otro disco de oro, y con el que se editó un VHS con imágenes de los conciertos. A partir del verano de 1996 comenzó la gira conjunta con Extremoduro en la que se alternaban en el escenario, tocaban juntos, y unos y otros versionaban canciones de ambos grupos, y que sirvió como presentación del disco. Entre otras actuaciones, estuvieron en la primera edición del festival Viñarock, en Villarrobledo (Albacete), y terminaron la gira en el Palacio de los Deportes de Madrid con dos actuaciones. El éxito de la banda llevó a la productora a remasterizar de nuevo su primer álbum para darle un lavado de cara, y se les puede considerar ya una banda consolidada a nivel nacional.

Con su séptimo disco, 7 (1997) se nota un cambio profundo en las canciones de Platero, ahora más maduras tanto musicalmente como en sus letras, y alejándose un poco del rock de los inicios, lo que fue criticado por algunos de sus fans. Vuelve a participar Robe, ésta vez en el tema “Si miro a las nubes”, y de nuevo consiguen el disco de oro. 7 marca un punto de inflexión en la historia del grupo y sus componentes se embarcan en otros proyectos: Fito graba su primer disco con Fito & Fitipaldis y Uoho empieza a colaborar más activamente con Extremoduro.

En 2000 graban su octavo y último disco, Correos, grabado en ‘La Casa de Iñaki’, y de nuevo con la colaboración de Robe en “Humo de mis pies”. Al igual que en los últimos consiguen el disco de oro y ésta vez la promoción del disco llegó a la televisión. La gira concluye en octubre de 2001 en el que a la postre sería su último concierto. Tras la gira Fito y Uoho se embarcaron con Robe en el proyecto de Extrechinato y Tú y unos meses después anunciaron el fin de Platero y Tú.

En Agosto de 2001, dan uno de sus últimos conciertos como Platero y tu en fiestas de Bilbao con Marea de teloneros. Se calcula que esa noche estuvieron en la Plaza del Gas cerca de 13.000 personas.
Su último concierto fue en Madrid el viernes 26 de octubre de 2001 en La Riviera, donde terminaron la gira `01.

A partir de entonces Fito continúa grabando como Fito & Fitipaldis, Uoho pasa a formar parte de Extremoduro definitivamente, alternándolo con su labor como productor de muchos otros grupos, mientras que Mongol y Maguila forman La Gripe, grupo que hasta ahora ha editado dos compactos. En 2002 editan el primer volumen del recopilatorio Hay mucho Rock’n roll y en 2005 cierran con el segundo volumen. En 2007, Uoho se embarca en un nuevo proyecto: Inconscientes, grupo que ha sacado un disco en la ausencia de Robe y ha creado junto al vocalista de Extremoduro la discográfica Muxik.

  

Componentes

Discografía

Platero Y Tú-Voy A Acabar Borracho 

Platero Y Tú – Esa Chica Tan Cara

Platero y tu – Hay Poco Rock’n’Roll

Platero y Tu – Somos los Platero

Platero y Tú – El Roce De Tu Cuerpo

 

 

>TOPO

>

Jose Luis y Lele venían de Asfalto, otra legendaria banda de rock. El primer disco homónimo al grupo es todo un clásico, con el gran éxito “Mis amigos dónde estarán” . En el siguiente disco se acercaría al sonido de Police. En el 84 se reestructura la banda con Cacho Casal (batería), Luis Cruz (guitarra), Pablo Salinas (guitrra, teclados) y Jose Luis al frente.
El grupo continua hasta el 87, año en que se disuelve la banda.
La reunión de la formación original de Asfalto hace que los temas de Topo sigan vivos en directo.

Formación inicial:
Jose Luis Jiménez, Lele Laina, Victor Ruiz (teclista), Terry Barrios (batería).

Discografia

Topo (Chapa/Zafiro, 79),
Pret a Porter (Chapa/Zafiro,
80), Marea Negra (CBS, 82),
Ciudad de músicos (Snif, 86),
Mis amigos están vivos (Chapa /Zafiro, 88, doble directo).

Topo – Mis Amigos

Topo – El Bar

Despues del Concierto – Topo

 


>LEÑO

>

Leño fue un grupo musical de rock urbano madrileño. Fue creado en 1978 por Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal, que mediada la grabación del primer disco marchó siendo sustituido por Tony Urbano, y se disolvió en octubre de 1983.

El nacimiento de Leño se remonta, probablemente, al 31 de diciembre de 1977, tras una discusión de los componentes de la primera formación del grupo Ñu antes de comenzar un concierto. Dice la leyenda que uno de los componentes de Ñu , Rosendo Mercado, pronunció las palabras: “Chico, hasta aquí hemos llegado…“. La relación de amor-odio entre Rosendo y José Carlos Molina, el Molina, queda patente hasta en el origen del nombre del nuevo grupo formado por Rosendo “las canciones que haces son un leño, tío” decía José Carlos de las composiciones de Rosendo para Ñu
Aunque José Carlos cuenta otra versión “Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y es que cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de “Este Madrid”, que es mía, Rosendo decía “¡vaya leño de canción que has hecho!“. Empezaron bromeando y al final decidieron llamarse Leño, no quería Rosendo perder la “ñ” por ningún lado.

Solo unos días después se creó plenamente el grupo. Con un viejo amigo del grupo Fresa (anterior nombre de Ñu), Chiqui Mariscal, y el ex-batería de Coz (grupo del que después saldría otro grupo de los ochenta llamado Barón Rojo) debutan en la sala Alcalá Palace el 12 de febrero como teloneros de Asfalto, con cuatro temas propios.

En mayo se publicó el sencillo “Este Madrid/Aprendiendo a escuchar”, hoy un disco de coleccionista. Casi un año y decenas de conciertos después, exactamente en marzo de 1979, en setenta horas se graba y mezcla el primer disco de Leño, con el mismo nombre que el grupo.

La portada de “Leño” muestra el adiós de Chiqui Mariscal, el primer bajista. Con el tiempo Chiqui volvió a integrarse en Ñu , grupo en el que había estado, con Rosendo, antes de que ambos formaran Leño.

Para sustituirle entró en el grupo (y ya se quedará hasta el fin) Tony Urbano, gran amigo de Ramiro (ambos provenientes de Coz). Tony grabará en el disco el último tema, el himno al LSD “El tren”, compuesto y no grabado, por Rosendo y José Carlos Molina en los tiempos de Ñu (como curiosidad, esta canción la grabó Ñu varios años después, con otro nombre y mucha gente pensó que estaban versionando a Leño, cuando en realidad la canción era de ambos).

Era el final de una década y el principio de otra esperanzadora, con conciertos en cada ciudad y la radio sonando en español. Como declaró Rosendo, “Estábamos siempre juntos porque era la época de los festivales y en cualquier punto de España nos encontrábamos Coz, Ñu o Leño de Madrid, Bloque de Santander, Smash o Storm de Sevilla… Había algo por lo que estar ahí y pelear juntos. Estábamos abriendo hueco. Eran conciertos de cuatro, seis, ocho o hasta catorce grupos, era una locura. Los equipos eran horribles y además no los sabíamos manejar. Bloque tenían la mejor producción y equipo, también Asfalto, quizá porque fueron los que empezaron antes e iban invirtiendo. Con Ñu nunca toqué con monitores, se tocaba con los amplis de escenario. El batería se dejaba los muñones dando hostias y los demás apretábamos con los Marshall a todo volumen…“.

En el siguiente año llegó la movida madrileña y las casas de discos comenzaron a aumentar sus ventas. Muchos aún recuerdan como un mal sueño la aparición de Leño, los “auténticos auténticos” haciendo play-back en “Aplauso”, un programa musical de la televisión española de la época. Aunque otros recuerdan otra versión de los hechos: “Eso del play-back me recuerda cuando, en la prehistoria, Leño la armó cuando exigió (y lo consiguió) tocar en directo en el programa Aplauso” (Raimundo Amador).

En julio de 1980 se grabó “Más Madera”, con teclados de Teddy Bautista y un sonido casi pop. Según Rosendo: “Más Madera suena muy mal. Se hizo muy deprisa, por debajo de las cien horas de trabajo: un trío que entra en un estudio y mete elementos que no había tenido antes, con lo cual no hubo tiempo de asimilarlo. Pero nos apetecía hacerlo porque era bueno para nuestra historia
“… eres nuevo, no sabes nada, estás en un estudio de grabación y no eres consciente de muchas cosas … cuando acabé mi parte necesitaba salir de allí porque me quemé. Dejamos a Rosendo sólo y él nos crítico tanto a Tony como a mí, pero le dije que era peor que hubiera estado allí porque habría odiado ese disco toda mi vida. Teddy hizo lo que le salía de los cojones con el disco. También hizo unas cosas curiositas pero no consiguió hacerlo sonar … eran canciones sencillas que se pueden tocar con una guitarra acústica, tenían bonitas letras y mucho sentimiento. Rosendo escribía ya con una sensibilidad absoluta“. (Ramiro Penas).

Los conciertos y las actuaciones en directo, sin teclados ni arreglos, sólo tres músicos y miles de personas escuchando y sintiendo cada canción, dieron lo mejor de Leño en aquélla época. De esta forma, en 1981 se grabó “En directo”. El disco se registró en las noches del 25, 26 y 27 de marzo en el barrio de Tetuán (Madrid), cerca de su local de ensayo de la calle Tablada, en la sala Carolina, Bravo Murillo. Como novedad, se introdujo un saxofón (Manolo Morales), coros (una casi desconocida Luz Casal en ellos) y cuatro canciones creadas expresamente para el evento. A pesar del sonido y que solo contuviera cuatro canciones inéditas, este disco fue el más vendido de la carrera de Leño.

En los años 81 y 82 la banda continuó desmarcándose de etiquetas como “heavy“, “rock duro”. Dejaban claro en sus entrevistas que ellos escuchaban a The Clash, a Joe Jackson, a Specials… Como declaró el propio Rosendo “Era algo absolutamente premeditado. No queríamos quedarnos en las tachas … Lo mismo ocurría con nuestra imagen, utilizó la ropa que visto normalmente. Veía a alguna gente y pensaba: pero cómo sales a un escenario con una ropa que te tienes que quitar luego porque no va contigo…“.
 
En mayo de 1982 se inició la “aventura londinense”. Leño grabó su tercer disco, “Corre, corre”, en Londres bajo la producción de Carlos Narea. Sin embargo, cuando se presentó este disco a los críticos de la revista inglesa “Kerrang”, especializada en rock duro, el resultado fue pésimo. Según algunos era imposible juzgar a Leño sin entender, más allá de la diferencia de idioma, sobre qué están hablando. Según Rosendo: ” En “Corre, Corre” hay muy buenas canciones. Eran temas más claros, con estribillos que enganchan. Ya no había teclados y las guitarras sonaban serias… “. Los singles fueron radiados y comenzaron a tener una resonancia más allá de los estrechos círculos del rock de la época.

El disco sonó mucho en la radio, hasta en la televisión. El mítico programa “Musical Express” de Àngel Casas realizó una grabación en directo. Leño fue también el primer grupo que apareció en el programa de televisión “Tocata“, cuando el grupo ya estaba cerca de su disolución.

Encontrar razones para la disolución del grupo es a la vez complicado y sencillo. Algunas de las declaraciones de los componentes del grupo aclaran el tema: “Dentro de dos años esto estará muerto, no vamos a conseguir nada, solo quemar una historia que es preciosa. Estaba consiguiendo lo que toda mi vida había soñado y me daba cuenta de que ya no era lo que me había planteado … arrastrábamos a mucha gente … era una responsabilidad que no quería asumir. Fue un cúmulo de historias, aparte de peloteras personales…” (Rosendo). “Hubo muchos motivos. Entre ellos, el faltarnos al respeto aunque fuera una sola vez. No hubo problemas de comunicación porque hablamos hasta el final pero, por otra parte, ¿qué íbamos a contar a esas alturas? …se había acabado la esencia del grupo, sentíamos que nos estábamos aburguesando en cierto modo… Ya no teníamos nada que contar, fuimos un grupo contestatario en la transición política-cultural del país… Creo que dejamos a Leño donde lo teníamos que dejar” (Ramiro Penas).

El final lo marcó la gira, organizada por Miguel Ríos, “El rock de una noche de verano”, que en treinta y cuatro noches del verano del 1983, dejó en oídos y almas las últimas notas y letras de la banda. Miguel Ríos estaba en su apogeo (con discos como “Rock&Ríos” y “El Rock de una noche de verano”) y aquélla, según algunos, pudo ser la gira más multitudinaria y espectacular de artistas españoles de la época.

Leño optó por disolverse en lo más álgido de su carrera, en octubre del 1983, por considerar sus miembros que habían llegado “a un callejón sin salida a nivel creativo”. En su edición del 11 de octubre el diario ABC publico: “El grupo de rock con más carisma que haya salido nunca de los barrios madrileños se disuelve definitivamente. La muerte de la banda, que se había insinuado ya en los últimos meses, llega en un momento en el que Leño funcionaba como una máquina perfecta“.

Esa decisión originó la creación de una leyenda. Parece evidente que si Rosendo, líder natural de grupo, hubiese dado el visto bueno a las propuestas de reunión -algunas de gran impacto económico-, las dudas hubieran manchado la imagen de Leño. Tras su disolución, Leño se convierte un grupo de culto para muchos, sus discos se reeditan, aparecen continuos rumores de reunión, y hasta la fecha sus canciones son pedidas por el público en los conciertos de Rosendo.

En 2000 el premio al mejor autor de rock, otorgado por la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores), se lo llevó “La fina”, canción que se encuentra en el último disco de Leño; el premio lo recogieron Tony y Ramiro, en nombre del grupo.

[editar] Miembros

  • Rosendo Mercado – Composición, voz y guitarra.
  • Ramiro Penas – Batería y coros.
  • Chiqui Mariscal – Bajo y coros (participó en todo el primer disco “Leño”, menos en la canción de “El tren”)
  • Tony Urbano – Bajo y coros (sustituyó a Chiqui Mariscal).

[editar] Discografía

[editar] Álbumes

[editar] Singles

  • Este Madrid / Aprendiendo a escuchar (tema solo incluido en el recopilatorio (Maneras de Vivir 1997) – 1978
  • El tren1980
  • El oportunista1980
  • La noche de que te hablé / Sin solución”1980
  • Maneras de vivir (grabado en estudio) / Todo es más sencillo* (grabado en estudio no incluido en ningún LP) – 1981
  • Corre, corre / Sorprendente1982
  • Que tire la toalla! / Sorprendente1982

[editar] Recopilatorios

  • Los éxitos de Leño – 2002?
  • Maneras de vivir1997
  • 14 grandes éxitos?
  • Indirecto1992
  • Leño?
  • Una manera de vivir1984
  • Grandes temas de Leño1983
  • Nos va la marcha (Banda sonora)1978

En 2000 el premio al mejor autor de rock, otorgado por la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores), se lo llevó “La fina”, canción que se encuentra en el último disco de Leño; el premio lo recogieron Tony y Ramiro, en nombre del grupo.

Miembros

  • Rosendo Mercado – Composición, voz y guitarra.
  • Ramiro Penas – Batería y coros.
  • Chiqui Mariscal – Bajo y coros (participó en todo el primer disco “Leño”, menos en la canción de “El tren”)
  • Tony Urbano – Bajo y coros (sustituyó a Chiqui Mariscal).

Discografía

Álbumes

Singles

  • Este Madrid / Aprendiendo a escuchar (tema solo incluido en el recopilatorio (Maneras de Vivir 1997) – 1978
  • El tren1980
  • El oportunista1980
  • La noche de que te hablé / Sin solución”1980
  • Maneras de vivir (grabado en estudio) / Todo es más sencillo* (grabado en estudio no incluido en ningún LP) – 1981
  • Corre, corre / Sorprendente1982
  • Que tire la toalla! / Sorprendente1982

Recopilatorios

  • Los éxitos de Leño – 2002?
  • Maneras de vivir1997
  • 14 grandes éxitos?
  • Indirecto1992
  • Leño?
  • Una manera de vivir1984
  • Grandes temas de Leño1983
  • Nos va la marcha (Banda sonora)1978

Leño – Este Madrid

Leño – Que Tire La Toalla 

Maneras de vivir. Leño. Rosendo Mercado.

Leño – El Tren 

 Rosendo – Agradecido


 

    >ASFALTO

    >

    Asfalto es un grupo de rock español fundado en 1972.

    La historia de la banda comienza en Madrid cuando el grupo “Tickets” cambia su nombre por el de Asfalto en 1972. Publican un par de singles pero no consiguen una formación estable hasta 1975, cuando se juntan José Luis Jiménez (bajo y voz), Julio Castejón (guitarra y voz), Enrique Cajide (batería) y Lele Laina (guitarra y voz).

    Ya en 1977 el grupo es contratado por la discográfica Zafiro para cortar la cinta de su nuevo sello “Chapa Discos”, dirigido por Vicente Romero “Mariscal” .

    El año siguiente, 1978, ve la luz su primer disco, titulado Asfalto, que, lejos de ser la meta perseguida por el grupo durante tantos años, no les deja contentos y provoca su separación. El disco está cargado de clásicos como “Capitán Trueno”, “Días de escuela” o “Rocinante”. José Luis Jiménez y Lele Laina abandonan el grupo a su suerte para crear “Topo“. Julio y Enrique continúan en Asfalto y entran Jorge García Banegas (teclados) y José Ramón “Guny” Pérez (bajo).

    En diciembre de ese mismo año 1978 se publica Al otro lado, segundo álbum de la banda. Había sido grabado en Inglaterra, donde además se convierten en el primer grupo español en actuar en el mítico Marquee Club. Este disco contiene temas exitosos como “El viejo” o “Mujer de plástico”.

    En 1979 graban su tercer disco, Ahora, y en 1980 la compañía edita un recopilatorio de cuestionable repertorio titulado “Lo mejor”, que incluye el tema “Canción para un niño”, solamente editado como sencillo.
    Y en 1981 graban Déjalo así, el primer disco doble publicado por un grupo español, pero su escasa repercusión por problemas con la compañía les llevan a abandonarla y a crear su propio sello discográfico: Snif.

    Para 1983 ve la luz Más que una intención, que les devuelve al primer plano de popularidad y presenta como novedad la entrada de Miguel Oñate como cantante solista. De este disco destacan temas como el propio “Más que una intención”, “La paz es verde” o “El hijo de Lindbergh”. Además, “Más que una intención” se convierte en el primer video-LP que se comercializa en España.

    En 1984 publican Cronophobia y el año siguiente, 1985, pese al buen momento, Miguel Oñate abandona Asfalto. Es sustituido por Ricardo Benítez “Richie”, con el que graban Corredor de fondo (1986). Sin embargo, al terminar la gira “Richie” deja el grupo por motivos personales y la banda se toma un descanso.
    A los pocos meses y con la participación de todos los que pasaron por el grupo (a excepción de Miguel Oñate) se regraban algunos de sus éxitos. Este disco es titulado “19721987… 15 años de música” e incluye un tema inédito de la primera época, “El teatro de la vida”.

    Durante un periodo de inactividad ve la luz un recopilatorio titulado Los singles 1981-1988 que incluía los sencillos editados durante esos años, incluyendo los temas aparecidos únicamente en las caras B de éstos. En esta época Julio Castejón, José Luis Jiménez, Lele Laina y Terry Barrios montan un espectáculo llamado “La Rockorquesta” destinado a recrear temas clásicos en inglés, pero este proyecto no resulta. Pronto los mismos protagonistas se embarcan en la grabación de un nuevo disco de Asfalto.

    Sólo por dinero sale al mercado en 1990 y será la última grabación de Terry Barrios, que fallecería dos años más tarde. Tras un homenaje vuelven a la carretera con Cajide de nuevo como batería.
    En 1994 publican el espléndido LP El planeta de los locos pero poco después abandonan la actividad, dando sus últimos conciertos en 1995. A partir de entonces cada uno de sus ex-integrantes se dedican a diferentes menesteres dentro de la música.

    Julio Castejón se lanza en solitario y publica dos discos, ¿Hay alguien ahí? (2000) y El corazón de la manzana (2004). José Luis Jiménez y Lele Laina siguen actuando intermitentemente como Topo. Jorge G. Banegas publica varios discos de diversas tendencias musicales instrumentales y acompaña a otros artistas. Miguel Oñate sostiene una carrera como solista a base de actuar en bares y pequeños clubes, culminada con la publicación de su disco en solitario Muy personal (2007). Enrique Cajide abandona la música en activo, “Richie” actúa en Mallorca en un club para turistas y Guny se reconvierte en músico de sesión.

    En 2008 Asfalto vuelve a la carretera de la mano de su líder y único miembro de todas las formaciones, Julio Castejón, siendo los nuevos Asfalto: Carlos Parra (teclados y voz), Raúl Santana (guitarra y voz), Viti Ilarraza (batería y voz) y Juanvi García (bajo). Con esta formación en febrero ve la luz su undécimo disco: Utopía.
    A mitad de la gira Juanvi es sustituido por Alejandro Ollero “Pollo” y Asfalto salda su deuda histórica al grabar su primer CD y DVD en directo el 3 de julio de 2009 en el Teatro Pilar Bardem de Madrid. Titulado Al fin vivos el disco ve la luz el 30 de octubre del mismo año con el formato de doble CD y doble DVD.

    Discografía

    • Asfalto (1978)
    • Al otro lado (1978)
    • Ahora (1979)
    • Lo mejor (Recopilatorio – 1980)
    • Déjalo así (1981)
    • Más que una intención (1983)
    • Cronophobia (1984)
    • Corredor de Fondo (1986)
    • 15 años de música (Nuevas grabaciones de éxitos – 1987)
    • Los Singles (Recopilatorio – 1988)
    • Sólo Por Dinero (1990)
    • El Planeta de los Locos (1994)
    • El paraíso urbano (Recopilatorio – 2001)
    • Utopía (2008)
    • Al fin vivos (2CD y 2DVD en directo – 2009)

    >MAGO DE OZ

    >

    Mägo de Oz es un grupo español de folk metal. Formado en mayo de 1988 por el baterista Txus di Fellatio en el Barrio de Begoña, Madrid. En un primer momento la banda se denominó Transilvania, en honor a Iron Maiden, y no sería hasta 1989 cuando pasara a llamarse Mägo de Oz

    Llegada de José Andrëa y Frank

    En 1995 llega Auri a la voz sustituyendo a Juanma que decidió dejar el grupo; Auri sólo grabó unas maquetas pero no grabó ningún disco. En 1996 se formó la composición que ha perdurado casi hasta la actualidad: entra José Andrea en sustitución de Auri, Frank en sustitución de Chema y Carlitos sustituye a Charlie. El mismo año empezaron a grabar el disco Jesús de Chamberí, una Opera Rock producida por Alberto Plaza y Mägo de Oz. El CD fue editado en 1996 con el sello discográfico Locomotive Music. La gira que apoyó este segundo disco tomó el nombre de “Via Crucis Tour”.

    La Leyenda de la Mancha y Finisterra

    En 1998 se une Mario saiz nigorra y graban el disco La leyenda de la Mancha donde se encuentra su sencillo Molinos de Viento.

    A finales de 1999 decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto: un disco doble. Este fue su cuarto LP y se llamó Finisterra. Para este disco se incorporaron al grupo Sergio Cisneros “Kiskilla” a los teclados y Fernando Ponce a los vientos (flauta). El primer sencillo de éste disco fue Fiesta pagana. La gira de este disco se llamó Santiago y Vuelca España Tour. Luego de eso lanzan un disco con temas en directo, que recogiera la gira. El disco se tituló Fölktergeist, que se grabó también en las Fiestas del Pilar, en Zaragoza (en la carpa Interpeñas, en aquel entonces situada en el Recinto Ferial de la Calle Miguel Servet de la ciudad). Y con motivo de este nuevo disco se embarcaron en otra gira llamada “Apechungando Tour” grabando un DVD llamado A Costa Da Rock. Es en este momento es cuando Salva decide abandonar el grupo sustituyéndole un joven bajista: Sergio Martínez (ex-Ankhara).

    Gaia

    En 2003 se une Raul saiz nigorra y se embarcan en el proyecto de realizar tres álbumes que compondrán la trilogía de Gaia: el primero con título Gaia, que fue lanzado ese mismo año al mercado. Con la temática de la conquista española sobre los Aztecas, de este disco se desprendieron los sencillos La costa del silencio, La rosa de los vientos y El atrapasueños. Mägo de Oz ha realizado varios conciertos en Sudamérica, España y America latina.

    Belfast

    Para el 2004, la banda regresa al estudio a grabar su sexto album: Belfast. Este disco es según ellos “un recreo donde jugamos a ser Elvis, Whitesnake, Deep Purple…” pues está compuesto de versiones cover de bandas clásicas de metal, además de algunas versiones diferentes de canciones propias. También estuvo a cargo de Locomotive Music, producido por Sergio Marcos.

    En este momento se producen importantes cambios en Mägo de Oz: el 20 de mayo de 2004 Carlitos es operado (con un mes de convalecencia) de un ganglión que le estaba afectando los huesos de la mano, por lo cual Jorge Salán entra en su reemplazo durante tres conciertos. Cuando Carlitos se recuperó completamente, Jorge Salán no abandonó el grupo, por lo cual Mägo de Oz quedó con tres guitarristas. Por otra parte, Sergio Martínez, bajista, abandona la agrupación, reemplazándolo Luis Miguel Navalón, quien según Txus era el mejor bajista de estudio que había conocido, pero que sin embargo no cumplía con el carácter de músico canalla que necesita cualquier integrante de Mägo de Oz a la hora de tocar en vivo. No obstante, Navalón actuó en algunos conciertos, pero fue sustituido rápidamente por Pedro Díaz “Peri”.

    Gaia II: La Voz Dormida

    En el año 2005 salieron dos discos de Mägo de Oz. El primero fue Madrid Las Ventas, disco grabado en directo en la plaza de toros madrileña de Las Ventas; fue un disco con mucha polémica ya que lo publicó Locomotive Music sin tener en cuenta al grupo, que ya había sido contratado por otra discográfica. Dejaron 8 canciones fuera del repertorio, entre ellas Hasta que el cuerpo aguante cantada con Sherpa (ex-Barón Rojo), Mägo de Oz con el primer cantante del grupo, Alma, Resacosix en Hispania con Joaquín Arellano “El Niño” en la batería, etc.

    El segundo disco, puesto a la venta el 14 de noviembre de 2005, fue Gaia II, La Voz Dormida, editado ya con su nueva discográfica Warner Music Latina; su primer single fue “La Posada de los Muertos”. Para Gaia II entró en el grupo un nuevo bajista llamado Pedro Díaz “Peri” (ex-Ars amandi) sustituyendo a Luis Miguel Navalon, quien a su vez había sustituido a Sergio Martínez. El siguiente sencillo sería la canción Hoy toca ser feliz.

    En la gira de Gaia II, la voz dormida, el batería y líder, Txus abandonaba el grupo temporalmente a causa de agotamiento y de compromisos a los que tenía que dedicar su tiempo. En esta gira también se incorpora al grupo Salva (El Cuervo) como teclista apoyando a Kiskilla. La gira también incluyó gran parte de Latinoamérica y parte de Estados Unidos. En un periodo de tiempo no superior a un mes y medio Mägo de Oz siguió dando conciertos por toda la geografía española ya con Joaquín Arellano “El Niño” a la batería sustituyendo a Txus. Algunos lugares donde actuaron fueron Miajadas (provincia de Cáceres) o Chiclana (Cádiz). El 8 de septiembre de 2006 Txus volvería a la banda y reaparecería en directo ese día en el concierto que el grupo ofreció en Rivas Vaciamadrid.

    El 23 de octubre del 2006 se lanzó el libro El cementerio de los versos perdidos con una recopilación de 50 poemas y un disco, todos de la autoría de Txus y con la música de Juanmi Rodríguez (Cuatro Gatos), que incluye temas originales y grabado con artistas de otros grupos, como Savia y Saratoga. Este album salió bajo el sello de Pägana Records, firma creada por el grupo Mägo de Oz y que reside bajo la tutela de Warner Dro (División de Warner music en España).

    El 5 de diciembre de 2006, Mägo de Oz saca el box set recopilotario The Best Oz.

    El 1 de mayo de 2007 empiezan un festival organizado por los mismos, llamado Mago de Oz Fest en cuatro ciudades diferentes, con artistas invitados como, UDO, WarCry, Maligno, Onassis Day, Agora y Cage. La gira se extenderá con el nombre de Hasta que el cuerpo aguante Tour 2007 por otros puntos de México, Estados Unidos, Argentina, Chile, Nicaragua y por España.

    La Ciudad de los Árboles

    El 16 de octubre presentan Y ahora voy a salir (Ranxeira), primer single de su nuevo álbum, ya con la integración definitiva de Patricia Tapia (ex-cantante del grupo Nexx) a Mägo de Oz. El 6 de noviembre de 2007, sale el disco, La ciudad de los árboles. El último single junto con su respectivo vídeo promocional sería Deja de llorar.

    El 26 de enero del año 2008 se anuncia la partida temporal de Sergio Cisneros “Kiskilla” de la banda, para dedicarse a su familia y a su pequeño hijo recién nacido. El descanso del teclista se efectuaría durante la gira Americana del disco “La Ciudad de los Árboles”. Durante la gira de 2008 sufrieron las bajas de Frank y Kiskilla por problemas personales, pero volvieron a incorporarse en breve, esta gira la ha llevado a lugares en los que aún no habían tocado como EEUU e Italia.

    Barakaldo D.F.

    En septiembre de 2008 lanzaron al mercado el Single “Puedes contar conmigo”, junto a tres temas en directo. Más tarde, fue lanzado el video de la canción homónima. El 10 de noviembre de 2008 se publicó en la Web oficial un comunicado en la que se informaba que Jorge Salán dejaba la banda.

    La Leyenda de la Mancha Tour

    Para celebrar su vigésimo aniversario de carrera musical, Mägo de Oz realiza una gira bautizada como “La Leyenda de la Mancha Tour” donde el quinteto original (Txus, José, Frank, Moha y Carlitos) junto a Peri interpretarán temas de sus primeros álbumes.

    Según declaraciones de Txus a la revista Requiem de Argentina: “Es porque hay mucha fanática muy joven que no ha visto esa época en que estábamos muy desnudos instrumentalmente, no teníamos flauta, teclados, coros, toda esa pomposidad que hoy caracteriza a Mägo de Oz. Queríamos también un poco hacer un ejercicio de humildad de volver a los antros pequeños y cómodos. La gira se extiende por unas cuantas fechas en Latinoamérica.

    A finales de noviembre dieron a conocer en su página web oficial el lanzamiento del libro gráfico “Mägo de Oz en Imágenes”, el cual sera lanzado en diciembre e incluye más de 300 fotos en vivo, tomadas por Carmen Molina, su fotógrafa oficial en directo, además de varias entrevistas con compañeros músicos del grupo.

    Gaia III: Atlantia

    El disco fue publicado el 6 de abril de 2010. “Que el viento sople a tu favor” sería el primer sencillo del album. El disco contó con la colaboración de artistas como Kutxi Romero, Carlos Escobedo y Tete Novoa.

    En México estuvieron en el prestigioso festival Vive Latino, y poco después participarían en el festival Rock in Rio en Madrid. La gira del nuevo disco, “Gaia III: Atlantia”, se llamará “aGAIAte que vienen curvas”, que realizarían por toda España y posteriormente por Sudamérica, y que comenzó el 28 de Junio en el festival “Rock de Cervantes”.

    El día 10 de junio de 2010, Fernando Ponce de León dejó un comunicado en la web oficial de Mägo de Oz diciendo que se despedía del grupo.

    El día 26 de junio de 2010, coincidiendo con la actuación del grupo en la primera edicion del “Rock de Cervantes” Fernando Ponce se despidió y se presentó a Josema, el nuevo flautista del grupo.

    Pack Trilogía Gaia

    El Pack de la Trilogía Gaia saldra a la venta a finales del mes de Noviembre, queda en duda las canciones ineditas de los Gaias ya que Txus menciono que 6 y despues que 5, con su respectivos capitulos en la novela, un disco de rarezas con canciones jamas antes escuchadas como caras B, el video del Barakaldo D.F. y el de Madrid las Ventas, no aclaro si vendran con las canciones suprimidas en los DVD´s ya publicados, todo esto tendra una portada nueva, no menciono si se vendera solo en España o en todo el mundo, yo opinaria que almenos en España y Latinoamerica. Me Imgaino que costara mucho, porque vendra todo junto. En caso de que visiten Latinoamerica en la gira de la Trilogía (Que es lo mas probable) nos encantaria que hicieran firmas.

    Miembros actuales

    * Txus: Batería y coros
    * José Andrëa: Voz Principal
    * Mohamed: Violín, viola y coros
    * Frank: Guitarra rítmica, acústica y coros
    * Carlitos: Guitarra solista y coros
    * Sergio Cisneros”Kiskilla”: Teclado, piano, acordeón y sintetizadores
    * Peri: Bajo
    * Patricia Tapia: Voz y coros
    * Josema:Flautas

    Antiguos miembros

    * Salva: Bajo (1989 – 2002)
    * Charlie: Guitarra solista (1989 – 1993) (1994 – 1996)
    * Juanma Rodríguez: Voz (1989 – 1995)
    * José María Alonso “Chema”: Guitarra (1990 – 1996)
    * Auri: Voz (1995 – 1996)
    * Sergio Martínez: Bajo (2003 – 2004)
    * Luis Miguel Navalón: Bajo (2004)
    * Tony del Corral: Saxofón (1994)
    * Jorge Salán: Guitarra solista (2004 – 2008)
    * Fernando Ponce: Flautista 2004 (1998-2010)

    Discografía

    Álbumes de estudio y en vivo

    Año Título
    1994 Mägo de Oz
    1996 Jesús de Chamberí
    1997 La bruja
    1998 La leyenda de la Mancha
    2000 Finisterra
    2002 A costa da rock
    2002 Fölktergeist
    2003 Gaia
    2004 Belfast
    2005 Madrid Las Ventas
    2005 Gaia II: La Voz Dormida
    2006 Rarezas
    2006 The Best Oz
    2006 Grandes éxitos
    2007 La ciudad de los árboles
    2008 Barakaldo D.F.
    2010 Gaia III: Atlantia

    Sonido e influencias

    Ha recibido la influencia de Helloween, Iron Maiden, Deep Purple, Barón Rojo, Rainbow, Stratovarius entre otras, así como de música clásica y folclórica entre otras. El uso de instrumentos como violines, flautas, gaitas, teclados e incluso instrumentos como zampoña y charango.

    VIDEO Nº1 Magos de Oz – Molinos de Viento

     VIDEO N º 2  Mago de Oz – La Leyenda de la llorona

      
    VIDEO Nº3 Mago de Oz – Deja de Llorar (Y Vuélvete a levantar)

    VIDEO Nº 4 Mägo De Oz – Pensando En Ti

      
    VIDEO Nº 5 Mago de Oz – Si te vas 

    VIDEO Nº6 Mago de Oz – Desde Mi Cielo

    >BRIAN MAY

    >

    Brian Harold May CBE (Hampton, 19 de julio de 1947) es un músico y astrofísico británico. Es conocido mundialmente por haber sido guitarrista, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica Queen.

    Es considerado uno de los guitarristas más grandes de la historia.Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special. En abril de 2007, fue electo rector honorífico de la Universidad John Moores.

    Brian desarrolló en el año 1977, en la canción “It’s Late” y posteriormente en “One Vision” y “The Miracle”, la técnica empleada en la guitarra conocida como tapping, posteriormente popularizada por Eddie Van Halen, quien menciona a May como una de sus grandes influencias. Esta técnica serviría para armonizar posteriormente el desarrollo del hard rock en la década de 1980 y la de 1990. Erróneamente, se le atribuye su creación al guitarrista de Van Halen.

    Antes de formar la exitosísima banda Queen, Brian y Roger Taylor tocaban en una banda llamada Smile. Freddie Mercury había llegado a Londres, y junto a John Deacon (quien se unió más tarde), formarían una de las mejores bandas de la historia del Rock.

    El sonido característico de la Red Special, la guitarra eléctrica que May armó a los 16 años con ayuda de su padre, es único y dotado de gran cuerpo y feedback. Impulsor de la “guitarra-orquestación”, llamada así por el uso de varias guitarras que se escuchaban simultáneamente e imitando diferentes voces logrando así frases contrapuntísticas en toda la extensión musical. Ésta fue reverenciada por su bella complejidad armónica con la que lograba crear atmósferas y líneas melódicas llenando cada rincón de su música sin necesidad de sintetizadores, hasta “The Game”, en 1980, y la cual se deja ver principalmente en los primeros discos de Queen tal como “A Night at the Opera”, en 1975.

    Junto a Freddie Mercury, ha formado uno de los mejores duetos de la historia del Rock And Roll siendo parte de Queen

    Sus solos de guitarra y riffs históricos estaban dotados de armonía, lo que Freddie hacía con la voz se puede decir que Brian lo hacía con su “Red Special”, mencionada arriba.

    May es conocido por rasguear las cuerdas con una moneda británica de seis peniques. Según él, con ella logra un sonido mucho más metálico y con más cuerpo. Muchos éxitos de Queen fueron compuestos por él (We Will Rock You, I Want It All, Save Me, Who Wants To Live Forever, Tie Your Mother Down, Hammer to Fall, White Queen (As It Began), The Show Must Go On, Now I’m Here, o No One But You (Only the Good Die Young) entre otros).

    Carrera solista

    Ha hecho cuatro álbumes en solitario: Star Fleet Project (Mini LP) en 1983 donde colaboró, entre otros, Eddie Van Halen, Back To The Light en 1992, de gran éxito a nivel europeo que lo llevó a una gira mundial, Live At The Brixton Academy en 1994 y Another World en 1998, ilustrando dicho álbum con fotos tomadas en la isla de El Hierro (Canarias). En 1986, colaboró con el cantante español Ramoncín en la canción Como un susurro. En 2007 colaboró con un nuevo solo de guitarra en una versión de Too much love will kill you en el álbum Constante Contradicción, primero del grupo madrileño Momo (liderado por José Luis Cortés “Momo” protagonista del musical producido por Queen: We Will Rock You, en su versión española).

    Doctorado

    Se licenció en Física y Astronomía en el Imperial College de Londres en 1968 y pocos meses antes pasó un tiempo en la isla de Tenerife (Canarias) estudiando distintos fenómenos astronómicos desde Izaña en el Parque Nacional del Teide, escribió en equipo dos trabajos sobre sus investigaciones y resultados, que se publicaron en Monthly Notices of the Royal Astronomic Society. Tras graduarse comenzó a trabajar en su tesis.

    En el año 2006, tras varios años alejado de los escenarios decidió culminar su doctorado en astrofísica y el 23 de agosto de 2007 aprobó el examen de doctorado en el Imperial College con su tesis titulada “Radial velocities in the zodiacal dust cloud” (Velocidad radial en la nube de polvo zodiacal), grado que le fue otorgado oficialmente en mayo de 2008. El 19 de julio de 2007 fue nombrado Rector honorífico de la Universidad John Moores (LJMU) de Liverpool, tomando el relevo de Cherie Blair y desde 2008 asiste asiduamente a los actos solemnes de esta universidad británica como máxima autoridad académica.

    Red Special

    La historia de ésta guitarra comenzó en 1963, cuando Brian May, con tan sólo 16 años,[7] se dio cuenta que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y trataba de emular. Así que decidió cambiar su guitarra acústica por una eléctrica, pero en esa época el joven Brian no disponía del dinero para comprarse las caras Gibson Les Paul Dorada, Fender Stratocaster, que había en el mercado. Así que con la ayuda de su padre, Harold May (Ingeniero electrónico), decidió embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzó en agosto del ´63 en un dormitorio de su casa convertido en taller. Para la elección del material, Brian tuvo que buscar minuciosamente. Por ejemplo, para el mástil utilizaron la madera de una chimenea que un amigo de la familia iba a tirar. La madera era pura caoba, y aunque estaba vieja y algo apolillada, Brian logró darle forma a mano. La primera que el hizo con ayuda de su padre es la que actualmente tiene.

    Brian continuó buscando un sonido característico. Tras muchos experimentos, descubrió que tocando con una moneda de seis peniques como púa conseguía un sonido puro y limpio. Esa es la técnica que empleó en los discos y conciertos de Queen.

     Equipamiento

    Además de la Red Special también usó una Burns Double Six (en Long Away), una Gibson Les Paul (de repuesto), una Gibson Flying V (para el Hot Space Tour), una Fender Telecaster (Crazy Little Thing Called Love), Stratocaster (para Play The Game), una IbanezJS (para Nothing But Blue), una Greco BM90 (para una promo), una acústica Tokai (en algunas grabaciones), una Parker Fly (Mother Love) y una whasburn fly V en el video de Princes of the Universe.

    También ha utilizado una Ovation y una Guild acústicas, las cuales utilizó también en vivo. Además, ha hecho uso varias veces de réplicas de su Red Special original (vídeo de We Will Rock You), fabricadas por Burns.

    Actualidad

    Desde 2005 hasta 2009, Brian trabajó en el proyecto post-Queen, Queen + Paul Rodgers, que juntó a May y Taylor con Paul Rodgers, ex cantante de Free y Bad Company. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado The Return of The Champions (El regreso de los campeones) en el año 2005.

    El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+PR, titulado The Cosmos Rocks, y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de Made in Heaven. El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single Say It’s Not True y el nuevo corte C-Lebrity.

    A fines de 2008 finalizó el Tour Mundial The Cosmos Rocks, que los llevó por Europa, Asia, América del norte, y fue motivo del retorno de May y Taylor a tocar en escenarios de Sudamérica. Tras finalizar la gira, Paul Rodgers anunció que terminaba de forma amistosa su colaboración con Queen.

    En abril del 2010 Brian May se convirtió en el portavoz de la campaña ecologista “SAVE ME”, por la protección de los animales, para tratar de impedir que el Partido Laborista de Gran Bretaña revoque una ley sobre caza, que dejaría sin protección a cientos de especies como el zorro.

    Influido por: Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck, The Shadows, The Ventures, Eric Clapton.

    Influyó a:Randy Rhoads,Steve Clark,John Norum, Steve Lukather, Eddie Van Halen, Joe Satriani, Slash, Richie Sambora,C.C. DeVille, Mick Mars, John Petrucci, George Lynch, Jake E. Lee,Jay Jay French, Steve Vai, Kirk Hammett, Nuno Bettencourt, Phil Campbell, Phil Collen, Reb Beach, Dave Murray , Adrian Smith, Glenn Tipton, Alex Skolnick, Jeffrey Dunn, Scott Ian, Kerry King, Thom Yorke,Chris Poland, Marty Friedman, Yngwie J. Malmsteen, Paul Gilbert, Michael Angelo Batio,Jason Becker.

    Discografía solista

    * Star Fleet Project (Mini LP), 1983

    1. Star Fleet
    2. Let me Out
    3. BluesBreaker

    * Back To The Light, 1992

    1. The Dark
    2. Back To The light
    3. Love Token
    4. Resurrection
    5. Too Much Love Will Kill You
    6. Driven By You
    7. Nothing But Blue
    8. I’m Scared
    9. Last Horizon
    10. Let Your Heart Rule Your Head
    11. Just One Life
    12. Rollin’ Over

    * Live At The Brixton Academy, 1993

    1. Back To The Light
    2. Driven By You
    3. Tie Your Mother Down
    4. Love Token
    5. Headlong
    6. Love of My Life
    7. 39/Let Your Heart Rule Your Head
    8. Too Much Love Will Kill You
    9. Since You’ve Been Gone
    10. Now I’m Here
    11. Guitar Extravagance
    12. Resurrection
    13. Last Horizon
    14. We Will Rock You
    15. Hammer To Fall

    * Another World, 1998

    1. Space
    2. Business
    3. China Belle
    4. Why Don’t We Try Again
    5. Oh My Way Up
    6. Cyborg
    7. The Guv’nor
    8. Wilderness
    9. Slow Down
    10. One Rainy Wish
    11. All The Way From Memphis
    12. Another World

    * Red Special (album), 1998

    1. On My Way Up (Live in Paris, June 98)
    2. Why Don’t We Try Again
    3. Maybe Baby
    4. Business (USA Radio Mix Uncut)
    5. Another World
    6. Only Make Believe
    7. Hammer to Fall (Live in Paris, June 98)
    8. Brian Talks (A Tribute to Cozy Powell)

    >DIANA KRALL

    >

    Diana Jean Krall es una pianista y cantante de Jazz canadiense nacida el 16 de noviembre de 1964 en Nanaimo (Columbia Británica)Canadá.

    Diana Krall nació en el seno de una familia de músicos en Nanaimo, una pequeña localidad de pescadores de la Isla de Vancouver en la Columbia Británica de Canadá. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano. Las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre y que ella intentaba reproducir nota por nota desde los cuatro años, cuando comenzó a tomar clases de piano, fueron su primera influencia musical consciente. Muy joven se trasladó con su familia a la ciudad de Vancouver y allí se unió a la banda de jazz de su escuela superior. A los quince años ya tocaba regularmente en varios restaurantes de Vancouver. A esa edad, aunque se sentía muy cómoda como instrumentista, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, como lo eran Roberta Flack o Nina Simone, sus artistas admiradas de aquel entonces.

    A los diecisiete años, en 1981, ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music en Boston donde estudió y residió durante tres años, tras lo cual regreso a su pueblo natal. En Nanaimo, durante una de sus presentaciones nocturnas en un pequeño local, llamó la atención de un afamado bajista llamado Ray Brown (ex marido de Ella Fitzgerald) quien, impresionado por su talento, se presentó en su camerino y le propuso ser su mentor y manager. Ella aceptó la propuesta, iniciándose así una relación profesional que duraría hasta Julio de 2004, con el fallecimiento de Brown. Este último la había persuadido para que se mudara a Los Ángeles donde, gracias a una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Allí conoció a notables profesores y productores y comenzó también a cantar. En 1990, tras residir una temporada en Toronto, se mudó nuevamente, esta vez a Nueva York, donde formó su propio trío y publicó su primer álbum Stepping Out con el pequeño sello discográfico Justin Time. En 1994 salió su álbum Only Trust Your Hear con la producción de Tommy LiPuma. En 1996 emprendió su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, y presentó su trabajo All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio, en homenaje a Nat King Cole. Su siguiente trabajo, el álbum Love Scenes de 1997 la situó definitivamente entre las grandes figuras de jazz de todos los tiempos. En 1999 obtuvo su primer disco de platino por las ventas millonarias de su álbum When I Look In Your Eyes y su primer premio Grammy.

    La música de Diana Krall comenzó también a sonar en series de televisión como Sex and the City y en películas como The Score y Otoño en Nueva York. En el año 2000 recibió la Orden de la Columbia Británica como embajadora de esta provincia y de la cultura canadiense en todo el mundo. En 2001 publicó su álbum The Look of Love, en homenaje a Frank Sinatra y con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección del veterano músico y arreglista Claus Ogerman, uno de sus favoritos. Este álbum fue un suceso y obtuvo dos premios Grammy. En el 2002 publicó su primer álbum en vivo, Live in Paris, grabado durante una serie de recitales en el Olympia de París. En Mayo de ese año, cuando se encontraba en lo más alto de su carrera artística, recibe el golpe más duro de su vida: la muerte de su madre Adelle, víctima de un cáncer. Esta tragedia familiar dió origen a las sensibles composiciones del álbum The Girl In The Other Room de 2004 y convirtió a Diana Krall en una activa y reconocida luchadora contra el cáncer. Las letras de seis melodías de ese álbum fueron escritas con la colaboración del músico británico Elvis Costello, con quien se conoció en el 2002 durante la entrega de los premios Grammy. Esta relación, inicialmente profesional y luego sentimental, fue esencial en el cambio de rumbo de la artista, quien nunca antes había presentado composiciones propias.

    Diana Krall y Elvis Costello se casaron en diciembre de 2003. El 6 de diciembre de 2006 en Nueva York tuvieron sus primeros hijos, los gemelos Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James. Con ellos viaja en todas sus giras y son su preocupación más importante, más allá de los reconocimientos a su carrera, como los premios Grammy. Al respecto, afirmó en una entrevista reciente: ” …no trabajo en función del Grammy, sé que mucha gente sí lo hace, pero yo me la paso pensando es si en el hotel en el que me quedo esta noche hay piscina para los niños: ésa es la principal actividad en mi agenda”. Respecto a la relación con su esposo comenta en la misma entrevista, concedida a Carlos Solano del Diario EL TIEMPO de Bogotá : ” …él no ejerce influencia alguna sobre mi música, pero sí me inspira constantemente. Los dos somos adictos a lo que hacemos, así que no nos podemos ver mucho. Él también está de gira y yo ando en lo mío, así que hemos decidido ir cada uno por lo suyo, tratando de disfrutar al máximo cada minuto”.

    Su Carrera

    Diana Krall ha grabado con algunos de los mejores músicos del mundo y encabeza un movimiento de jóvenes y hermosas divas. Grabó su primer álbum en 1993, Stepping Out, junto a John Clayton y Jeff Hamilton. Con él llamaron la atención del veterano productor Tommy LiPuma quien produjo su segundo álbum Only Trust Your Heart en 1995. En este último contó también con la colaboración de su viejo amigo Ray Brown en el bajo.

    Su tercer álbum All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio de 1996, publicado bajo el clásico y renovado sello de jazz Impulse!, constituyó su primera nominación para los premios Grammy. Además fue elegido por The New York Times como uno de los diez mejores discos del año y alcanzó récords de ventas sorprendentes para su género. El siguiente trabajo, Love Scenes de 1997, se convirtió en un rápido éxito y llevó a la fama al trio Diana Krall (voz y piano), Russell Malone (guitarra) y Christian McBride (bajo). Ese año participaron en eventos de prestigio, como las galas de tributo a Ella Fitzgerald en el Carnegie Hall y a Benny Carter en el Lincoln Center. Además fueron durante varias semanas la máxima atracción de la prestigiosa sala de conciertos Oak Room, en el Algonquin Hotel de Manhattan.

    Con arreglos orquestales de Johnny Mandel en disco, su siguiente trabajo When I Look in Your Eyes de 1999, además de ser disco de platino (un millón de copias vendidas), fue nominado en varias categorías de los Grammy, obteniendo el premio en la categoría de mejor interpretación vocal. Ese mismo año participó con The Chieftains en la grabación del famoso tema tradicional irlandés Danny Boy para el disco Tears of Stone y fue invitada a participar en el Festival Lilith Fair, escenario habitual de cantantes de pop como Alanis Morissette y Sheryl Crow. En el 2000 compartió con Tony Bennet una gira por 20 ciudades de Estados Unidos.

    The Look of Love (2001), su siguiente trabajo discográfico con el sello Verve Records, con Claus Ogerman al frente de la Orquesta Sinfónica de Londres, fue disco de platino y consiguió el puesto 10 en la lista Billboard 200. The Look of Love, algo alejado del jazz y de su estilo propio, con un enfoque más bien comercial, fue número uno de la lista canadiense de álbumes y cuádruple platino en ese mismo país. Además ganó dos premios Grammy. Incluía, entre otros, clásicos como Cry Me A River y I Get Along Very Well Without You, así como una versión en español de Bésame Mucho.

    En septiembre de 2001 comenzó su gira mundial. Su concierto en el Olympia de París en diciembre de 2001 fue grabado y editado como disco en directo, Diana Krall – Live in Paris en 2002. Este disco llegó al “top” de la lista Billboard de Jazz y número 5 de la lista canadiense. Con él consiguió su segundo Grammy (mejor disco de Jazz vocal) y un premio Juno (Canadá). Este álbum abarca siete décadas de la mejor música americana, incluyendo los clásicos de Tin Pan Alley de los años veinte hasta una canción de Billy Joel, pasando por el inolvidable I’ve Got You Under My Skin de Cole Porter. Desde ya este trabajo anticipaba la versatilidad que mostraría la artista para lograr introducir el jazz en los hogares del siglo XXI.

    Después de casarse con el músico británico Elvis Costello, trabajó con él como letrista, y comenzó a componer sus propias canciones. De todo esto salió el disco The Girl in the Other Room, en abril de 2004, dedicado a su madre, fallecida en el 2002, que se situó en el “Top 5” del Reino Unido y en el “Top 40” de Australia. En este álbum, Krall expande considerablemente sus horizontes estilísticos al incorporar canciones de cantautores modernos, como Tom Waits y Joni Mitchell, a su reportorio habitual de clásicos del bop y el swing. Además revela a una Diana Krall más vital, más pop y más introspectiva que nunca. Ese mismo año (2004) grabó con Ray Charles una versión de “You Don`t Know Me”, del álbum “Genius Love Company”, en el que participaron B.B. King, Gladys Knight, Elton John y Norah Jones.

    El 11 de septiembre de 2006 aparece From This Moment On, considerado por los expertos como el mejor álbum de Diana Krall hasta entonces. Este trabajo, que contiene una coleción de temas variados, desgrana su personalidad artística, su pasión por el jazz clásico, su gusto por las bandas pequeñas y las grandes bandas. En él vuelven a haber temas grabados junto a la prestigiosa big band de [[Clayton/Hamilton[[ y se destacan su estilo vocal (más hondo y más profundo), con un perfecto dominio de todos los tempos.

    Diana Krall, quien desde 1993 les ha puesto su identidad a canciones como The Look of Love, When I Look In Your Eyes y Dream a Little Dream of Me, convirtiéndolas en éxitos propios, salta ahora del repertorio estilo Burt Bacharach a la música brasileña estilo bossa nova en su más reciente lanzamiento, el álbum Quiet Nights, el cual promete ser tan exitoso como los anteriores y, según todos los pronósticos, podría darle su tercer Grammy. En este disco, que está batiendo récords de ventas en Colombia y otros países, y que cuenta con la producción de Tommy LiPuma y los arreglos de Claus Ogerman, la cantante y pianista interpreta temas de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, como Este Seu Olhar, Corcovado, Quiet Nights o The Boy From Ipanema, alternados con clásicos del jazz y el pop que le faltaban en su repertorio, como You’re My Thrill Where or When, How Can You Mend A Broken Heart? y Walk On By. Una de las canciones de este nuevo trabajo, I’ve Grown Accustomed To His Face, está dedicada a su esposo, con quien está planeando actualmente crear un disco para niños. La artista ya había tenido previamente un encuentro triunfal con la música del Brasil tras un inolvidable concierto en ese país, que fue registrado en su nuevo DVD, “Live in Rio”, grabado el 26 de mayo de 2009, el cual es actualmente (junio de 2009) número 1 de ventas en Canadá. Nuevamente, Diana Krall se ratifica como una de las figura más representativa del jazz moderno y como una artista cross-over inusual y sorprendente.

    Discografía

    * 2009 – Quiet Nights –
    * 2007 – The Very Best of Diana Krall – (Verve Records) – Recopilatorio
    * 2006 – From This Moment On – (Verve Records) –
    * 2005 – Christmas Songs – (Verve Records)
    * 2004 – The Girl in the Other Room – (Verve Records)
    * 2002 – Live in Paris – (Verve Records)
    * 2001 – The Look of Love – (Verve Records)
    * 1999 – When I Look in Your Eyes – (Verve Records)
    * 1997 – Love Scenes – (Impulse! Records)
    * 1996 – All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio – (Impulse! Records)
    * 1994 – Only Trust Your Heart – (GRP Records)
    * 1993 – Stepping Out – (Justin Time Records)
    * 1989 (2002) – Heartdrops – (TCB, unauthorized) w/ Vince Benedetti
    DVD

    * 2004 – Live at the Montreal Jazz Festival – (Verve Records)
    * 2002 – Live in Paris – (Eagle Records)

    VIDEO 1

    VIDEO 2

    VIDEO 3

    VIDEO 4

    >ERIC JOHNSON

    >

    Eric Johnson (Austin, 17 de agosto de 1954) es un guitarrista estadounidense de rock instrumental, aunque en sus grabaciones incorpora elementos de jazz fusión, New Age y country.

    Eric Johnson nació en Austin (Texas, EE. UU.), por lo que desde el comienzo se vio influido por el blues y el country, aunque esto no impediría que tuviera también sus miras en otros estilos de música.

    A los 16 años comenzó su carrera profesional como músico en la banda Mariani. Su publicación de cien copias de un álbum de demostración fue uno de los más raros de todas las grabaciones psicodélicas de aquella época. En 1974 se unió a la banda The Electromagnets, que en otoño de ese mismo año grabó su LP homónimo, y con quienes continuaría hasta su ruptura en 1977.

    Entre 1976 y 1978 trabajó en el álbum Seven Worlds, que no saldría a la luz hasta 1998. Uno de los momentos clave en la carrera de Johnson se produjo cuando, tras ver su intervención en un programa de televisión llamado Austin City Limits, Prince lo recomendó a su compañía, Warner Bros. Records. Reprise Records, subsidiaria de la Warner, contrató a Eric y en abril del 1986 lanzaría su primer álbum en solitario, Tones, que destacó por la abundancia de solos de guitarra. El tema Zap fue nominado en los premios Grammy a la mejor canción de rock instrumental. Johnson empezaba a cobrar importancia en las revistas musicales como un excepcional guitarrista y compositor.

    Antes de volver a grabar y lanzar su siguiente disco se cambió a la discográfica Capitol Records, con la que lanzaría en marzo de 1990, Ah Via Musicom. El disco logra una gran aceptación, en especial el tema Cliffs of Dover, que alcanza el quinto lugar en las listas estadounidenses y ganaría el premio Grammy a la mejor canción de rock instrumental. Este disco daría a Eric la distinción de ser el primer artista en tener tres canciones instrumentales, provenientes de un mismo disco, en los Top 10. Eric estuvo 3 años de promoción en carretera y después hizo una gira con B.B. King y contribuyó en discos de Chet Atkins y Dweezil Zappa.

    No menos importante fue su siguiente álbum, Venus Isle, de (1996), para el que asumió también las labores de teclista y productor. El disco presenta a un Johnson espléndido, tanto vocal como instrumentalmente. Las canciones instrumentales más notables de este disco son Manhattan y S.R.V, tributo a su paisano y leyenda de la guitarra, Stevie Ray Vaughan. La promoción del disco se realizó con el exitoso G3 tour, donde comparte cartel con sus amigos y también virtuosos Joe Satriani y Steve Vai.

    Uno de los proyectos paralelos favoritos de Eric es el trío musical de blues Alien Love Child, el cual lanzó en el año 2000 el disco Live and Beyond con la compañía discográfica Favored Nations, cuyo dueño es Steve Vai. La canción Rain fue nominada en los Grammy como mejor canción de pop instrumental.

    En el año 2002 lanzó el disco Souvenirs, una colección de doce canciones previamente no lanzadas, que incluye demos y actuaciones en directo. En el 2005 lanzó su disco Bloom y en enero de ese mismo año presentó junto a la compañía Fender su propia línea de guitarras Stratocaster.

    En el año 2006, para festejar los diez años del G3, Johnson participó junto a John Petrucci y Joe Satriani.

    Discografía

    En solitario

    * Tones (1986, Warner Bros)
    * Ah Via Musicom (1990, Capitol Records)
    * Venus Isle (1996, Capitol Records)
    * Seven Worlds (1998, Ark 21)
    * Souvenir (2002, Vortexan Music)
    * Bloom (2005, Favored Nations)
    * Live from Austin, TX (2005)

    En grupo

    * Perpetuum Mobile (1970), con Mariani.
    * Electromagnets (1975), con Electromagnets.
    * Makin Whoopie (2000), (Bluejay Records) con Nat Simpkins, Dave Braham, Cecil Brooks III y Harold Jones.
    * Live and Beyond (2000), (Favored Nations Records), con Alien Love Child.
    * Electromagnets 2 (2006), (Vortexan Records), con Electromagnets.
    * G3
    * The Washing Away Of Wrong (2007), con John5 del album “The Devil Knows My Name”.

    VIDEO 1

    >RYAN ADAMS

    >

    David Ryan Adams (nacido el 5 de noviembre de 1974,en Jacksonville, Carolina del Norte) músico de un estilo que ha venido a ser llamado Alt-Country/Rock.

    A los 16 años abandonó el instituto para trabajar en una zapatería y comenzar a escribir música. Formó una banda llamada Whiskeytown en 1994 la cual se separaría en 1999. Adams publicó su primer disco en solitario en el año 2000, lleva por título Heartbreaker.

    Es un artista prolífico que ha publicado ocho discos y numerosos Eps entre el 2000 y el 2005. También ha producido un álbum a Jesse Malin, ha contribuido con Beth Orton, the Walflowers o Counting Crows. Y Mantuvo relaciones sentimentales con Winona Ryder, Alanis Morissette (con la que aún mantiene una buena amistad), Beth Orton, Leona Naes, Carrie Hamilton y Parker Posey (musa del cine independiente norteamericano). Ha colaborado con otros músicos de renombre como Elton John, Willie Nelson o Toots and the Maytals. Publicó un disco de punk grabado con Jesse Malin con el nombre de The Finger. Posteriormente en el 2009 colaboró en el disco The Fall de Norah Jones

    Alrededor de año 2004 se unió a la banda The Cardinals con la que publicó 5 discos siendo el primero lanzado en el 2005 y el último a finales del 2008

    A principios del 2009, Adams dejaría la banda The Cardinals alegando que se tomaría una indefinida pausa de la música debido principalmente al desarrollo de la Enfermedad de Ménière que le causara problemas auditivos, manifestando también desilusiones en la industria musical, en el comportamiento de la audiencia y la prensa.

    El 11 de febrero del 2009, Ryan Adams se comprometió con su intermitente novia, la actriz y cantante pop estadounidense Mandy Moore Para luego casarse con ella el 10 de marzo del 2009 en Savannah, Georgia

    En marzo del 2010, Adams anunció su nuevo proyecto musical, un disco de metal titulado Orion, que saldría a la venta bajo la casa discografica PAX-AM

    Discografía

    Álbumes

    Año Título Discográfica
    2000 Heartbreaker Cooking Vinyl
    2001 Gold
    2002 Demolition
    2003 Rock ‘N’ Roll
    2004 Love is Hell
    2005 Cold Roses Lost Highway
    Jacksonville City Nights
    29
    2007 Easy Tiger
    2008 Cardinology

    VIDEO 1