>ASIA

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Asia es un grupo de rock progresivo y AOR. Fue creado en 1981 como un supergrupo, ya que sus miembros formaban parte de Yes; King Crimson; Emerson, Lake and Palmer y The Buggles.

El grupo surge en una época en la que varias de las principales bandas de rock progresivo británico, como Yes o Emerson, Lake and Palmer, se encuentran estancadas o envueltas en rumores de separación. Tras la ruptura de King Crimson en 1974 comienzan a surgir planes de crear una superbanda, lo cual intenta en un primer momento el bajista John Wetton junto a Bill Bruford y Rick Wakeman en 1976, sin grandes resultados. En 1977 Bruford y Wetton se reunieron con el guitarrista Allan Holdsworth y el teclista/violinista Eddie Jobson. Este proyecto funcionó un poco más, aunque en 1980 fracasaba nuevamente. A la tercera intentona de John Wetton surge un combo junto a Wakeman, el baterista Carl Palmer y el guitarrista Trevor Rabin.

Sin embargo, rápidamente Wakeman decidió centrarse en sus proyectos como solista y nunca llegaron a tocar juntos. En 1981 Wetton y el guitarrista Steve Howe (Yes) se conocen y empiezan a pensar en un nuevo proyecto. Así es como surge definitivamente Asia, ya que rápidamente se enrolaron en el proyecto Geoff Downes y Carl Palmer. El ya citado Trevor Rabin fue considerado para grabar algunas demos, pero finalmente no se quedó en el grupo. Surgió la posibilidad de que se incorporaran Chris Squire y Alan White, pero definitivamente Wetton y compañía decidieron permanecer como un cuarteto. En los primeros años la crítica se ensañó con ellos y no tuvieron el reconocimiento que hoy en día tienen. Los fans tradicionales del rock progresivo encontraron su música cercana a la que suena en las radio fórmulas, por lo que se les tachó de comerciales.

Primeros años

Tal y como se ha mencionado su álbum debut (homónimo) fue criticado por los fans más tradicionales por su música excesivamente comercial, y más a raíz del considerable éxito en ventas que tuvo. Estuvo nueve semanas como número uno en la lista de los más vendidos americanos, y singles como “Only time will tell” o “Heat of the Moment” llegaron a lo más alto de los más prestigiosos tops.

Las canciones de este disco debut siguen sonando actualmente en emisoras de rock clásico. Este LP es considerado como uno de los discos de culto del rock. El tour de presentación del mismo, llevado a cabo en Estados Unidos en los años 1982 y 1983, fue todo un éxito, y Billboard los reconoció como el mejor grupo debutante del año.

Asia es también considerada pionera de la fase dos del rock progresivo. Ni su segundo disco ni ninguno de los posteriores ha tenido el tremendo éxito del primero. Alpha vio la luz en 1983, y temas como la balada “Don’t Cry” también gozaron del más tremendo éxito, a pesar de críticas como la de la revista Rolling Stone (que los tachó de sobre-comerciales). El disco llegó a ser disco de platino, aunque las críticas pudieron con Wetton y abandonó el grupo fugazmente, siendo sustituido por Greg Lake. En este momento se produjo el popular “Asia in Asia”, un concierto del grupo en Japón, que pasó a la historia por ser el primero emitido en directo a través del satélite por la MTV. Posteriormente fue editado en video. En 1985 Wetton vuelve al grupo para comenzar la grabación del disco, aunque Steve Howe abandona y es sustituido por el guitarrista de Krokus Mandy Meyer.

Época Astra

Luego del rechazo de la audiencia a la presentaciones con Greg Lake junto a Asia en Tokio, Japón para MTV en diciembre de 1983, el sello Geffren amenaza romper el contrato con la banda a a no ser que retorne Wetton. Es así como Howe, frente a la imosibilidad de trabajar con Wetton, decide abandonar Vancouver, a mitad del que hubiera sido el tercer álbum de la banda llamado Arcadia, para el cual Roger Dean ya estaba preparando los primeros bocetos.

Es así, una vez descartado el material junto a Howe, Wetton y Downes vuelven a trabajar juntos en la composición de canciones, el cual daría como resultado: “Astra”, aún más alejado del progresivo que sus predecesores, tratando de embarcarse son un sonido más tecno, con sus ya tradicionales baladas melódicas. El sustituto de Howe, el canadiense Mandy Meyer, con un rol secundario de miusico de sesión, imprimió un sonido en las guitarras más cercano al hard rock. El grupo presentaba un modesto “hit single”, “Go”. Luego de desaparecer en los chart en pocas semana, la gira es cancelada y finalmente este line-up muere, y Wetton sigue trabajando junto a Phil Mazanera para publicar en 1987 un disco en solitario basado en material que había trabajado para Asia. El músico era el único implicado en el grupo, hasta que en 1989 se produjo un corto tour en el que lo acompañaban Downes y John Young en los teclados.

En 1989 Wetton, Downes y Palmer vuelven a reunirse con el guitarrista de Toto Steve Lukather (ver sección discografía para más datos) para grabar tres nuevos temas (Prey for Miracle, Days like this Days y Kari Anne) como complemento a un disco doble de antología llamado “Then & Now”, el cual incluye temas de sus primeros 3 discos.

En 1990, tras el fin de la guerra fría y la caída del muro de Berlín, Asia es invitado a tocar en la Unión Soviética. Como guitarrista se decidió por Pat Thrall, quien tenia un fuerte parecido a Howe en el escenario. El tour además de incluir los temas clásicos de la banda, incluyó temas de bandas en donde había participado Wetton como King Crimson y UKy Geoff Downes The Buggles. Como concierto a destacar cabe el de 1990 en Moscú, en el cual tocaron ante 20.000 fans durante dos noches seguidas, colgando el cartel de “no hay billetes”, el cual es registrado en un álbum llamado Live in Moscow el cual fue disco de oro. Tras estos conciertos Asia inicia una gira por Europa culminando en Nothingan, Inglaterra.

Luego de estos conciertos Wetton, tras las contantes criticas de no poder remontar el éxito de sus primeros dos álbumes junto a Asia, abandona el proyecto para centrarse en su carrera como solista. Carl Parlmer por su parte decide reunirse junto a sus ex-compañeros en ELP.

Sin embargo Geoff Downes decide continuar, con el fin de capitalizar el éxito alcanzado por Asia. Para lo cual decide reclutar a un joven y desconocido cantante y compositor americano llamado John Payne, con un timbre vocal más cercano a Wetton de quien había sido su primera opción en 1988, el ex-GTR Max Beacon.

La era Payne

A fin de conservar cierta continuidad, Geoff Downes decide invitar como músicos de sesión a sus ex-compañeros Carl Palmer y al veterano Steve Howe, así como también a quien habían colaborado en otras ocasiones junto a Asia como es el caso de Pat Thrall. También fueron surgiendo músicos que al día de hoy colaboran de vez en cuando con Asia. El disco vio la luz en 1992 con el nombre de Aqua, y a partir de aquí, en las presentaciones de la formación en vivo, comenzando por Steve Howe, siguendo Chris Slade, Guthrie Govan y un sinfín de caras populares de la música británica.

En 1994 se graba “Aria”, y en 1996 “Arena”. El grupo presentó al guitarrista Al Pitrelli (Danger Danger, Megadeth, Savatage) como miembro fijo, pero abandonó al poco tiempo en el corto tour de presentación de Aria. Para la grabación de “Arena” se utilizaron tres guitarristas diferentes. A finales de los años 90 se publican “Archiva 1” y “Archiva 2” (1996 ambos), una colección de temas inéditos compuestos por Downes y Payne que quedaron fuera de las tres primeras grabaciones.

En 1999 se intentó una reunión del line-up original (a excepción de Howe), pero finalmente no se consiguió y John Payne continuó llevando las riendas de Asia. Wetton y Palmer, entretanto, crearon Qango, pero la banda tuvo muy corta vida. En 2001 publican “Aura”, en el cual Asia vuelve al rock progresivo matizado con elementos electrónicos contemporáneos y algunos pasajes con guiños a la bossa nova e incluso al reggae, aunque sin querer aprovechar el tirón comercial de los primeros discos. No tuvo el mismo éxito.

Finalmente en 2004, con la misma alineación de álbum anterior, publican Silent Nation con la colaboración de Billy Sherwood. El cual hunde más a la banda en el ámbito de la tercera división en la música, participando en festivales y presentaciones de pequeñas bandas emergentes, y teatros de escasa capacidad.

Años recientes

Saliéndose de lo que hasta ese momento había sido la dinámica, en 2004 Asia publica un disco cuyo título no es una única palabra: “Silent Nation”. El grupo tenía ahora un line-up más estable, con Geoff Downes, John Payne, Chris Slade y Guthrie Govan. Billy Sherwood y Jay Schellen también participaron en las primeras sesiones de grabación del disco, aunque finalmente se apearon.

En 2005 Downes y Payne llevan a cabo un tour acústico. A finales de ese mismo año el grupo al completo giró por Europa, América del Norte y América del Sur en salas de pequeño y mediano aforo. También se produjo el abandono de Slade, que fue reemplazado por Schellen. El grupo comenzó a trabajar en un nuevo disco.

Reunión de 2006

El 1 de febrero de 2006 la página web oficial de Steve Howe anunció que el line-up original estaba reunido y planeando un CD, un DVD y un tour mundial para conmemorar el 25 aniversario del grupo. A pesar de que se anunció con bombos y platillos, Carl Palmer se mostró más cauteloso, y dijo que no estaba confirmado que girasen por todo el mundo.

En mayo Palmer anuncia que el line-up original va a girar por Estados Unidos, a la par que da detalles sobre un nuievo disco que podría ver la luz en 2007.

Es así como después de 25 años de encuentros y desencuentros finalmente la alineación original de Asia se reúne para conmemorar un cuatro de siglo luego del lanzamiento de su primer y más exitoso álbum.

De acuerdo a su Itinerario por Sudamerica, se presentan en México (el 14 de marzo Auditorio Nacional, Ciudad de México), en Brasil, en Argentina (el Lunes 19 de marzo, Teatro Gran Rex, calle Corrientes, Buenos Aires) y en Chile (el Sábado 21 de Marzo, Teatro Teletón, Santiago). Conciertos que Hicieron cantar durante 2 horas salas llenas de sus fanáticos con temas como “Heat of the moment”, “Only time will tell”, “Without you”, “Cuttin Fine” entre otras, manteniendo viva y actual la llama del rock, que emociona aún a las generaciones de esa época y se transmite a las actuales.

Lamentablemente a finales de 2007, la gira de Asia por la parte oeste de los Estados Unidos es suspendida, debido a que en un examen de rutina a John Wetton se le descubre por medio de una MRI una seria oclusión cardiaca del 99%, la cual pone en serio riesgo su vida, teniendo que internarse de urgencia para ser intervenido en una operación a corazón abierto. Sin embargo, la operación fue un éxito y Wetton lentamente retoma su trabajo con sus compañeros en Asia, quienes firman un contrato con EMI para lanzar un nuevo álbum llamado Phoenix para abril del 2008, el cual promete revivir la magia de los dos primeros álbumes del grupo.

Miembros

Formación actual

* Geoff Downes
* John Wetton
* Steve Howe
* Carl Palmer

Miembros anteriores

Muchos músicos han pasado por el grupo, especialmente en los años 90 del siglo XX cuando en las presentaciones en directo no había músicos fijos sino más bien invitados.

* Greg Lake – bajo y voz (sólo diciembre de 1983)
* Mandy Meyer – guitarra
* Pat Thrall – guitarra
* Al Pitrelli – guitarra
* Michael Sturgis – batería
* John Payne – bajo y voz (1992-2004)
* Aziz Ibrahim – guitarra
* Tomoyasu Hotei – guitarra
* Elliot Randall – guitarra
* Luis Jardim – percusión
* Guthrie Govan – guitarra
* Chris Slade – batería
* Jay Schellen – batería

Discografía

Álbumes

* 1982 – Asia (Downes, Wetton, Howe, Palmer)
* 1983 – Alpha (Downes, Wetton, Howe, Palmer)
* 1986 – Aurora (Japanese-only EP)
* 1990 – Then & Now (New tracks: Downes, Wetton, Lukather, Komie, Meyer, Gorham, Palmer)
* 1992 – Aqua (Downes, Payne, Howe, Pitrelli, Palmer, Glynne, Phillips, Gloker)
* 1994 – Aria (Downes, Payne, Pitrelli, Sturgis)
* 1996 – Arena (Downes, Payne, Sturgis, Ibrahim, Randall, Hotei, Jardim)
* 1996 – Archiva 1 (Downes, Payne, Howe, Pitrelli, Gorham, Glynne, Dessent, Sturgis, Glockler, Nye)
* 1996 – Archiva 2 (Downes, Payne, Pitrelli, Randall, Gorham, Glynne, Dessent, Palmer, Sturgis, Glockler, Thornton, Hayman, Nye, Jardim)
* 1999 – Rare (Downes, Payne)
* 2001 – Aura (Payne, Downes, Howe, Crichton, Randall, Thrall, Govan, Slade, Sturgis, Colaiuta, Jardim, Levin)
* 2004 – Silent Nation (Downes, Payne, Govan, Slade)
* 2008 – Phoenix (Downes, Wetton, Howe, Palmer)
* 2010 – Omega (Downes, Wetton, Howe, Palmer)

Asia – Wildest Dreams

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>EMERSON LAKE AND PALMER

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Emerson, Lake & Palmer (también conocida como ELP) fue una banda inglesa de rock progresivo que alcanzó su mayor popularidad en década de 1970, vendiendo más de 35 millones de discos y realizando multitudinarios conciertos. La espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones los pusieron a la altura de las grandes bandas y los hicieron legendarios. El trío, al mismo tiempo, preparó el camino a otras bandas progresivas a la difusión del género pasando de una especie de gueto musical a convertirse en un fenómeno radiofónico.

Dentro de la explosión progresiva de la Gran Bretaña de finales de los años 60, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial del virtuoso estilo caracterizado por la amalgama entre rock, jazz y música clásica que ponía de manifiesto el talento instrumental de sus protagonistas. El terceto, formado en el año 1970, estaba compuesto por tres conocidos músicos de la escena británica: el teclista Keith Emerson (proveniente de The Nice); el bajista, guitarra y cantante Greg Lake (proveniente de King Crimson); y el batería Carl Palmer (proveniente de Atomic Rooster). Con tal espléndido currículum era lógico que la nueva banda atrajera la atención tanto de la prensa como del público.

Además de la casa fundada por ellos, Manticore, otras discográficas que editaron la obra de esta banda son Island Records, Atlantic Records, Polydor, London Records, Geffen, Victory Records, Sanctuary Records, King Biscuit, Eagle, Metal Minds, Rhino y Castle.

La génesis de la banda se remonta a los últimos años de la década de los sesenta. Keith Emerson, a quien bautizaron “El Jimi Hendrix del órgano”, tenía un grupo llamado The Nice, que, aunque había colocado algunos sencillos en las listas, era más conocido por sus extravagantes presentaciones en vivo que por otra cosa. En dos de sus presentaciones le tocó compartir el escenario con otra banda llamada King Crimson. Ésta era una agrupación con más carretera cuyo LP In the Court of the Crimson King además de ser un verdadero éxito que los puso a circular en Estados Unidos y Europa, es ún mítico álbum para el rock progresivo y a menudo considerado el primer disco de ese género. Sobre su segundo encuentro el 17 de octubre de 1969 en el Farifield Hall Greg Lake recuerda:
“Estábamos en el Fillmore West en San Francisco y King Crimson se presentaba junto a The Nice. King Crimson se había empezado a desintegrar para ese momento y durante la prueba de sonido conversé con Keith. Ian y Mike decidieron que no querían irse de gira. De alguna manera nos presionaron y de esa manera la banda estaba a punto de separarse, al mismo tiempo Keith sentó a que él había llevado a The Nice tan lejos cómo se pudo. Durante esa prueba de sonido él (Emerson) estaba ensayando esta canción… que no puedo recordar su nombre, pero que era de jazz. Y entonces empecé a tocar junto a él y bueno…”

Otra anécdota a destacar es que antes de incluir a Carl Palmer en la batería, Keith Emerson y Greg Lake se habían contactado con Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience para ofrecerle el lugar de baterista en la banda. Mitchell se mostró desinteresado pero le pasó la idea a Jimi Hendrix, quién cansado de estar en su banda y con ganas de probar algo diferente, le pudiera satisfacer formar parte del supergrupo. Luego de la incorporación de Palmer la prensa británica comenzó a especular sobre la formación de un supergrupo llamado HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer). Debido a problemas de calendario en las giras algunos planes no pudieron concretarse, pero la idea inicial del trío de tocar con el guitarrista luego del Festival de la Isla de Wight y la posibilidad de que éste se les uniera eran una casi realidad. Lamentablemente, Jimi Hendrix falleció casi un mes después del aclamado festival y el proyecto jamás se concretó.

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Los primeros ensayos del grupo partieron del repertorio de The Nice y King Crimson incluyendo sus temas más conocidos “Rondo” y “21st Century Schizoid Man”, respectivamente. En agosto de 1970 aún sin tener terminado el material para su primer álbum Emerson, Lake & Palmer se presentó en el Plymouth Guildhall en Inglaterra y cuatro días más tarde en el célebre Festival de la Isla de Wight celebrado en el 29 de agosto del año 1970 donde lograron fama instantánea. En ese mismo festival se presentaron artistas de la talla de Jimi Hendrix, Bob Dylan, The Doors, The Who y Jefferson Airplane.

Comienzos

El primer disco, titulado Emerson, Lake & Palmer, estuvo listo en septiembre y fue puesto a la venta en noviembre convirtiéndose en un éxito inmediato que estuvo entre los 10 más vendidos en Inglaterra y entre los 20 de Estados Unidos, todo este éxito se vio ayudado por el sencillo “Lucky Man” y su presentación rápidamente se dio a conocer como un espectáculo digno de ver. Esta obra clasificada como uno de los discos mejores hechos por el trío en su carrera a pesar de que no goce de composiciones hechas íntegramente por los miembros del grupo en conjunto. El disco contiene excelentes cortes como “The Barbarian” (basada en la obra “Allegro Barbaro” del compositor húngaro Béla Bartók de 1911) y “Knife Edge” (otro arreglo, en este caso basado en la “Sinfonietta” del compositor checo Leoš Janácek).

Luego de semejante explosión llegaría Tarkus, el segundo disco del supergrupo, un trabajo conceptual lanzado en 1971 que alcanzó el número 1 en el Reino Unido y en los Estados Unidos el número 9. Su sonido se presentaba algo más elaborado y complejo, más virtuoso que su debut, con una primera cara dominada por una extensa suite.

Keith Emerson estaba interesado en explotar todo el rango de posibilidades del sintetizador concibiendo una suite cuya apertura era una erupción de sonido. Por su parte Palmer había encontrado un patrón de batería bastante inusual que quería usar a toda costa. Cuando ambos le presentaron sus ideas a Lake, que hizo de productor en el primer disco, no logró entroncar con el tema. Dudó y empezaron una serie de discusiones que hicieron pensar que no habría segundo disco. Finalmente el grupo acordó estar en desacuerdo sobre la pista sobre la que había diferencias: “Tarkus”. Al final el tema se convirtió en el título del disco, conocida por ser uno de las composiciones más espectaculares y representativas del rock progresivo y lo que ayudó definir el sonido de Emerson, Lake & Palmer como se lo conoce hoy.

Más tarde el grupo grabó una adaptación de la obra del compositor Modest Petrovich Mussorgsky, Pictures at an Exhibition, durante una presentación en vivo en Newcastle City Hall el 26 de marzo de 1971. El disco fue puesto a la venta y rápidamente se convirtió en un éxito mayúsculo, además de ser esencial en cualquier colección progresiva.

Consagración

Ocho meses después Emerson, Lake & Palmer sacó a la venta Trilogy, otro de los trabajos más aclamados. La experiencia de su antecesor y el éxito alcanzado hizo que los tres músicos se entendieran mejor y que en este nuevo disco sus aportes estuvieran al mismo nivel cada cual asumiendo su responsabilidad musical. De hecho, Lake nunca había cantado mejor o el grupo sonado más relajado. Nuevamente fue un éxito comercial alcanzando el segundo lugar en las listas británicas. El número que se destacó de los demás y se convirtió en una especie de sello del grupo, la adaptación del tema “Rodeo” de Aaron Copland titulado “Hoedown”. Además de otras canciones sumamente destacables como la explosión de rock progresivo de “Trilogy” y la balada acústica “From The Beginning”, un éxito masivo en los ránkings.

En noviembre de 1973 el terceto pone a la venta Brain Salad Surgery, lo que es para muchos la obra maestra de ELP y sin lugar a duda una de las grandes joyas del género progresivo. Aquí la banda incorpora en la escritura de las letras de las canciones a Peter Sinfield conocido por su trabajo con King Crimson con lo que dio un toque sombrío y apocalíptico en las líricas del álbum. El plato fuerte del mismo es la pieza épica de 30 minutos “Karn Evil 9”, un verdadero éxtasis de virtuosismo dividida en tres impresiones y considerada como uno de los últimos picos máximos del rock progresivo. Otros de los temas más representativos son “Jerusalem”, que es una selección en la que recitan el poema del mismo nombre, escrito por William Blake, con el ritmo de la obra compuesta por Hubert Parry (fue el único single pero fue censurado en el Reino Unido por el contenido de su lírica), y la adaptación del cuarto movimiento del concierto para piano del compositor argentino Alberto Ginastera “Toccata”. Nuevamente el trío llegaría a las altas posiciones tanto en las listas europeas (alcanzando en el Reino Unido la segunda posición) como en Estados Unidos

La subsecuente gira mundial fue registrada en un triple disco en directo titulado Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends. Durante ese tour se dejó en claro que Emerson, Lake & Palmer era una de las bandas más importantes de la década por ese entonces cuando cerró el célebre festival California Jam en abril de 1974, dicho festival contó también con las participaciones de renombradas bandas como Deep Purple y Black Sabbath.

Declive

Tras algunas tensiones y, consecuemente, tres años de silencio, se juntaron nuevamente en el estudio. Su siguiente trabajo llamado Works, Vol. 1, lanzado en 1977, fue el final de los triunfos y la disolución del sonido del grupo. Cada integrante de la banda se sentía incómodo con el otro y preferían trabajar en sus propios discos antes que producir juntos. Sin embargo, la cordura prevaleció y se dieron cuenta que ningún proyecto en solitario iba a ser mejor que un disco en conjunto. Este álbum fue una solución salomónica de dos LPs en los que cada artista tenía una cara del disco y una cuarta era colectiva.

El disco no vendió lo acostumbrado y el grupo dejó de sonar igual, el LP había destruido la unidad del trío. Parecía que lo único que los motivaba a tocar eran sus obligaciones contractuales. Más grave aún fue el hecho que perdieron tiempo trabajando en un doble LP mientras que el gusto de la gente estaba cambiando. Las bandas de rock progresivo estaban siendo criticadas porque el nivel de abstracción de la gente había bajado y las canciones largas, los discos conceptuales, la fusión entre lo clásico y el rock habían sido condenados a muerte por la música disco, un rock pop cada vez más liviano y el auge de la reciente música punk. Igualmente y a pesar de todo el grupo colocó un número uno en las listas y uno de sus temas más conocidos, “Fanfare For The Common Man”.

Works, Vol. 2, que salió a la venta en noviembre de 1977, no fue más que una colección de oscuros lados B y algunos temas de hacía cuatro años.
Lake en una actuación de ELP en el estadio Maple Leaf Gardens, en Toronto. 3 de febrero de 1978.

Palmer en la actuación de Toronto de 1978.

Su siguiente disco, Love Beach, de 1978, fue descrito por los integrantes del grupo como resultado de la inercia y completamente prescindible, grabado por exigencias de la discográfica. No obstante, contiene una versión de los “Canarios” de Gaspar Sanz de cierto interés musical.

Un año después del último trabajo referido se separaron, y ejercería cada uno diferentes proyectos en la industria musical. Greg Lake inició una carrera en solitario que resultó ser bastante exitosa, Keith Emerson se dedicó a grabar música para filmes y uno que otro proyecto personal, mientras que Carl Palmer se unió al supergrupo Asia.

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Reencarnaciones

En 1985 la discográfica Polydor intentó rearmar Emerson, Lake & Palmer. Aunque Emerson y Lake prácticamente no se habían vuelto a ver desde la separación del grupo se reunieron en Londres para evaluar el proyecto. Palmer, por su parte avaló la idea pero no participó debido a que estaba atado a Asia. Luego de que varios bateristas se presentaran ante ellos contrataron a Cozy Powell quién tocaba con Whitesnake, además de haber estado en el grupo de Jeff Beck y en Rainbow.

Emerson, Lake & Powell lanzaron su disco debut en 1986 y empezaron a ensayar para su gira por los Estados Unidos e Inglaterra. Aunque no alcanzaron el éxito de la formación anterior el grupo logró producir un muy aceptable disco. Luego de que el trío anunciara su gira norteamericana para 1986 la gente empezó a entusiasmarse con la idea. Sin embargo, esa fue la única visita a norteamerica. Con el final de la gira llegó el final de Emerson, Lake & Powell.

Después de esta experiencia vinieron proyectos en los que se mezclaban integrantes de cuanta banda progresiva había existido, pero no fue hasta 1991 cuando fueron llamados por Phil Carson (Con el regreso de Carl Palmer) para que los tres ayudaran a componer la música de una película. La película nunca se concretó, pero el disco sí: Black Moon. En 1992 el grupo volvió a los escenarios y con un disco muy bien producido por Mark Mancina un músico de filmes, admirador a muerte del trío y un músico maduro. El álbum devolvió a ELP a la escena contemporánea de la música manteniendo el sonido tradicional del grupo agregándole un sonido vibrante y moderno.

Durante 1992 y 1993 estuvieron de gira y se instalaron en Los Ángeles para grabar a finales del ’93 su siguiente disco. Fue durante este período que Keith Emerson empezó a tener problemas con un nervio de su brazo derecho que lo obligó a entrar al quirófano. Esto afectó seriamente la calidad de In the Hot Seat que debió ser grabado por separado y luego armado en un estudio. El estado de salud de Emerson obligó a suspender la gira que tenían planeada. Luego de dos años fuera de la escena musical volvieron en 1996 acompañados por sus colegas de Jethro Tull en una gira triunfal por todos Estados Unidos. Esta gira fue de las más apreciadas por la crítica y de las más aplaudidas por el público durante ese verano boreal. Y a pesar de que los tres miembros del grupo continuaban con sus propios proyectos la cálida recepción de la gente los consolidó como grupo nuevamente.

Sin embargo, cuando tenían planeado encarar el estudio de vuelta luego de una gira en 1998, la banda volvió a disolverse debido a tensiones entre los miembros. Desde entonces los músicos continuaron con sus proyectos en solitario sin la idea de volverse a juntar tras haber pasado ya una década. Aunque a principios de 2009 hubo intenciones de reunir nuevamente al trío para algunos shows pero fue cancelada debido a algunos inconvenientes físicos de Keith Emerson que lo llevó también a cancelar sus shows con su banda Keith Emerson featuring Marc Bonilla.

Legado

Desde hace 40 años y pese a los altibajos, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer están entre los grandes pioneros del rock progresivo. Su música se ha mantenido como un referente del género además de seguir llamando la atención de las nuevas generaciones. Sin duda tres artistas con talento extraordinario y que desde sus inicios causaron expectación en los medios al venir cada uno de sus anteriores bandas ya con algún prestigio (King Crimson, The Nice, Atomic Rooster) popularizaron tanto la interpretación de música clásica con arreglos de rock, como la fusión de ambas (Su éxito resulta peculiar si se considera que en sus álbumes se puede encontrar música de compositores tan disímiles entre sí como Alberto Ginastera, Béla Bartók o Aaron Copland)e ingresaron a la categoría de las bandas “Arena Rock” o “rock-estadio” tocando siempre para más de 50 mil personas o como alguna vez sucedió, hasta 300 mil, donde la exageración tanto en lo musical como en la vida misma del desarrollo de este magnifico trío lo constata.

Miembros

La banda estaba conformada de tres integrantes:

* Keith Emerson (ex miembro de The Nice) en teclados.
* Greg Lake (ex miembro de King Crimson) en guitarras, bajo y voces.
* Carl Palmer (ex miembro de Atomic Rooster) en batería y percusione

Emerson Lake and Palmer – Hoedown

Emerson Lake and Palmer – Promenade & The Gnome

Emerson Lake and Palmer – From the beginning

Emerson Lake and Palmer – The Sage

>KITARO

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Kitaro nació como Masanori Takahashi el 4 de febrero de 1953, en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón) es compositor y multi-instrumentista. Su nombre artístico le fue dado por sus amigos posteriormente, quienes lo sacaron de un personaje de una serie manga de la televisión japonesa llamado Kitarō, de GeGeGe no Kitarō. Él es hijo de una familia de granjeros sintoístas.

Entre 1983 y 1990 estuvo casado con Yuki Taoka. Yuki es hija de Kazuo Taoka, el padrino de Yamaguchi-gumi, el sindicato Yakuza más grande de Japón. Kitaro y Yuki tienen un hijo, Ryunosuke, que vive en Japón. Ellos se separaron porque Kitaro trabajaba la mayor parte del tiempo en los Estados Unidos y ella vivía y trabajaba en Japón. A mediados de 1990 Kitaro se casó con Keiko Matsubara, una profesional de la música que ha participado en varios de sus álbumes. Kitaro vivió con ella y el hijo de ambos en Ward, Colorado en una extensión de 180 acres (730,000 m²). Construyó en su casa un estudio de 2500 pies cuadrados (230 m²) (es lo suficientemente grande como para albergar a una orquesta de 70 componentes), en el que compuso la obra “Mochi House”. Kitaro y Keiko se trasladaron posteriormente a Occidental, California.

Primeros años

Inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. “Esta música no proviene de mi mente,” señala. “Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, ‘¿De quién es esta canción?’ Escribo mis temas pero no son mis temas.”

Mientras asistía al Toyohashi Commercial High School, organizó con unos amigos el grupo Albatross. En esa época, ellos tocaban en fiestas y clubes. Durante la enseñanza secundaria comenzó tocando la guitarra pero luego se cambió al teclado. Justo antes de las actuaciones el batería tuvo un accidente y Kitaro le sustituyó. Poco tiempo después el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.

Cuando terminó el colegio se fue a Tokio y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocaba el teclado y descubrió el sintetizador. Sus padres se opusieron a que continuase con su carrera musical porque tenían otros planes para él. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinar y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.

A principios de los años 70, se dedicó totalmente al teclado. Se unió a la banda Far East Family Band (La Banda de la Familia del Lejano Oriente) y con ella recorrió el mundo. En Europa conoció al músico de sintetizadores alemán y ex miembro de Tangerine Dream Klaus Schulze. Schulze produjo dos álbumes para la banda y le dio a Kitaro consejos en relación al uso de los sintetizadores. En 1976, dejó la banda y viajó por Asia (China, Laos, Tailandia e India).

Solista

Al volver a Japón, comenzó su carrera de solista, en 1977. Los primeros dos álbumes Ten Kai y From the Full Moon Story se convirtieron en obras de culto para los admiradores del naciente movimiento de la Nueva Era. Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.

Kitaro es una persona muy modesta. “La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero”, señaló. “Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua “. Desde 1983, su respeto por la naturaleza lleva a Kitaro todos los años a dar las gracias a la Madre Naturaleza con un concierto especial en el Monte Fuji o cerca de su residencia en Colorado. Un día de luna llena de agosto toca un tambor Taiko desde el atardecer hasta el amanecer. Frecuentemente sus manos llegan a sangrar.

Pero fue su famosa banda sonora para la serie NHK “Silk Road” la que llamó la atención internacional. Firmó un contrato con Geffen Records para la distribución mundial de sus obras en 1986. En 1987, colaboró con diferentes músicos, como por ejemplo, Micky Hart (Grateful Dead) y Jon Anderson (Yes) y las ventas de sus discos llegaron a 10 milliones de copias a nivel mundial. En esa época fue nominado en dos ocasiones al Grammy y ganó un premio en 1994 a la “Mejor Partitura Original” por la banda sonora (de la película “Heaven & Earth”). Su mayor éxito musical fue el Premio Grammy de 2001 por su álbum Thinking of You.

Otros trabajos

Ha trabajado también con el virtuoso de la guitarra Marty Friedman, ex integrante de Megadeth, en el álbum “Scenes” que produjo un impacto significativo en el siguiente lanzamiento de Kitaro, “Mandala”. Kitaro también compuso la banda Sonora de la película de Oliver Stone, Heaven and Earth.

Discografía

1976 – Oasis
1978 – Ten Kai/Astral Voyage/Astral Voyager/Astral Trip
1979 – Full Moon Story/Daichi
1980 – Silk Road (a.k.a. The Soghdian Merchants on VHS)
1980 – Silk Road II
1980 – In Person/In Person Digital (en vivo)
1980 – Silk Road Suite (interpretación de la London Symphony Orchestra dirigida por Paul Buckmaster)
1981 – Silk Road III: Tunhuang/Tonko/Dunhuang
1981 – Best of Kitaro vol 1
1982 – World of Kitaro (interpretación de la London Philharmonic Orchestra dirigida por John Lubbock)
1981 – Ki
1982 – Millennia/Queen Millennia
1983 – Silk Road IV: Tenjiku/India
1983 – Portopia ’81/Portpier Matsushita Kan (Sencillo incluido en luego Noah’s Ark)
1984 – Silver Cloud/Cloud
1984 – Live in Asia/Asia Super Tour Live/Asia (en vivo)
1986 – Toward the West/Endless Journey/Saihou: Journey of Silk Road
1986 – Tenku
1987 – The Light of the Spirit
1988 – Ten Years/Best of Ten Years
1990 – Kojiki
1991 – Live in America
1992 – Dream/Lady of Dreams (con Jon Anderson)
1993 – Heaven and Earth
1994 – Mandala
1994 – Tokusen II (cd 1 compilación, cd 2 en vivo llamado también Live in Osaka)
1995 – An Enchanted Evening (en vivo)
1996 – Peace On Earth
1996 – Kitaro World of Music (música de Kitaro interpretada por Yu-Xiao Guang)
1997 – Cirque Ingenieux
1998 – Gaia-Onbashira
1998 – Six Musical Portraits (Compilación)
1999 – Best of Kitaro vol 2
1999 – Thinking of You
2000 – The Soong Sisters
2000 – The Essential Collection (solo Japón)
2000 – Nile (Sencillo incluido luego en Ancient)
2001 – Ancient
2001 – Endless Journey (Compilación)
2001 – Healing Forest (Compilación)
2001 – Noah’s Ark (Compilación)
2001 – Tamayura (DVD)
2002 – An Ancient Journey
2002 – Daylight, Moonlight in Yakushiji/Yakushi-Ji (en vivo)
2002 – Mizu Ni Inorte
2002 – Asian Cafe/Ashu Chakan (Compilación)
2003 – Best of Silk Road
2003 – Sacred Journey of Ku-Kai
2004 – Shikoku 88 Places
2005 – Sacred Journey of Ku-Kai Volume 2
2006 – Spiritual Garden
2007 – Sacred Journey of Ku-Kai Volume 3
2008 – The Definitive Collection (Compilación)
2008 – Toyo’s Camera (Compilación-Soundtrack)
2009 – Impressions Of The West Lake

Kitaro – The Silk Road

>VANGELIS

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Vangelis es uno de los mejores compositores en todos los campos de la música de las últimas décadas. Sus trabajos son muchos y variados, por lo que es muy difícil tratarlos todos, sin dejar ninguno en el tintero.

La carrera de compositor de Vangelis Papathanassiou (1943) comenzó a los cuatro años de edad. A los seis, y aún sin ninguna preparación formal, interpretó en público sus propias composiciones. Comenzó pues, a dar expansión al lenguaje musical que poseía, y a desarrollar ese característico estilo personal por el que hoy se le conoce.

Siendo aún muy joven, creó un grupo llamado “Formynx”, que tuvo mucho éxito en su país, Grecia. En 1968, Vangelis se transladó a París, donde formó un grupo junto a Demis Roussos y Loukas Sideras llamado “Aphrodite’s Child”. Vangelis y sus compañeros publicaron los siguientes álbumes obteniendo un éxito aceptable: “Rain and Tears” (1968), “Aphrodite’s Child” (1969), “It’s Five O’clock” (1969), “Best of Aphrodite’s Child” (1969) y “666” (1970). Después de su extraño doble álbum “666”, el trío se disolvió.

Vangelis permaneció poco más en París, donde grabó: “Poème Symphonique”, “Fair Que Ton Reve Plus Longue Que La Nuit” (1971) y el álbum “Earth” (1973), primera composición que realizó en solitario. También estableció una relación creativa con Frédéric Rossif (director de cine francés), para el que realizó varios temas, como “Cantique des Créatures”, junto a una serie de films sobre la naturaleza: “Apocalypse Des Animaux” (1972) (cuya segunda canción del álbum: “La Petite Fille De La Mer” nos cautivó a todos como música de la carta de ajuste de Televisión Española durante algunos años), “La Fête Sauvage” (1976), “Opera Sauvage” (1979) y “Sauvage et Beau” (bastante más adelante, concretamente en 1988).

Vangelis se transladó a Londres en 1974, donde instaló su propio estudio de música y en donde continuó con su labor creativa: “Heaven and Hell” (1975), “Albedo 0.39” (1976), “Spiral” (1977), “Beaubourg” (1978), “China” (1979) y “See You Later” (1980), trabajos de gran clase y mucho éxito que son recopilados algunos de ellos en “Best of Vangelis” (1978).

En estos años, algunas colaboraciones suyas son junto a Socrates en “Phos” (1976), Demis Roussos (antiguo componente del trío Aphrodite’s Child) en “Magic” (1977) e Irene Papas en el álbum “Odes” (1979). Todas estas composiciones las alterna trabajando junto al cantante Jon Anderson con el que publica varios LPs como “Olias of Sunhillow” (1976), “Short Stories” (1979), “The friends of Mr. Cairo” (1981), “Private Collection” (1983) y “The best of John and Vangelis” (1984), en donde queda resumido lo mejor de estos trabajos.

La década de los ochenta la inicia alcanzando su punto cumbre: un Oscar por la tan conocida banda sonora de “Chariots of Fire” (1981). Bandas sonoras de éxito relevante son también: “Bladerunner” (1982) (pero que no se publicaría hasta bastante más tarde, concretamente en 1994, en dónde el tema de los créditos del final de la película, hace realmente brillar a Vangelis), “Missing” (1982), “Antarctica” (1983) y “Mutiny on the Bounty” (1984); bandas sonoras cuyos temas principales (junto a otras composiciones) están recogidos en el disco “Themes” publicado en 1989.

Otros discos de esta década son: “Soil Festivities” (1984), “Invisible connections” (1985) (obra sinfónica), “Mask” (1985) (obra sinfónico-coral) y “Direct”(1988) (en el que Vangelis utiliza una nueva técnica a la hora de crear música: componer, arreglar y grabar casi simultáneamente, con lo que así se asegura un máximo de espontaneidad, el resultado, un buen disco con aires futuristas).

Entramos en la década de los noventa y comienza publicando en 1990 “The City” y a continuación la banda sonora de “1492 Conquest of Paradise” (1992), que tuvo gran éxito entre sus seguidores. Luego permaneció inactivo (musicalmente hablando) hasta 1995, año en el que publicó “Voices”, un disco por debajo de la media, en donde destaca el tema que le da título al disco. A continuación salió a la luz un disco recopilatorio titulado “Portraits” (1996), en dónde se recogen prácticamente todos los éxitos de este músico griego desde sus orígenes hasta la fecha, en un CD aprovechado al máximo y por supuesto recomendado a todos aquellos que no dispongan de sus discos anteriores. Su siguiente trabajo es “Oceanic” (1996), un disco en el que muchos de los ritmos utilizados recuerdan a trabajos anteriores. A pesar de no ser un disco brillante, Vangelis realiza un trabajo correcto, y mantiene una línea muy regular en todo el disco, destacando ligeramente (sobre el resto de las composiciones) los siguientes temas: “Bon voyage”, “Spanish harbour” y “Song of the seas”.

También en 1996 Vangelis publica el disco “Gift”, que consiste en un “regalo” para el oyente, ya que recoge interesantes temas de diferentes épocas. En el año siguiente (1997) salen a la luz algunas reediciones de discos ya editados con anterioridad por Vangelis y algunos recopilatorios; además crea tres nuevos temas publicados en el recopilatorio de Monserrat Caballé: “Friends for Life”. En 1998 Vangelis publica un interesante trabajo dedicado a su compatriota y gran pintor Domenikos Theotokopoulos (más conocido como “El Greco”). Un buen trabajo de Vangelis, pero en el que quizás nos esperabamos encontrar algo más aparte de la colaboración de Konstantinos Paliatsaras y de Monserrat Caballé. En 1999 Vangelis edita un nuevo recopilatorio “Reprise 1990-1999”, que, como es de suponer, recoge algunos de sus mejores temas de esta década. Y por último (hasta la fecha) en el año 2000 aparece la reedición oficial remasterizada de “Chariots Of Fire”.

Lo cierto es que Vangelis, aunque sigue publicando discos con bastante frecuencia, quizás ya no alcance el nivel musical exigible a un músico de su categoría, pero a pesar de esto, Vangelis no dejará de pasar a la historia de la música electrónica como uno de los clásicos del siglo XX.

Vangelis – Chariots of Fire

>MANFRED MANN

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Manfred Mann es el nombre artístico de Manfred Lubowitz, nacido el 21 de octubre de 1940 en Johannesburgo (Sudáfrica).

Estudió música clásica en la Universidad de Witwatersrand. Comenzó como teclista de jazz en su país natal, continuando en Inglaterra desde 1961, compaginando la actuación con su actividad como profesor y redactor de artículos. Estos artículos los firmaba con el seudónimo de Manfred Manne. De ahí derivará poco después el nombre Manfred Mann.

Manfred mann fueron uno de los mejores grupos británicos de los 60’s; un grupo que supo combinar muy bien su faceta R&B y jazz (la verdadera pasión de la banda), con el pop mas pegadizo y bien construido.

La banda se forma en Londres a finales de 1962 con el nombre de The Mann-Hugg Blues Menn. Manfred Mann, cuyo nombre real era Manfred Lubowitz había nacido en Johanesburgo (Sudáfrica), pero en 1961 se fué de allí, principalmente por su descontento con el régimen de Apartheid que predominaba en su país.

Manfred era un gran pianista y un apasionado del jazz, y de esta manera conoce a Mike Hugg en Londres, y los dos se propondrán formar una banda de jazz y blues. Un año mas tarde, la formación de la banda estaba completada, quedando la formación original de esta forma: Manfred Mann a los teclados, Mike Hugg a la batería, Paul Jones como cantante y harmónica, Mike Vickers a la guitarra y Dave Richmond al bajo.

Su primer single se publicará a principios de 1963 (ya con el nombre del grupo cambiado definitivamente a Manfred Mann), y será el tema instrumental de corte jazz “Why Should We Not” que pasaría desapercibido para el público. Su segundo single “Cock a Hoop” tampoco les llevaría a la fama.

La fama le llegaría al grupo a principios de 1964, cuando el programa musical Ready Steady Go les propondría que compusieran una melodía para el programa, ellos complacerían la petición con el tema “5 4 3 2 1”, una canción mucho mas pop que sus dos anteriores singles; el tema les llevó al top 5 de las listas de singles británicos.

Poco después de este éxito en single, Dave Richmond abandonaba el grupo siendo sustituido por Tom McGuiness; su siguiente single sería el tema “Hubble Bubble”, un temazo de R&B que llegaría al top 10 británico.

A mediados de 1964 llegaría el gran espaldarazo para la banda con el tema “Do Wah Diddy”, esta canción llegaría como un torrente al número 1 tanto en Inglaterra como en Estados Unidos, quedando como un clásico pop de los 60’s.

Su primer Lp también ve la luz en 1964, será The 5 faces of Manfred Mann, un Lp clásico del sonido R&B; el Lp llegaría al número 3 en listas, ya por aquí la orientación del grupo estaba clara; los singles serían temas pop mientras que los Lp’s y las caras B de singles tirarían hacia el jazz y el R&B.

Los éxitos de la banda continuarían a lo largo de toda la década, en el mismo año 1964 volverían a tener otro éxito en single: “Sha La La” que consigue llegar al número 3 en las listas de sencillos. En 1965 triunfarían con los temas “If you Gotta Go, Go Now” (tema compuesto por Bob Dylan), que llegaría al número 2, “Oh Not Not My Baby” número 11 en listas y “Come Tomorrow” (con una gran interpretación vocal de jones), que llegaría hasta el número 4.

1965 era también el año de la explosión del sonido Folk-Rock en donde muchas bandas americanas versionaban temas de Dylan, Manfred Mann también hizo un cierto número de versiones del genio de Minessotta y en ese año una de las mas celebradas fué “With Gond on our Side” que a pesar de no haber sido publicada en single, ha quedado para la historia como una soberbia versión.

En 1966 McGuiness abandona la nave y será sustituido brevemente por Jack Bruce; ya con Bruce en la formación llega su segundo número 1 “Pretty Flamingo”; poco después del éxito de este single, Paul Jones abandona el grupo siendo sustituido por Mike D’Abo como cantante, también Bruce deja la banda y lo sustituye el alemán Klaus Voorman (amigo de los Beatles en los tiempos de Hamburgo y diseñador de las portadas de Revolver de los cuatro de Liverpool o de varios Lp’s de los Bee Gees).

En ese año también les llevan al éxito las canciones “Just Like a Woman”, versión de Dylan y en la cual cuentan con la ayuda de Shel Talmy a la producción, y la espléndida “Semi Detechaed Suburban Mr. James”, que llegaría al número 2 de los superventas.

Los éxitos de la banda seguían incesantemente, convirtiendose en uno de los grupos ingleses mas vendedores en single en su país. En 1967 la pegadiza “Ha Ha Said the Clown” les mantiene en la fama y en 1968 repiten éxitos con “Mighty Quinn” (compuesta por Bob Dylan y tercer número 1 para la banda), “My Name is Jack” y “Fox on the Run”.

Su último éxito sería en 1969 la maravillosa “Ragamuffin Man” y poco después la formación se separa, para después en los 70, Manfred crear un nuevo proyecto llamado Manfred Mann’s Earth Band que cosecharía ciertos éxitos en la década de los 70.

Canciones Recomendadas: Do Wah Diddy / Pretty Flamingo / Sha la la / The Mighty Quinn / Ha Ha Said the Clown / My Name is Jack / My Little Red Book / Why should we not / Blinded by the Light / So Long Dad / Feeling so Good / 5 4 3 2 1 / Hubble Bubble / If you Gotta go, go now / Come Tomorrow / Ragamuffin Man / Semi Detechaed Suburban Mr. James.

Manfred mann – Do wah diddy

>CLIMAX BLUES BAND

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Liderada por Colin Cooper, The Climax Chicago Blues Band fue una de las bandas que encabezaron el movimiento del blues en Inglaterra. La banda se llamaba The Climax Chicago Blues Band pero en los años 70 recortaron el nombre a The The Climax Blues Band, para no confundirse con la banda estadounidense del mismo nombre. Estaba formada por el cantante y saxofonista Colin Cooper, los guitarristas Derek Holt y Peter Haycock, el bajista Richard Jones, el teclista Arthur Wood y el batería George Newsome.

El grupo, creado en Sttaford (Inglaterra), firmó por Parlophone para publicar su homónimo debut, “Climax Chicago Blues Band” en 1969, un disco que recreaba su pasión por el sonido blues con versiones de Jimmy Reed, Sonny Boy Williamson o Howlin’ Wolf.
Tras este primer disco, el bajista Richard Jones abandonó la banda y el guitarrista Derek Holt pasó a tocar el bajo para el álbum “Plays on”, segundo álbum, también de 1969.

En 1970 el grupo firma con el sello Harvest y publica “A lot of bottle”, que tiene un sonido mucho más orientado hacia el rock progresivo auque con rastros de blues, el cual se volvería a escuchar en “Tightly Knit”, grabación de 1971, uno de de los mejores trabajos de su carrera. Luego de este disco, el baterista George Newsome abandona el grupo y lo reempleza John Cuffely. El teclista Arthur Wood también deja la banda e inicia su carrera solista.

En 1972 The Climax Blues Band publica “Rich Man”, que abre su sonido con toques de soul y de funk dentro de la base blues-rock. Un año después presentan “FM/Live”, álbum en vivo grabado en The Academy of Music de Nueva York.
“FM/Live” y “Sense of Direction”, álbum de 1974, fueron los encargados de abrir las puertas en el Mercado estadounidense al grupo. Esa última producción llegó al puesto 37 en los listados de Billboard. Para el año siguiente con “Stamp”, The Climax Blues Band cambia su sonido, incluyendo funk, jazz, soul, mostrando la casi culminación de esa evolución que había mostrado en sus anteriores grabaciones.
Sin embargo, fue en 1976 con “Gold Plated” y su sencillo “Couldn’t Get It Right”, que la banda logró su mayor avance, obteniendo el puesto número 10 en listados británicos y el 3 en los estadounidenses.

Los siguientes trabajos del grupo no consiguieron el mismo éxito de sus predecesores, aunque en ellos The Climax Blues Band había dejado a un lado sus raíces blues, decidiéndose por un sonido más comercial. Hacia finales del siglo pasado aparecieron grabaciones en vivo y recopilaciones de éxito, además de reediciones de sus mejores producciones.

Climax Blues Band – Rollin’ Home

>STING

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sir Gordon Matthew Thomas Sumner, más conocido por “Sting” (su nombre artístico), (nacido el 2 de octubre de 1951 en Wallsend, Tyneside del Norte, al noreste de Inglaterra), es un músico británico considerado como uno de los mejores bajistas de rock de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia , que se desempeñó inicialmente como bajista, y más tarde como cantante del grupo musical The Police. Tiene una gran voz por lo que muchos dicen que su voz es inimitable. Antes de formar parte de The Police, Sting formó parte de un grupo de menor importancia -también llamado Sting-, el cual no grabó discos, solo se sabe de una sola fecha en The Cave Pub donde se consolidó su único recital.

Como solista y como miembro de The Police, Sting ha vendido más de cien millones de álbumes, ha recibido más de dieciséis Premios Grammy por su trabajo, recibiendo el primero por Mejor Interpretación Rock Instrumental en 1981, y obtuvo una nominación a los premios Óscar por Mejor Canción.

Biografía

Debido a la influencia de su abuela paterna irlandesa. Sting desechó una carrera como deportista cuando sólo logró el tercer lugar en la competición llamada 100 Yard Sprint National Junior Championship. Sting mostró un talento natural para la música, tocando y arreglando sus propias canciones casi inmediatamente después de haber tomado una vieja guitarra desechada por su tío a la edad de 8 años. En sus comienzos solía dar conciertos en el primer lugar donde se lo ofrecieran. Tocó con bandas de jazz locales como Phoenix Jazzmen, editó una maqueta con nueve temas con su banda, Last Exit, de la cual era cantante y bajista y un LP en el que colabora tocando el bajo, con la Newcastle Big Band. Su nombre artístico Sting (que en castellano significa aguijón) proviene de la época en que estuvo con el primero de estos grupos. Una vez tocó vistiendo una camiseta a rayas negras y amarillas , por aquel entonces jugaba en el segundo equipo de fútbol de Newscastle ,y su compañero Gordon Solomon le dijo que parecía una abeja, tras lo cual todos empezaron a llamarle Sting, nombre que usa desde entonces de forma casi exclusiva, excepto para documentos oficiales. La canción Every Breath You Take le mereció la nominación a mejor compositor del mundo. Recientemente como parte de una campaña en pro de la educación en América Latína Sting se presento en la ciudad de México en un exclusivo evento que se llevó a cabo en el Colegio de las Vizcaínas.

The Police

En 1977, Sting, Stewart Copeland y Andy Summers formaron la famosa banda de rock The Police en Londres. Previamente había abandonado el grupo Henry Padovani, a causa de un conflicto durante el festival de Mont de Marsans con Andy Summers – se pelearon antes de un concierto por quién debía utilizar el mejor amplificador [cita requerida]. Así el cuarteto inicial quedó configurado como el trío que sería conocido después. El grupo tuvo varios álbumes en las listas de éxitos y ganaron seis Premios Grammy a principios de los años 80. Su último álbum, Synchronicity, fue publicado en 1983. El grupo volvió a unirse en 1986, tras el concierto que dieron en junio en el Live Aid, Sting propuso a sus compañeros la grabación de un nuevo disco de The Police, su intención era grabar reinterpretaciones de los temas clásicos del grupo. Pero la iniciativa no terminó cuajando, por un lado por lo tensa que era la relación entre Copeland y Sting, y por otro que a sus compañeros no les interesaba la idea, así que sólo se hizo una nueva versión de su tema “Don’t stand so close to me”, la cual sirvió de single para su LP recopilatorio “Every breath you take”. En el año 2007, el grupo volvió a juntarse y en mayo comenzaron una gira por Europa y Norteamérica, han sido éxito de ventas e incluso tocaron en el Live 8.Juntos protagonizaron un documental sobre una de sus últimas giras donde quedaba claro el enfrentamiento entre Sting y Stewart Copeland.

Sting se ha aventurado de vez en cuando a actuar en el cine. Su debut cinematográfico tuvo lugar en 1979 con Quadrophenia. Aparte de su demoniaco personaje en Brimstone and Treacle (1982), uno de sus papeles más famosos fue el de Feyd-Rautha, en la adaptación cinematográfica de Dune de 1984. También ha tenido apariciones en televisión (incluyendo participaciones como artista invitado en Los Simpson y Ally McBeal) y en el teatro. La mayor parte de sus apariciones posteriores en créditos de cine o televisión han tenido que ver con su música. uno de sus mayores éxitos en the police fue message in a botlle.

Solista

Para el primer álbum que grabó Sting en solitario en 1985, The Dream of the Blue Turtles, Sting reunió a un grupo de músicos reconocidos como estrellas del jazz. El álbum incluía el single de éxito “If you love somebody set them free”. En el plazo de un año se convirtió en triple platino. También cantó en la introducción y el estribillo de la canción de Dire Straits “Money for nothing”. En 1987 Sting publicó Nothing like the Sun, disco que supondría su reencuentro musical con Andy Summer. El LP incluía los éxitos “We’ll Be Together” , “Be still my beating heart” y “They dance alone ” (canción en referencia a las madres chilenas que perdieron a sus hijos, quienes fueron desaparecidos durante el gobierno militar de Pinochet), dedicado a su madre, recientemente fallecida, y que pronto se convirtió en doble disco de platino, siendo reconocido como uno de los álbumes más importantes de rock & roll de los años 80. Poco después, en febrero de 1988, grabó Nada como el sol, una selección de cinco temas sacados del álbum Nothing like the Sun que el propio Sting cantaba en castellano y en portugués.

A finales de los 80, Sting comenzó a dar su apoyo a diferentes movimientos medioambientales y humanitarios, incluyendo Amnistía Internacional. Junto a su novia de muchos años Trudie Styler y un líder indio Kayapó de Brasil, fundó la “Rainforest Foundation” con el objetivo de ayudar a salvar los bosques. Su apoyo a estas causas sigue vigente en la actualidad.

Su álbum de 1991, The soul cages, dedicado a la memoria de su padre recientemente fallecido, incluía el éxito “All this time” y el tema ganador de un Premio Grammy, “Soul cages”. El álbum llegó a ser disco de platino. Al año siguiente Sting se casó con Trudie Styler y fue nombrado doctor honoris causa por el departamento de música de la Universidad de Northumbria. En 1993 publicó el álbum Ten Summoner’s tales, que fue triple platino en poco más de un año. En mayo realizó una remezcla de la canción de The Police “Demolition man” para la película homónima.

En 1992 con Eric Clapton crean “It´s problably me” canción principal de la banda sonora Arma Letal 3, incluida en su álbum “Ten Summonners Tales”.

Sting en 1994. Junto con Bryan Adams y Rod Stewart grabó el exitoso tema “All for love”, de la película de Los tres mosqueteros. La canción se mantuvo cinco semanas en el número uno de la lista de éxitos americana, consiguiendo ser platino. Hasta la fecha, es la única canción de Sting de la época posterior a The Police que ha alcanzado el número uno en las listas americanas. En febrero obtuvo de nuevo dos Premios Grammy y estuvo nominado para tres más. La Facultad de Música de Berklee le nombró doctor honoris causa en mayo. Finalmente, en noviembre, publicó una colección de grandes éxitos bajo el nombre de Fields of gold: the best of Sting, que alcanzó el doble platino.

El álbum de 1996, Mercury falling, debutó con fuerza, pero cayó rápidamente en las listas de éxitos. Sin embargo, el mismo año Sting entró en la lista de los cuarenta principales con dos temas “You still touch me” (junio) y “I’m so happy I can’t stop crying” (diciembre). En 1997 Sting participó también en en la versión que hizo Toby Keith de “I’m so happy I can’t stop crying” para su álbum Dream walking. En 1998 apareció en la película Lock, stock and two smoking barrels.

Sting reapareció con el álbum de septiembre de 1999, Brand new day, que incluía dos temas que se incluyeron en las listas de éxitos: “Brand new Day” y “Desert rose”. Para enero de 2001, el álbum había alcanzado un triple platino. En 2000 Sting ganó dos Premios Grammy por este álbum y por la canción que le daba título, “Brand new day”. En la ceremonia de entrega de los premios Sting cantó “Desert rose” con Cheb Mami. Por esta actuación le fue concedido el Premio Kahlil Gibran al Espíritu de Humanidad, otorgado por la Fundación del Instituto Árabe-americano.

Sting inauguró 2001 con una actuación durante el espectáculo celebrado en el descanso de la famosa Super Bowl americana. En febrero añadió otro Grammy a su colección y su canción “After the rain has fallen” se abrió camino en los cuarenta principales. El 11 de septiembre, el mismo día de los ataques de Al Qaeda, grabó un nuevo álbum en directo en su casa de la Toscana (Italia). El vídeo de esta actuación, aparecido en noviembre sin demasiado éxito de ventas, muestra el estado de ánimo en el que Sting y su banda se vieron obligados a actuar. En ese contexto, con los músicos y el público compungidos por los atentados, el tema “Fragile” sonó, más que nunca, como un emotivo himno por la paz a la luz de la luna toscana. Este álbum y su video, bajo el título de All this time, incluía versiones «jazzísticas» de algunas de las canciones favoritas de Sting, como “Roxanne” y “If you love somebody set them free”.

2002 fue un año de premios para Sting. Ganó un Globo de Oro y fue nominado para su segundo Premio de la Academia por su canción “Until…” de la película Kate & Leopold. En junio ingresó en el Hall de la Fama de los Compositores, una especie de museo virtual de los mejores compositores de la Academia Nacional de Música Popular. Más tarde, el mismo año, se anunció que su anterior grupo, The Police, ingresaría en el Hall de la Fama del Rock and Roll en marzo de 2003. En el verano, Sting fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico. Sin embargo, paradójicamente, una encuesta llevada a cabo por Channel Four uno de los principales canales de TV británicos, lo situó en el puesto número 81 en la lista de “Los 100 peores británicos del año 2003”.

También en 2003 salió al mercado un nuevo álbum original grabado en estudio, Sacred love, con toques raciales y experimentos, colaborando con la artista de hip-hop Mary J. Blige y la maestra del sitar Anoushka Shankar (hija de Ravi Shankar). En 2004 el cantante y compositor se embarcó en un tour, Sacred life, con actuaciones de Annie Lennox.

En el año 2007 editó un C.D. de música renacentista “Songs fron the laberinth”

En 2008 aparece como jugador seleccionable en el videojuego Guitar Hero: World Tour, tocando una versión en vivo de Demolition Man

La reunión de The Police

El 11 de febrero de 2007, The Police anuncia su reunión y abren el show de los premios Grammy interpretando “Roxanne”. El primer concierto de The Police fue llevado a cabo en Vancouver, Canadá el 28 de mayo de 2007 en frente de más de veinte mil de sus fanáticos, en uno de los dos conciertos en esa ciudad. Su gira mundial los llevó a los Estados Unidos, México, Europa, América del Sur y próximamente estarán en Nueva Zelanda, Australia y Asia. Una segunda vuelta a Europa ha sido anunciada para mediados del 2008.

Carrera cinematográfica

Sting es también actor. Participó en Quadrophenia, la ópera rock de The Who; Radio on; Brimstone and teacle; Dune; La prometida; Plenty; Lunes tormentoso; Julia y Julia en 1987 junto a Kathelin Turner y Gabriel Byrne; The adventures of Baron Munchausem, con Robin Williams en 1988; hasta llegar a Los caballeros no comen poetas de la mano de su mujer, la actriz y productora Trudie Styler (que mucho tiempo atrás había participado del video de su canción “We´ll be together”); “Malicia” junto, de nuevo, a Truddie donde desarrollaba el papel de un mayordomo manipulador, Más recientemente apareció en Lock, Stock and Two Smoking Barrels, de Guy Ritchie. También ha puesto la voz del narrador en un cuento para un programa de televisión a principios de los noventa.

Sting, el más exitoso del trío Police, atesora cada vez más millones: el último paso del compositor fue la venta de todas sus obras, pasadas y futuras, a la compañía EMI por 30 millones de dólares. Uno de los contratos más abultados de la historia de la música, luego del de Elton John. Los dos premios Grammys que el artista inglés se adjudicó a comienzos del 2000 (Mejor Cantante Masculino Pop y Mejor Disco Pop) sirvieron para confirmar que su esperado regreso repitió la tendencia: todo lo que Sting toca se convierte en oro.

Sting ha logrado lo que pocos consiguieron: multiplicar como solista el éxito que lo había llevado a la fama como miembro de un grupo. Con menos de 60 años ya ha vendido cerca de 70 millones de álbumes.

Vida personal

Sting se casó con la actriz Frances Tomelty en 1976. La pareja tuvo dos hijos antes de su divorcio en 1982. Poco después comenzó a vivir con la actriz (y más tarde productora de cine) Trudie Styler, pero no se casaron hasta 1992. Sting y Trudie han tenido cuatro hijos. Su hijo Joseph, de su primera esposa, está siguiendo los pasos de su padre con la música con la banda Fiction Plane. Aunque se ha informado de que Sting posee varias propiedades en el Reino Unido y en los Estados Unidos, actualmente tiene su hogar en Toscana (Italia).

No está claro si Sting hablaba en serio cuando se refería a sí mismo como “maníaco-depresivo”. Su canción “Lithium Sunset”, parece referirse al carbonato de litio, que se utiliza en el tratamiento de este desorden mental. Según algunas informaciones, hizo esto porque quería ayudar a las personas que realmente sufren esta enfermedad.

A principios de 2005 Sting proclamó su interés por el hinduismo y declaró que quería pasar mucho más tiempo en la India por cuya cultura se siente fascinado. En una entrevista declaró: “En este momento lo que más me gusta es la religión hindú (…) Me he convertido en un adicto a la India (…) Querría pasar el resto de mi vida descubriendo ese precioso país.” Al final de sus tiempos de gloria, se estima que sera reconocido como uno de los mejores vocalistas del mundo del rock y como algunos creen el más inteligente “señor de los sonidos vocales”. y recuerden el mundo en el que viven es el que ustedes crearon”.” El es vegano. La especie de anfibio Dendropsophus stingi es un un reconocimiento al músico por su «esfuerzo y compromiso para salvar la selva húmeda».

Discografía

(Álbumes publicados en solitario, después de la disolución de The Police.)

* 1985 – The Dream of Blue Turtles
* 1986 – Bring on the Night
* 1987 – Nothing Like the Sun
* 1988 – Nada Como el Sol (EP)
* 1991 – Soul Cages
* 1993 – Ten Summoner’s Tales
* 1994 – Fields of Gold: The Best of Sting 1984-1994
* 1996 – Mercury Falling
* 1997 – The Very Best of Sting & The Police
* 1999 – Brand New Day
* 1999 – At the Movies (Solo en Japón)
* 2000 – Dolphins
* 2001 – All This Time (En Vivo)
* 2003 – Sacred Love
* 2006 – Songs from the Labyrinth
* 2008 – Rise and Fall (feat. Craig David)
* 2009 – If on a winter’s night

Roxanne-Sting

>JETHRO TULL

>

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó en 1968 y que ha trabajado de forma ininterrumpida siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo en actividad[cita requerida].

Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes.

Siempre ha sido liderado por el flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y sólo el guitarrista Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.

Historia

La primera banda de Ian Anderson se llamó The Blades y fue fundada en 1963. Hacia 1966 se había transformado en un grupo de soul, que pasó a llamarse The John Evan Band (más tarde, The John Evan Smash), denominado en honor a su pianista, John Evans, que había quitado la s final de su apellido para que resultase menos ordinario. Barriemore Barlow era el batería inicial de dicha banda, como posteriormente lo volvería a ser, ya dentro de Jethro Tull, desde 1971. Sin embargo, tras trasladarse a Londres, la mayor parte del grupo abandonó la formación, por lo que Anderson y el bajista Glenn Cornick se unieron al guitarrista de blues Mick Abrahams y a su amigo, el batería Clive Bunker, ambos miembros de la banda McGregor’s Engine.

El nombre de la banda deriva del nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra. No tiene ninguna relacion particular con el grupo, y sólo era un nombre más en una lista de nombres que tenía su agente. En un principio tuvieron problemas para encontrar locales donde tocar, por lo que cambiaron de nombre frecuentemente, con el fin de seguir tocando en los clubes de Londres. Dichos nombres los elegían los distintos agentes que concertaban sus actuaciones, uno de los cuales, aficionado a la historia, los bautizó como Jethro Tull, en honor a un inventor agrícola que vivió en el siglo XVIII y que diseñó la primera máquina agrícola, denominada sembradera. La banda siguió usando este nombre sólo porque fue el que usaron la primera vez que el encargado de un club los invitó a tocar en el mismo nuevamente.

El primer álbum: This Was (1968)

Grabaron un single que tuvo poco éxito (una canción pop escrita por Abrahams llamada “Sunshine Day”, en el que el nombre de la banda apareció escrito erróneamente como Jethro Toe, convirtiéndose en un ítem de coleccionistas). Su álbum de debut fue This Was en 1968.

Su formación estuvo integrada por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde entonces.

Con su versión de la pieza de jazz de Rahsaan Roland Kirk “Serenade to a Cuckoo” Anderson empezó a demostrar su talento como flautista.

Tras este álbum, debido a la competitividad en el liderazgo de la banda con Ian Anderson, Abrahams dejó al grupo para formar su propia banda, Blodwyn Pig. Existieron además otras razones que llevaron a su salida: Abrahams era un purista del blues, mientras que Anderson deseaba tocar también otros tipos de músicas; en segundo lugar, Abrahams y Cornick no se llevaban bien, y, por último, Abrahams no quería viajar al extranjero ni tocar más de tres noches por semana, mientras que los otros deseaban alcanzar el éxito tocando lo más frecuentemente posible y lograr una nutrida base de fans internacional. Anderson eligió reemplazarlo por Tony Iommi (más tarde de Black Sabbath). Iommi, sin embargo, no se sintió cómodo y abandonó tras unas pocas semanas, aunque aceptó tocar en la aparición de la banda en la película musical de los Rolling Stones The Rolling Stones Rock And Roll Circus. Iommi fue reemplazado por un ex miembro de Motivation, Penny Peeps y Gethsemane llamado Martin Barre, que impresionó a Anderson más que nada por su persistencia, ya que, en su primera audición, estaba tan nervioso que apenas podía tocar, y, en una segunda audición posterior, apareció sin el cable para conectar su guitarra al amplificador. A pesar de esto, Barre se convertiría en el segundo miembro más estable después de Anderson (en la actualidad aún sigue en la banda) y en uno de los guitarristas de rock de mayor prestigio.

En 1968 el grupo encabezaría los festivales de Reading y Leeds, oficialmente llamados Carling Weekend, junto con The Nice y T. Rex.

Rock progresivo (1969-1976): la primera edad dorada

Stand Up (1969)

La nueva formación publicó Stand Up en 1969, el único álbum de la banda en llegar al primer puesto en ventas en el Reino Unido.[2] Escrito íntegramente por Anderson (con la excepción de la “Bourée” (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeos) de la “Suite en mi menor para laúd” BWV 996 de Johann Sebastian Bach, cuya versión en esta obra adquiere toques jazzísticos), el álbum presentaba una variedad mayor que el anterior: no sólo había piezas de blues, sino elementos de jazz y folk, con toques innovadores y rockeros, aunque sin llegar a parecerse al rock progresivo que estaba surgiendo en esa época con bandas como King Crimson, The Nice y Yes. El single “Living in the Past”, del mismo año, comenzó una serie de singles exitosos que duró hasta los años ochenta. Aunque inspirado en “Take Five”, del músico de jazz Paul Desmond, “Living in the Past” es una composición mucho más cercana al rock que al jazz, tendencia hacia la que se orientó definitivamente la banda.

En diciembre de 1969, graban “Witch’s Promise”, el primer single grabado en estéreo de la historia de la música (el primer LP completo había sido Sgt. Pepper’s, de los Beatles).

Benefit (1970)

En 1970, se reincorporó a la agrupación el teclista John Evan (aunque, técnicamente, durante esa etapa sólo era un músico invitado), con quien la banda grabó Benefit, que presenta una continuidad de estilo con el álbum anterior y que es deudor tanto de unas innovadoras técnicas de grabación de estudio como de las habilidades compositivas de la banda. Este álbum suele dividir la opinión de los oyentes.

Cornick dejó la banda tras la grabación de Benefit,[2] y fue reemplazado por Jeffrey Hammond (también conocido como Jeffrey Hammond-Hammond), amigo de la infancia de Anderson a cuyo nombre hacen referencia las canciones “A Song for Jeffrey”, “Jeffrey Goes to Leicester Square” y “For Michael Collins, Jeffrey, and Me”. Fue el mismo Anderson el que enseñó a tocar el bajo a su amigo para que se incorporase a la banda.

En 1970 participaron también en el histórico concierto de la Isla de Wight (Inglaterra), junto con otros grupos y músicos que también harían historia en en el mundo del rock.

El gran éxito: Aqualung (1971)

Esta alineación lanzó la obra más universal de Jethro Tull, Aqualung, en 1971. Este álbum es una combinación de hard rock (en los temas que tratan sobre la marginación o la religión oficial), y acústicas y poéticas canciones —como el tema “Wond’ring Aloud” — sobre lo insulso de la vida diaria. Aqualung es amado y odiado por igual, aunque la canción titular y “Locomotive Breath” se escuchan frecuentemente en las emisoras de radio de rock clásico. El álbum fue incluido en la posición 337 de la lista que, en 2003 la revista Rolling Stone hizo de “los 500 mejores álbumes de todos los tiempos”.

Las letras de Anderson expresaban en el álbum opiniones críticas sobre la religión y la sociedad. El personaje principal de “Aqualung” es un mendigo alcohólico, sin techo y, para más inri, pedófilo; mientras que “Cross-Eyed Mary” (María la Bizca) es una prostituta menor de edad. “My God” (impresionante en su solo de flauta) es un ataque directo a la Iglesia de Inglaterra. En la cubierta, la polémica frase “En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas”, está inspirada en la filosofía de Feuerbach. Algunas partes de este disco (así como, posteriormente, de Thick as a Brick) fueron censuradas en España durante la dictadura de Francisco Franco.

El baterista Clive Bunker fue reemplazado por Barriemore Barlow a principios de 1971 (primero grabó con la banda el EP Life is a Long Song y apareció por primera vez en un LP de la banda en Thick as a Brick, en 1972).

Thick as a Brick (1972) o la apoteosis creativa

Thick as a Brick (1972), considerado el mejor LP de la banda, es un álbum conceptual, consistente en una única y larga canción dividida en dos partes (una por cada cara del vinilo), compuesto por una serie de movimientos sin solución de continuidad y con una serie de leitmotivs que se repiten y dan unidad al conjunto. El primer movimiento, con su distintivo riff de guitarra acústica, fue relativamente difundido en las emisoras de rock en su momento, y de vez en cuando se puede escuchar en las emisoras de rock clásico actuales. Thick as a Brick fue el primer álbum de Jethro Tull en llegar al primer puesto en la lista de Billboard de Estados Unidos[2] (el álbum del siguiente año, A Passion Play fue el otro; las canciones de ambos álbumes superaban los 40 minutos de duración). Con este álbum, mezcla de música medieval y rock, los Jethro Tull llegan al culmen de su virtuosismo instrumental. El quinteto que aparece en este álbum fue una de las alineaciones más duraderas de Jethro Tull, que perduró hasta 1975.

Living in the Past (1972)

También en 1972 se publicó Living in the Past, álbum doble que compila singles, caras B y outtakes (incluyendo el EP Life is a Long Song entero, que cierra el álbum), con una cara entera grabada en vivo en 1970 en el Carnegie Hall de Nueva York. En relación con las canciones grabadas en estudio que incluye, muchos fans lo consideran una de las mejores obras del grupo. El tema que da título al LP es uno de los singles más conocidos de Jethro Tull.
Los Jethro Tull en el Hessentag de Butzbach (Alemania), en 2007.

A Passion Play (1973)

En 1973, la banda intentó grabar un álbum doble (desde un exilio autoimpuesto fuera de Gran Bretaña, para ahorrar impuestos) en el Chateau d’Herouville (algo que muchos músicos, como los Rolling Stones y Elton John acostumbraban a hacer en esa época), pero no contentos con la calidad del estudio de grabación, lo abandonaron, junto con el proyecto; más tarde se burlarían del mismo llamándolo “Chateau d’Isaster” (estas canciones fueron lanzadas más tarde en el disco de recopilación Nightcap, de 1993). En cambio, aprovechando algunas de estas grabaciones, editaron inmediatamente A Passion Play, otro álbum conceptual de una sola canción con letras muy alegóricas. Tras varios años de creciente popularidad, A Passion Play se vendió bien, pero en general recibió críticas desfavorables por parte de la crítica especializada. Hasta este momento, Ian Anderson había mantenido una relación amistosa con la prensa, pero desde este álbum la misma desapareció, aunque la banda siguió siendo popular entre el público. Tras este álbum, se difundió el rumor de que la banda se separaba.

War Child (1974)

War Child, un álbum publicado en 1974 y que originalmente iba a ser la banda de una película que se grabaría en Suiza, llegó al segundo puesto en la lista de Billboard y recibió opiniones favorables por parte de la crítica. En él se incluyó el hit “Bungle in the Jungle”. También estaba incluida en el álbum una canción, “Only Solitaire”, dedicada supuestamente al crítico del L.A. Times Robert Hilburn, uno de los críticos musicales más duros con Anderson.

Minstrel in the Gallery (1975): el genial trovador

En 1975 la banda editó el magistral Minstrel in the Gallery, un álbum que se asemejaba a Aqualung en el hecho de que contrastaba hábilmente canciones suaves, basadas en el uso de suaves guitarras acústicas, con piezas más largas y duras en las que sobresalía la guitarra eléctrica de Barre. Esta obra provocó reacciones dispares entre los críticos, pero el álbum se convirtió en uno de los más adorados por los fans de la agrupación, aunque no haya sido tan exitoso en ventas. Tras este álbum, el bajista Jeffrey Hammond-Hammond dejó la banda, y fue reemplazado por John Glascock.

Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die! (1976): nunca demasiado viejos

En 1976 salió a la venta Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die!, otro álbum conceptual, esta vez sobre la vida de un rockero que se sentía envejecer. Anderson, afectado por las críticas (en especial las que había recibido anteriormente por A Passion Play), respondió con letras aún más duras. La prensa se preguntó si la canción titular era autobiográfica, algo que Anderson negó.

Desde principios de los setenta, los Tull habían pasado de ser un grupo de rock progresivo a una de las bandas más populares y espectaculares en vivo en todo el mundo. En sus conciertos, la banda era reconocida por su teatralidad y sus largos medleys con pequeños interludios instrumentales. Mientras que el Jethro Tull temprano mostraba a un maniático y gesticulante Anderson con largo pelo y barba, vestido con ropa harapienta, cuando la banda comenzó a volverse popular comenzó a utilizar disfraces diversos. Los otros miembros hicieron lo mismo, con Jeffrey Hammond-Hammond vistiéndose con un traje de rayas diagonales blancas y negras, John Evan vestido siempre con un traje blanco, etc. Los shows en vivo también se caracterizaban por interludios interactivos que incluían llamadas telefónicas en el escenario, pequeños films, y performances como la del cuento infantil “The Story of the Hare Who Lost His Spectacles” (incluido en A Passion Play).

A medida que la banda se orientaba hacia un estilo más estable a fines de los años setenta, también comenzaron hacer shows más tranquilos y menos extravagantes, aunque sus presentaciones aún incluían instrumentales ampulosos y los famosos globos gigantes que Anderson hacía rebotar sobre su cabeza antes de lanzarlos volando al público.

Folk rock (1977-1979): la segunda edad dorada

La banda cerró la década con una trilogía de álbumes geniales, con influencias de folk rock: Songs from the Wood, Heavy Horses y Stormwatch. Songs from the Wood, inspirado totalmente en el folk medieval inglés, fue el primer álbum de Jethro Tull en recibir críticas unánimes positivas desde la época de Benefit y Living in the Past. Heavy Horses siguió la misma línea y recibió numerosos premios.

Jethro Tull ya habían colaborado con la banda de folk rock Steeleye Span durante años. Aunque no solían ser considerados como parte del movimiento folk rock (que había surgido casi una década antes con bandas como Fairport Convention), había un claro intercambio de ideas entre los Tull y otras bandas de folk. Además, en esta época Anderson se había mudado a una granja en zona rural, y su nuevo estilo de vida quedó claramente reflejado en estos álbumes.

La banda siguió haciendo giras, y lanzó un magistral álbum doble en vivo en 1978, titulado Bursting Out, que contenía impresionantes interpretaciones en vivo de la alineación que los fans consideran la era dorada de la banda. Destaca especialmente el solo de flauta que Anderson realiza en dicha obra. El álbum se adereza, además, con las típicas bromas que realiza Anderson al público y a la banda. La edición original en vinilo contenía tres canciones que no aparecieron en las ediciones iniciales en CD: dos solos de guitarra de Martin Barre (“Quatrain” y “Conundrum”) y una versión del exitoso single de 1969 “Sweet Dream”. Estas canciones fueron agregadas de nuevo en la edición doble y remasterizada en CD que fue lanzada al mercado en el año 2004.

En esta etapa, David Palmer, quien se había encargado de los arreglos de cuerdas para algunos álbumes anteriores del grupo, se unió formalmente al mismo, para encargarse principalmente de los teclados y de los arreglos orquestales.

El 17 de noviembre de 1979 el bajista John Glascock falleció tras una intervención quirúrgica en el corazón mientras grababan el álbum Stormwatch, que tuvo que ser completado sin su presencia (Anderson tuvo que tocar el bajo en algunas canciones). Muchos críticos consideran a Stormwatch como el último gran álbum de Jethro Tull. En esa época, Anderson decidió grabar también su primer álbum como solista, Walk into
Light.

Songs from the Wood (1977)

Songs from the Wood fue el décimo álbum del grupo, que presentaba una serie de finos y cuidadosos arreglos de tipo folk. El equilibrio de dulces melodías campestres inglesas con el sonido eléctrico de la guitarra de Martin Barre, los arreglos orquestales y la delicadeza acústica de las flautas y guitarras del propio Anderson rozan la perfección. Fue el primero desde hacía mucho tiempo en recibir críticas positivas unánimes entre toda la crítica musical.

La portada refleja a un campestre Ian Anderson en pleno bosque.

Heavy Horses (1978)

Undécimo álbum de estudio de Jethro Tull en el que Ian Anderson reivindica la pérdida progresiva del trabajo de los caballos en el campo sustituidos por tractores y artilugios mecánicos. Sigue la línea acústica de su anterior trabajo, aunque empiezan a volver a tomar relevancia los riffs eléctricos de Martin Barre (por ejemplo, en “No Lullaby”).

Bursting Out (1978)

En ese período se publicó el primer disco en directo del grupo, Bursting Out, en una época en que las nuevas corrientes musicales iban por otros derroteros de la mano de, por ejemplo, el punk.

Stormwatch (1979)

Con Stormwatch, el estilo cálido y acústico de Jethro Tull comenzaba levemente a cambiar dando origen a un sonido un poco más frío, aunque todavía dentro de la trilogía folkie mencionada más arriba.

Tras la grabación de este LP, cambió la totalidad de los componentes del grupo, excepto Ian Anderson y Martin Barre.

Rock electrónico (1980-1984) y época de decadencia

Con la llegada de los años 80 comienza una etapa de decadencia en la música del grupo. Ante el giro hacia la música electrónica que Anderson quería imprimir a la banda, la mayoría de sus miembros se separan, quedándose sólo Anderson con Barre y teniendo que incorporar nuevos miembros que los sustituyeran. La inspiración del grupo queda notablemente mermada, porque, aunque el alma de la banda había sido Ian Anderson, las aportaciones que John Evan, David Palmer y Barriemore Barlow habían conferido a su música eran insustituibles. Con la marcha de estos miembros, se vio más claro que nunca que Jethro Tull había sido esos años no sólo Ian Anderson, sino un auténtico grupo en el que la complementaridad de sus miembros aportaba una innegable riqueza musical.

Debido a presiones de Chrysalis Records, Anderso lanzó el que iba a ser su primer álbum como solista como uno de Jethro Tull en 1980. A (nombre que provenía de las etiquetas de las cintas, que se habían llamado simplemente A por Anderson), contaba con la presencia de Barre en la guitarra eléctrica, Dave Pegg (de Fairport Convention) en el bajo, y Mark Craney en la batería. El álbum tenía elementos marcadamente electrónicos, aportados por el teclista y violinista invitado Eddie Jobson (ex Roxy Music y UK). Ofrecía un sonido completamente distinto a todo lo que Jethro Tull había hecho con anterioridad, gracias al predominante uso de sintetizadores.

Slipstream (1980)

Los Tull grabaron en esa época un vídeo titulado Slipstream, una película sobre su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en septiembre de 1980, con la formación de A. El estilo electrónico de ese álbum era aún más prominente en estas presentaciones en vivo y fue usado con un efecto muy llamativo en algunas de sus canciones más viejas como “Locomotive Breath”. El sonido más reconocible de Jethro Tull se mostraba en una versión acústica de “Skating Away on the Thin Ice of the New Day”, con Pegg a la mandolina.

Slipstream, durante mucho tiempo una rareza en VHS, fue incluido en 2004 como DVD bonus en la versión digitalmente remasterizada de A.

The Broadsword and the Beast (1982)

Jobson y Craney abandonaron el grupo tras la gira de A y los Jethro Tull pasaron por un período en que hubo diversos baterías (entre ellos Gerry Conway y Doane Perry). Peter-John Vettese reemplazó a Jobson en los teclados, y la banda retornó a un sonido más cercano al folk, pero aún con sintetizadores, en 1982, con el álbum conceptual The Broadsword and the Beast, con una estética en la portada cercana a El Señor de los Anillos, de Tolkien. 1981 había sido el primer año en que la banda no había editado ningún disco.

Ian Anderson por fin en solitario: Walk into Light (1983)

Walk into Light

El primer álbum como solista de Anderson finalmente vio la luz en 1983. Se tituló Walk into Light y contenía muchos elementos electrónicos, como en los álbumes de esa época de Jethro Tull. Al igual que con muchas otras experiencias solistas de Anderson y Barre, algunas de sus canciones eran tocadas más tarde en los shows de la banda.

Under Wraps (1984)

En 1984 la banda editó Under Wraps, otro álbum con una fuerte carga electrónica. Aunque la banda aparentemente quedó satisfecha con su sonido, el álbum no fue muy bien recibido, en especial en Estados Unidos, y, como resultado de diversos problemas de garganta que tuvo Anderson, los Tull interrumpieron su actividad durante tres años, situación que Anderson aprovechó para fundar un negocio altamente lucrativo de cría de salmones.

A Classic Case (1985)

En 1985 publicarían el único disco enteramente instrumental del grupo, grabado con la London Symphony Orchestra, dirigida por David Palmer.

Original Masters (1985)

En 1985 Crhysalis publicó un nuevo Grandes Éxitos del grupo, Original Masters, el tercero tras M.U. – The Best of Jethro Tull y Repeat – The Best of Jethro Tull – Vol II. Aunque fue editado en esa fecha, los temas son todos anteriores a 1977.
Hard rock (1987-1990): un tímido renacer

Crest of a Knave (1987) y el Grammy de 1989

Ian Anderson y Martin Barre (2006).

El grupo retornó en 1987 con Crest of a Knave. Sin Vettese (Anderson se hizo cargo de los sintetizadores), y con la guitarra eléctrica de Barre como centro de atención, el álbum fue un éxito tanto de crítica como comercialmente, y ganó el premio Grammy de 1989 por The Best Hard Rock/Metal Performance (Mejor Performance de Hard Rock/Metal), derrotando, contra todo pronóstico, a los favoritos Metallica.

El premio fue particularmente controvertido, ya que muchos no consideran a Jethro Tull como una banda de hard rock, y mucho menos de heavy metal. El hecho adicional de que ésta fuera la primera ocasión en que se entregaba un Grammy de heavy metal fue visto como un insulto para los fanáticos del género. Tal vez como consecuencia de esto, desde entonces se entregaron Grammys para bandas de heavy metal y hard rock por separado. Por recomendación de su manager, ninguno de los integrantes del grupo había asistido a la ceremonia (parecía que no tenían posibilidades de ganar), afortunadamente para ellos, ya que apenas fueron anunciados como ganadores, parte de la audiencia abucheó el resultado. La banda, como consecuencia de las críticas, respondió lanzando un anuncio en una revista musical británica en el que se decía: “The flute is a heavy, metal instrument!”. El estilo de Crest of a Knave ha sido comparado con el de Dire Straits, en parte porque Anderson había perdido gran parte de su registro vocal tras una complicada operación de garganta.

Sin embargo y en retrospectiva, los aportes de Jethro Tull al surgimiento del heavy metal se pueden apreciar en sus primeros album, por tanto no es de extrañar que en algunas críticas figuren como precursores.

20 Years of Jethro Tull (1988)

En 1988 se editó 20 Years of Jethro Tull, un álbum recopilatorio compuesto por 5 LPs (también lanzado en una versión de 2 LPs más corta, llamada 20 Years of Jethro Tull: Highlights, y posteriormente reeditado en 3 CDs, que estaba compuesto por outtakes de toda la historia de la banda, y de una gran variedad de versiones en vivo y de canciones remasterizadas digitalmente. Además, incluía un cuadernillo que detallaba la historia de la banda.

Rock Island (1989)

En 1989 publicaron Rock Island, álbum de similar estilo que Crest of a Knave, pero de inferior calidad. Durante la gira del mismo, se proyectaban siluetas de bailarinas durante la canción “Kissing Willie”, y la proyección concluía con una imagen que bordeaba lo pornográfico. Otra canción del álbum llamada “Big Riff and Mando” reflejaba la vida de la banda de gira, y hacía referencia al robo de la mandolina de Barre por parte de un apasionado fan.

Live at Hammersmith ’84 (1990)

Los años 90

Durante la década siguiente, la banda lanzó una serie de álbumes menos influidos por el hard rock: Catfish Rising (1991), Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999), aunque este último puede considerarse como el iniciador de la siguiente etapa de los Jethro Tull.

Catfish Rising (1991)

Catfish Rising recoge influencias del blues y del folk estadounidense de ascendencia irlandesa. También se deja notar cierta influencia de los Dire Straits.

A Little Light Music (1992)

En 1992 apareció A Little Light Music, un álbum en vivo, acústico en su mayor parte, que tuvo una buena aceptación entre los fans por sus versiones de antiguas composiciones de la banda.

25th anniversary 1993)

En 1993 editaron una edición limitada conteniendo 4CDs en caja con formato de caja de puros. Especialmente interesantes son el 2º CD que contenía la parte no editada hasta la fecha del histórico concierto en “Carnegie Hall, N.York 1970” (2 temas no incluido aqui ya fueron editados en 1972 dentro del 2LP Living in the past. Asimismo, es importante escuchar el tercer CD “The Beacons bottom tapes” por tratarse de nuevas grabaciones de sus temas mas conocidos con arreglos distintos. Los CDs primero y cuarto con menos interesantes pues el 1º con remezclas de sus temas conocidos y el 4º varias grabaciones en vivo (con buena calidad) en conciertos varios a lo largo de los años. La mayor parte de los temas de estos conciertos circulan como discos piratas de la banda.

Nightcap 1993)

Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999)

J-Tull Dot Com

Estos dos álbumes mostraron una mayor inspiración en el folk y en la world music, reflejando distintas influencias musicales recibidas tras décadas de giras por todo el mundo. En canciones como “Out of the Noise” (Roots to Branches) y “Hot Mango Flush” (J-Tull Dot Com), Anderson describe vívidas imágenes de las calles del tercer mundo. Estos últimos álbumes reflejaban la aceptación, por parte de Anderson, del hecho de que ya era una vieja estrella del rock, con canciones como “Another Harry’s Bar”, “Wounded, Old and Treacherous” (ambas de Roots to Branches) y “Wicked Windows” (de J-Tull Dot Com), que trata sobre unas gafas para leer.

En 1995 Anderson lanzó su segundo álbum como solista, Divinities: Twelve Dances with God, obra de doce piezas instrumentales que giran alrededor de su prodigiosa flauta.
Artículo principal: Divinities: Twelve Dances with God

En 1996 salió al mercado un álbum de tributo a Jethro Tull titulado To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales‎. En él colaboraron antiguos miembros de Jethro Tull, así como otros artistas y grupos, entre los que caben destacar Keith Emerson, Tempest y Wolfstone.

To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales‎

La cuarta década de Jethro Tull (desde 1999 en adelante)

La última etapa puede caracterizarse por el lanzamiento periódico de discos por parejas: a cada disco de Jethro Tull le seguirá otro de Ian Anderson en solitario de similares características.

La etapa se inicia con la edición de dos discos de excepcional calidad: uno de Jethro Tull, J-Tull Dot Com (1999), y otro de Ian Anderson, The Secret Language of Birds (2000), ambos relacionados en su estilo, que siguen mostrando influencias de la world music.

The Secret Language of Birds

Al comienzo del nuevo milenio, la voz de Anderson parecía haber recuperado parte de sus antiguos registros.

En 2003 se editó The Jethro Tull Christmas Album, en el que la banda interpreta canciones tradicionales de Navidad, junto con composiciones originales de Jethro Tull sobre este tema. Algunas de estas canciones son totalmente nuevas y otras, como “A Christmas Song”, ya habían sido grabadas en álbumes anteriores, aunque en éste se ofrecía una nueva versión.

The Jethro Tull Christmas Album

¡Tour por América de 2007.

Este disco se vio acompañado por otro de Ian Anderson en solitario, Rupi’s Dance (2003), que mantiene las características de The Secret Language Of Birds, aunque sin alcanzar sus cotas de calidad.
Artículo principal: Rupi’s Dance

Sorprendentemente, también en 2003, el antiguo componente de la banda David Palmer, de 66 años, anunció que se había cambiado de sexo y que, a partir de entonces se llamaría Dee Palmer. La noticia sorprendió a los miembros de la banda y fue noticia mundial, pues nadie se esperaba que Palmer, casado, con hijos, que siempre había mostrado un aspecto barbudo y que había pertenecido a los Royal Horse Guards, hubiera deseado ser mujer desde hacía años. David Palmer esperó al fallecimiento de su mujer para dar dicho paso.

En 2005 se editó un álbum doble en vivo y un DVD de Ian Anderson llamado Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull, al igual que un DVD de Jethro Tull titulado Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 y otro álbum en vivo titulado Aqualung Live (grabado durante el año 2004).
Artículo principal: Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull

El ex batería Mark Craney, componente de la formación entre 1980 y 1981, murió de diabetes y pneumonía el 26 de noviembre de 2005. Había padecido a lo largo de los años un largo historial de problemas de salud, con afecciones renales, cardíacas y parálisis; unos cuantos miembros del grupo (incluyendo a Anderson) ayudaron a Craney en el pago de sus elevadas facturas médicas, mediante su colaboración en el álbum Something with a Pulse.

En la primera mitad de 2005, en un anuncio publicado en el sitio oficial del grupo, Anderson afirmaba que la banda no tenía planes de grabar nuevos discos de estudio en un futuro próximo y que quería dedicar su tiempo a tocar en vivo tanto con Jethro Tull como con su banda solista, los Rubbing Elbows. También indicó que le gustaría realizar esporádicas colaboraciones con otros músicos.

En diciembre de 2007, la reina Isabel II de Inglaterra, en reconocimiento a sus servicios al mundo de la música, otorgó a Ian Anderson la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE) (Officer of the British Empire).
La censura sobre Jethro Tull

España

En España, debido a la censura imperante durante la dictadura del franquismo, el álbum Aqualung (1971) no fue publicado hasta 1976, y en una edición en la que la canción “Locomotive Breath” había sido censurada, siendo sustituida por “Glory Row”. Esta última canción aparecería después en los demás países en recopilaciones o como bonus track. Esto convirtió a la edición española del álbum en una pieza muy apreciada para coleccionistas de otros países.

Igualmente en los años 70, durante una actuación en Barcelona, funcionarios de la censura se empeñaron en revisar sus ropajes medievales con mallas ajustadas. Sobre esta situación, Ian Anderson ha bromeado en multitud de ocasiones pues, hasta ese momento, según él decía irónicamente, nunca se había considerado un “sex symbol” que pudiera excitar la libido de sus fans.

Integrantes

Formación actual

* Ian Anderson – flauta, voz, guitarra, mandolina y harmónica (principal compositor)
* Martin Barre (desde 1969) – guitarra, flauta
* Doane Perry (desde 1984) – batería
* Andrew Giddings (desde 1991) – teclados
* Jonathan Noyce (desde 1995) – bajo

Miembros anteriores

Bateristas

* Clive Bunker (1968-1971)
* Barriemore Barlow (1971-1980)
* Mark Craney (1980-1981) (fallecido)
* Gerry Conway (1982, 1987)
* Paul Burgess (1982) (solo en giras)
* Dave Mattacks (1991-1992)
* Phil Collins (1982) (solo en giras)

Bajistas

* Jeffrey Hammond-Hammond (1970-1975)
* John Glascock (1975-1979) (fallecido)
* Glenn Cornick (1968-1970)
* Tony Williams (1978) (reemplazo temporal de Glascock)
* Dave Pegg (1979-1995) (bajo y mandolina)

Teclistas

* John Evan (1970-1980) (teclados y órgano)
* David Palmer (1976-1980) (actualmente Dee Palmer, después de su cambio de sexo) (teclados, órgano y dirección de orquesta)
* Eddie Jobson (1980-1981) (teclados y violín)
* Peter-John Vettese (1982-1985) (teclados y sintetizadores)
* Maartin Allcock (1988-1992)

Guitarristas

* Mick Abrahams (1968) (guitarra y voz)
* Tony Iommi (1968) (en el Rolling Stones’ Rock and Roll Circus)

2007 – actualmente

* Ian Anderson – voz, flauta travesera, guitarra acústica, mandolina, mandoloncello,
armónica, flauta de bambú
* Martin Barre / Florian Opahle – guitarra eléctrica
* David Goodier – bajo
* James Duncan / Doane Perry – batería
* John O’Hara – teclados

Discografía principal de Jethro Tull

* This Was (1968)
(Gnome-searchtool.svg Buscar videos: My Sunday Feeling, Serenade To A Cuckoo, Beggar’s Farm, Dharma For One, A Song For Jeffrey)
* Stand Up (1969)
(Gnome-searchtool.svg Buscar videos: A New Day Yesterday, Bourée, Back To The Family, Nothing Is Easy, Fat Man, We Used To Know, For A Thousand Mothers)
* Benefit (1970)
(Gnome-searchtool.svg Buscar videos: With You There to Help Me, To Cry You A Song, Teacher)
* Aqualung (1971)
(Gnome-searchtool.svg Buscar videos: Aqualung, Cross-Eyed Mary, Cheap Day Return, Mother Goose, Wond’rig Aloud, Up To Me, My God, Hymn 43, Slipstream, Wind Up, Locomotive Breath)
* Thick as a Brick (1972)
(Gnome-searchtool.svg Buscar videos: Thick As A Brick)
* Living in the Past (1972) (recopilación de singles)
(Gnome-searchtool.svg Buscar vídeos: Christmas Song, The Witch’s Promise)
* A Passion Play (1973)
(Gnome-searchtool.svg Buscar videos: A Passion Play, The Story Of The Hare Who Lost His Spectacles)
* War Child (1974)
* Minstrel in the Gallery (1975)
* Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die! (1976)
* Songs from the Wood (1977)
* Heavy Horses (1978)
* Bursting Out (1978) (en vivo)
* Stormwatch (1979)
* A (1980)
* The Broadsword and the Beast (1982)
* Under Wraps (1984)
* A Classic Case – ‘The London Symphony Orchestra’ (1985)
* Crest of a Knave (1987)
* Rock Island (1989)
* Catfish Rising (1991)
* A Little Light Music (1992) (en vivo)
* Nightcap (1993)
* Roots to Branches (1995)
* J-Tull Dot Com (1999)
* The Jethro Tull Christmas Album (2003)
* The Best Of Acoustic (2007)(Compilatorio)
* This Was 40th Anniversary (2008)(Compilatorio)

Videoclips y DVDs oficiales

* A Song for Jeffrey (videoclip) (1968) (extraído del espectáculo Rock And Roll Circus, de los Rolling Stones) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Bourée (videoclip) (1969) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Sweet Dream (videoclip) (incluido posteriormente en el videoconcierto Slipstream) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Life is a Long Song (videoclip) (1971) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* The Story of the Hare Who Lost his Spectacles (1973).
* Especial Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die! para la televisión (1976) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeos).
* Ring Out Solstice Bells (videoclip) (1976) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* The Whistler (videoclip) (1977) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Live in London (DVD) (1977) (videoconcierto desde el Hippodrome de Londres, el 10/02/1977).[8]
* Videoconcierto desde el Madison Square Garden de Nueva York, en el culmen de su carrera musical (1978) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeos (1)), (Buscar vídeos (2)).
* Heavy Horses (videoclip) (1978) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Slipstream (DVD) (1981).
* Dun Ringill (videoclip) (1981) (incluido en el videoconcierto Slipstream) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die! (videoclip, incluido en el videoconcierto Slipstream) (1981).
* Flyingdale Flyer (videoclip, incluido en el videoconcierto Slipstream) (1981).
* 20 Years of Jethro Tull (1988).
* 25th Anniversary Video (1994).
* Steel Monkey (videoclip) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo)
* The Secret Language of Birds (videoclip) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeo).
* Living with the Past (DVD) (2002).
* Life is a Long Song (videoclip) (del DVD Living with the Past) (2002).
* Wond’ring Aloud (videoclip) (del DVD Living with the Past) (2002).
* Some Day the Sun Won’t Shine for You (videoclip) (del DVD Living with the Past) (2002).
* A New Day Yesterday (DVD) (2003).
* Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 (editado en 2005) (DVD) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeos).
* Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull (DVD) (2005) (gira orquestral de Ian Anderson) (Gnome-searchtool.svgBuscar vídeos).
* Live at Montreux 2003 (5.1 DTS DVD) (2007).

Jethro Tull – Aqualung

>LISA FISCHER

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Lisa Fischer es una estadounidense ganadora del Premio Grammy de R & B cantante, conocida por su impresionante gama vocal que llega hasta el registro de silbido, y su único gran éxito de 1991 “How Can I Ease the Pain”. Fischer ha sido reconocida como uno de los vocalistas más exitosas en el período de sesiones de la época. Es considerada una de las voces melódicas más poderosas del mundo de la música.

Fischer nació en el barrio de Fort Greene en Brooklyn, Nueva York. Antes de proseguir una carrera en solitario, acompañó a la cantante de R & B Luther Vandross en sus giras y álbumes hasta su muerte, además de colaborar para artistas como Melba Moore y Billy Ocean. tambien colaboró con muchos cantantes famosos, como Chaka Khan, Tina Turner, Teddy Pendergrass y Roberta Flack.

Su¿Cómo puedo aliviar el dolor” carrera alcanzó su punto máximo con la versión 1991 de “How Can I Ease the Pain” de su álbum So Intense, que fue número uno en el R & B charts y ganó un premio Grammy a la mejor voz femenina de R & B en 1992.

Fischer declaró la razón de no crear más discos, es porque le gustaba hacer colaboraciones mucho más que cantar en solitario.

Lisa Fischer interpretando “Gimme Shelter” con los Rolling Stones.

Fischer es actualmente una cantante y compositora y ha estado de gira con los Rolling Stones desde 1987. Ella trabajó en el mismo período de tiempo para Luther Vandross, entre sus giras de conciertos y los de los Rolling Stones, con quien tiene un público cada vez mayor.
Hay canciones que se han convertido en productos básicos en las giras con los Rolling Stones. Una canción, “Gimme Shelter” (1995) muestra su talento vocal y con frecuencia en las listas establecidas durante sus conciertos en vivo.

Fischer también ha realizado giras con Tina Turner. La gira fue la más rentable del año 2000 en todo el mundo. Continuó con Tina Turner y The Rolling Stones, compone canciones para ella y artistas con mucho futuro. Lisa apareció recientemente en Jet Magazine “Where Are They Now?” columna. Ella espera grabar un nuevo álbum pronto. Fischer acaba de terminar una gira con Tina Turner en su Tina!: 50th Anniversary Tour. Ella aparece en Turner nuevo DVD en vivo / CD, titulado Tina Live. Ella y Turner cantando “It’s Only Rock n ‘Roll (But I Like It), juntas y después de que Turner abandona el escenario, Fischer completa el solo de la canción.

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Sra. Fischer cantó en el álbum de Sting "Si una noche de invierno" como segunda vocalista. En septiembre de 2009, Sting y su banda de músicos, incluyendo Fischer, realizó las canciones en vivo en la catedral de Durham. Los ensayos, así como el concierto se filmaron y se han lanzado como un DVD. Detrás de las escenas documentales en torno al acontecimiento fue producido conjuntamente por la BBC y fue exhibido el 29 de diciembre.

Discografía

* 1991: tan intenso
* 2010: El Retorno del Xena

Apariciones Soundtrack

* 1990: Las aventuras de Ford Fairlane
* 1992: Solo en casa 2: Perdido en Nueva York
* 1993: Made in America

[Editar] Apariciones álbum

* 1985: Luther Vandross, The Night I Fell in love
* 1996: Luther Vandross, su amor secreto
* 2008: Aretha Franklin-Esta Navidad, Aretha (como vocalista)
* 2009: Tina Turner, Tina Live
* 2009: Sting-Si una noche de invierno
* 2009: Noche de Sting-A Winter's en vivo desde la catedral de Durham (DVD)
* 2010: Bobby McFerrin – vocabularios

[Editar] Tours

* 1989: Acero Ruedas Tour – The Rolling Stones
* 1994: Voodoo Lounge Tour – The Rolling Stones
* 1997: Bridges to Babylon Tour – The Rolling Stones
* 1999: n º Tour de seguridad – The Rolling Stones
* 2000: Veinticuatro siete Tour – Tina Turner
* 2002: The Licks Tour – The Rolling Stones
* 2005: A Bigger Bang Tour – The Rolling Stones
* 2008: Tina: Viva en la gira de conciertos – Tina Turner
* Cada gira de Luther Vandross hasta su muerte como Lutero, Live!.

Rolling Stones & Lisa Fischer – Gimme Shelter

http://www.dailymotion.com/swf/video/xac6w

Tina & Lisa Fischer live – I know it’s only rock and roll

>BUDDY GUY

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George “Buddy” Guy (30 de julio de 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy.

Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.

A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vio tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciéndose acreedor a un contrato de grabación.
Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles… ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!
Stevie Ray Vaughan

Aparece como invitado especial en el concierto de los Rolling Stones filmado por Martin Scorsese “Shine a Light” (2008) Al final de su participación Keith Richards le rinde honores regalándole su guitarra.

Rock Me Baby-BB KIng/Eric Clapton/Buddy Guy/Jim Vaughn