>En los años 60 Estados Unidos vivió una revolución hippie, que produjo sus frutos en la música, y el arte.
” Hair ” es su máximo exponente, y la canción ” Aquarius ” que se incluye dentro de la película son símbolos de toda una generación.
Aquel muchacho ( John Savage ) ” de Oklahoma llega a Nueva York , para instruirse en el Ejército a fin de marchar a la guerra, en la otra punta del mundo, Vietnam.
Unas semanas de instrucción militar y el chico ya está preparado para morir .
Como Él, millares de jóvenes, que deberían estar terminando sus estudios, tocándole el culo a la novia, o pidiendo su primera hipoteca, se ven envueltos en un mundo que no es el suyo.
Según la LEY UNIVERSAL, a toda una acción, le sucede una REACCION, y el movimiento hippie, fue la reacción a Vietnam, aunque no coincida exactamente en el tiempo.
En Nueva York, el paleto conoce al gurú de los hippies, Treat Williams, que le enseña un Nuevo Mundo que El ignoraba, donde se predica el amor libre, camisas de colores, drogas psicodélicas, cultura oriental, y sobre todo llevar el pelo largo, de ahí el nombre de la película, y anteriomente el musical ” HAIR “. La primera vez que la ví, hace muchísimo tiempo, fue impactante, donde por más tretas que buscan para librarle de Vietnam, no lo consiguen, y su pelo es vencido por la maquinilla de trasquilar ovejas.
Divertida, muy fresca, y maravillosa; la lucha de la vida contra la muerte. Es como cortar una rosa , cuando empiezan a salir los capullos. Todos los datos técnicos son muy fáciles de busacar en internet, y por eso no voy a copiarlos.
Magnífico el anuncio de Aquarius, que intenta concentrar toda una cultura en la botella de bebida energética. Recomiendo encarecidamente escuchar la canción ” AQUARIUS ” , y si es posible, ver la película , nunca decepciona. No sé por qué no la repiten en la televisión, como hacen con el otro gran musical ” Grease “.
Y aquí va la letra de Aquarius. Aunque está en inglés es muy facilita:
When the moon is in the seventh house And Jupiter aligns with Mars The peace will guide the planets And love will steer the stars This is the dawning of the age of Aquarius Age of Aquarius Aquarius, Aquarius Harmony and understanding, sympathy and trust abounding
No more falsehoods or derisions, golden living dreams of visions Mystic crystal revelations, and the mind´s true liberations
Aquarius, Aquarius When the moon is in the seventh house And Jupiter aligns with Mars The peace will guide the planets And love will steer the stars This is the dawning of the age of Aquarius Age of Aquarius Aquarius, Aquarius Aquarius, Aquarius
Roberta Flack (n. Black Mountain, Carolina del Norte, 10 de febrero de 1939), es una cantante de soul y quiet storm estadounidense.
Nació en 1939 en Carolina del Norte. Era hija del organista de la iglesia baptista de Nashville, por lo que desde pequeña se orientó musicalmente tocando el piano. [editar] Inicios
En su juventud recibió nociones musicales y clases eventuales en la Universidad Howard. Tras un periodo dando clases, fue descubierta por Less McCann cantando en un club de jazz. Muy poco después y gracias a él, firmó con la discográfica Atlantic. [editar] Primeros discos
Sus dos primeros álbumes (First take en 1969 y Chapter 2 en 1970) apenas sonaron y no llegaron a colocar ningún sencillo. Pero esto cambió cuando en la banda sonora de Play Misty for Me se incluyó una versión de The First Time Ever I Saw Your Face (canción del cantante folk Ewan McColl, que ya aparecía en su álbum debut. El single se convirtió en número uno y permaneció en lo más alto seis semanas, convirtiéndose en uno de los mayores hits de 1972.
En ese mismo año Roberta se unió con su compañero de clase Donny Hathaway para grabar un álbum juntos, del que se extraerían éxitos como Where is the love o la versión del clásico de Carole King You’ve got a friend.
El grán éxito: Killing Me Softly with His Song
Pero su mayor éxito le llegaría en 1973, y el tema Killing me softly with his song, convirtiéndose en número uno por cinco semanas y siendo uno de los grandes hits de la música contemporánea.
En 1974 volvió a las listas de ventas con Feel Like Makin’ Love. En ese año se tomó un descanso para actuar con fines benéficos. En los siguientes años sus apariciones eran escasas pero continuaba trabajando duro. En 1979 Donny Hathaway se suicidaba haciendo volver a la escena a Roberta. Afectada por la pérdida, buscó un nuevo compañero musical; Peabo Bryson, con quien hizo una larga gira durante 1980. En 1983 grabaron juntos, consiguiendo el éxito Tonight, I Celebrate My Love. Durante toda la década de los 80s se centró en actuar más que en grabar, haciendo numerosas giras y actuando junto a Miles Davis.
Volvió a los puestos altos de las listas en 1991 con el dúo Set the Night to Music junto a Maxi Priest. Durante toda la década de los años 1990 y en la actualidad se dedica a hacer interminables giras mundiales, en las que especialmente se centra en el jazz.
King Crimson es un grupo musical inglés formado en 1968 por el guitarrista Robert Fripp y el batería Michael Giles. Es uno de los más importantes precursores del movimiento de rock progresivo. El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B’il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.
La historia de King Crimson se ha caracterizado por los constantes cambios de integrantes, Robert Fripp es el único factor común de todos los discos y todas las alineaciones del grupo, aunque él no se considera a sí mismo como líder. Para él, King Crimson es “una manera de hacer cosas” y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.
King Crimson se formó en noviembre de 1968 en Inglaterra por Robert Fripp y Michael Giles, después que disolvieron su primer intento de grupo llamado Giles, Giles and Fripp, el cual habían tenido con Peter Giles, el hermano de Michael. Los músicos reclutados por Giles y Fripp para su nueva agrupación fueron el guitarrista Greg Lake quien haría de bajista y cantante, el letrista Peter Sinfield y el compositor Ian McDonald.
En 1969, el grupo debutó de teloneros de los Rolling Stones en un concierto en el Hyde Park, y grabó su primer disco, In the Court of the Crimson King, en octubre. También realizaron su primera gira por Europa y Norteamérica. A finales de año surgieron tensiones y diferencias creativas que desembocaron en la salida de Michael Giles e Ian McDonald de la banda, quienes al año siguiente grabaron un álbum con el nombre de McDonald and Giles.
Los 70
Robert Fripp con Greg Lake y Peter Sinfield continuaron King Crimson momentáneamente como trío, fue así como grabaron en 1970 su segundo disco, In the Wake of Poseidon, en el cual se incorporó al grupo el músico Mel Collins, y también participó el anterior socio de Fripp, Peter Giles.
Greg Lake abandonó la agrupación en abril previendo lo que se avecinaba (en palabras textuales), debido al carácter de caudillo de Fripp y a la constante imprevisión en cuanto a composición y elaboración de sus temas sin una línea determinada, para formar con Keith Emerson y Carl Palmer el también grupo de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, dejando a King Crimson sin vocalista hasta que Gordon Haskell tomó ese lugar y también el de bajista para Lizard, el tercer álbum de la banda, también de 1970. Haskell ya había grabado con King Crimson en In the Wake of Poseidon, en la canción “Cadence and Cascade”.
Andy McCulloch tocó la batería en Lizard, además de la participación de Jon Anderson del grupo Yes en una de las canciones. Haskell y McCulloch abandonaron la banda poco antes del lanzamiento de Lizard, dejando a King Crimson sin vocalista, bajista ni batería.
Fripp comenzó entonces a audicionar a nuevos músicos para suplir los lugares vacantes. El batería Ian Wallace y el vocalista Boz Burrell fueron los seleccionados y como ningún bajista convenció a Fripp, decidió simplemente enseñar a Burrell a tocar el bajo. En 1971 realizaron el cuarto álbum de la agrupación, Islands. Al concluir ese año Peter Sinfield abandonó el grupo, y entonces los miembros restantes realizaron en 1972 una nueva gira llamada Earthbound con la plena intención de disolver la agrupación al término de ella. Poco después, con el material grabado de esa gira, Fripp editó el disco Earthbound, su primer álbum en directo.
Sin embargo, después de la gira Earthbound, Collins, Burrell y Wallace abandonaron King Crimson para unirse a Alexis Korner en una banda llamada “Snape”. Fripp otra vez buscó a nuevos miembros para rearmar a King Crimson. El primer elegido fue el percusionista Jamie Muir, quien desde antes ya había sido considerado por Fripp como un posible miembro del grupo. El siguiente fue el vocalista y bajista John Wetton, a quien Fripp conocía desde sus tiempos colegiales. Wetton también había sido considerado anteriormente para ser miembro pero su adición no se había concretado. King Crimson comenzaba de nuevo.
El ex-batería de Yes, Bill Bruford, fue el siguiente elegido, una decisión que fue criticada por mucha gente, pues Bruford abandonó Yes por King Crimson, que ya tenía un historial de mucha inestabilidad y había resultado muy impredecible. Bruford mismo reveló que estaba más interesado en los fines artísticos y que por ello había ingresado a King Crimson. Por último, David Cross fue seleccionado como ejecutante de viola, violín y teclado para reinventar el sonido de la nueva agrupación. Comenzaron a trabajar en 1972 y para el siguiente año concretaron su nuevo álbum, Larks’ Tongues in Aspic. Muir abandonó King Crimson poco después de publicado Larks’ Tongues in Aspic. El grupo se embarcó entonces en una nueva gira por Europa y Estados Unidos.
Esta etapa de King Crimson se caracterizó por la influencia que recibió de la naciente música heavy metal que se desarrollaba principalmente en los Estados Unidos y en Gran Bretaña. La guitarra de Fripp se mostró más agresiva, así como la batería de Bruford, que sonaba potente, y también el bajo de Wetton se oyó más fuerte.
A finales de 1973, el grupo preparó su siguiente álbum, Starless and Bible Black, que estuvo concluido a principios de 1974. Este disco convirtió al King Crimson de esa época en el primero en mantenerse intacto por más de una gira y por más de un disco. La mayor parte del disco fue grabado en conciertos durante 1973, con sólo dos temas grabados en estudio (“The Great Deceiver” y “Lament”), otro de los temas fue sólo parcialmente grabado en estudio (“The Night Watch”), lo cual demostró que King Crimson era esencialmente un grupo para tocar en vivo. Fripp siempre consideró adecuado capturar la atmósfera y la energía de las presentaciones en vivo y por ello grabó las canciones en los conciertos.
David Cross comenzó a cuestionar su lugar en el grupo. Su rol como violinista había sido más importante al principio de esta nueva versión de King Crimson, pero la progresión y la agresividad musical que manejaban para ese momento redujeron notablemente sus contribuciones al sonido de la banda, él mismo declaró que había quedado relegado a ser sólo el ejecutante del piano eléctrico. Abandonó el grupo cuando comenzaron a grabar su siguiente álbum titulado Red.
Red también incluye la participación de Robin Miller, quien ya había grabado con el grupo, en el oboe; así como la colaboración de Marc Charig en la corneta. David Cross aparece sólo en el tema “Providence”, que había sido grabado previamente en un concierto de la banda en junio de ese mismo año (1974). Mel Collins volvió como saxofón soprano, también Ian McDonald regresó como saxofón alto y su intención era volver como miembro permanente de King Crimson, aunque ello no pudo concretarse. En aquella época Fripp se interesó por los escritos del místico ruso George Ivanovich Gurdjieff e incluso habló de ser sustituido por McDonald. Fue un momento en el que Fripp consideró seriamente abandonar el grupo.
La alineación del disco Red no llegó a realizar ninguna gira y dos meses antes de que se publicara el álbum, Robert Fripp anunció la disolución del grupo. “King Crimson está totalmente acabado para siempre” declaró. En 1975 se editó el segundo disco en directo de la banda, llamado USA, compuesto de interpretaciones durante 1974.
Fripp se dedicó entonces a hacer una carrera solista colaborando además con importantes músicos. Por su parte, Ian McDonald formó con otros músicos en 1976 el grupo Foreigner. King Crimson aparentemente había dejado de existir, pero sólo era el término de una etapa más del grupo.
Los 80
Al inicio de 1981 Robert Fripp y Bill Bruford comenzaron a gestar la formación de un nuevo grupo que se llamaría “Discipline”. Durante algún tiempo buscaron a un nuevo bajista hasta que dieron con Tony Levin. Levin era conocido principalmente por sus colaboraciones con reconocidos músicos como John Lennon y Peter Gabriel. Desde el principio Fripp, quien sabía que Levin estaba disponible, lo había considerado como uno de los mejores candidatos para su nuevo grupo.
Fripp convocó también al guitarrista y vocalista Adrian Belew, quien se encontraba con los Talking Heads en una gira. Fripp nunca había trabajado con otro guitarrista en una misma banda, así que la decisión de buscar a un segundo guitarrista revelaba su intención de crear un sonido totalmente distinto al de King Crimson. Belew aceptó grabar con el nuevo grupo de Fripp inmediatamente después de acabar con la gira con los Talking Heads.
Durante las grabaciones del disco en 1981, Fripp se dio cuenta que el sonido de King Crimson se encontraba ahí y reconsideró su decisión de llamar al grupo Discipline. Los otros miembros estuvieron de acuerdo con Fripp y en su lugar llamaron al álbum Discipline, bajo el nombre de King Crimson. La banda del Rey Carmesí había resurgido.
El grupo realizó una trilogía de discos continuada con Beat de 1982 y concluida en Three of a Perfect Pair de 1984. Belew se encargó también de casi todas las letras de los tres discos, además de que incorporaron piezas completamente instrumentales. Esta versión de King Crimson tenía elementos de la música new wave, muy probablemente resultado del trabajo de Belew con los Talking Heads, quienes fueron unos de los iniciadores del género.
Después de Three of a Perfect Pair, King Crimson volvió a desintegrarse durante diez años. Fripp se enfrascó en una serie de pleitos legales por los derechos de todo lo relacionado con el grupo, lo cual le llevó casi todo ese tiempo pero concluyó en la creación de la compañía Discipline Global Mobile, la cual actualmente ostenta todo el catálogo de King Crimson y de sus proyectos colaterales.
Los 90
En 1994 King Crimson volvió a formarse, esta vez como sexteto, con la adición de dos nuevos miembros a la alineación de 1981-1984. Fripp y Belew en las guitarras, Levin en el bajo, Trey Gunn en un instrumento llamado guitarra Warr y Bruford en la batería acompañado de otro percusionista, Pat Mastelotto (salido de la banda Mr. Mister). Esta formación de “doble-trío” realizó apenas unos cuantos discos en la década de los noventas, el EP VROOOM de 1994, que sólo antecedió al lanzamiento del álbum THRAK en 1995 y luego el álbum en vivo THRaKaTTaK en 1996.
En este nuevo King Crimson, los integrantes combinaban sus instrumentos de maneras únicas. Con respecto al sonido, era un mezcla del estilo de la etapa de Discipline complementada con la guitarra heavy metal Red. Esta versión de King Crimson tuvo una propuesta y un nivel de experimentación completamente distintos al de todas sus épocas anteriores, lo cual los llevó nuevamente a desintegrarse.
El resto de los noventa a través de Discipline Global Mobile se lanzaron trabajos de otros artistas y de los proyectos colaterales a King Crimson, llamados ProjeKct One, ProjeKct Two, ProjeKct Three, ProjeKct Four, así como el ProjeKct X, o simplemente ProjeKCts, los cuales son subgrupos de King Crimson (de acuerdo a Fripp son una fraKctalización de King Crimson) que han llevado a cabo varias grabaciones en vivo donde se ha demostrado la habilidad de improvisación de los músicos involucrados actualmente en King Crimson y en donde han dejado patente su capacidad para producir música.
En el s. XXI
Después del trabajo de los ProjeKcts, Bruford y Levin dejaron la banda. La alineación de King Crimson, constituida nuevamente como cuarteto por Belew, Fripp, Gunn y Mastelotto, publicó el siguiente álbum de la banda llamado The ConstruKction of Light en el año 2000.
Tras algunos problemas económicos, Discipline Global Mobile actualmente administra exclusivamente el material de King Crimson, editando numerosos álbumes en vivo y colecciones de su discografía. Para el 2002 apareció el EP Happy With What You Have to Be Happy With que antecedió al lanzamiento en 2003 de The Power to Believe, el último álbum de estudio hasta el momento de King Crimson.
En noviembre del 2003 Trey Gunn anunció su salida del grupo. Por su parte, tanto Tony Levin como Robert Fripp han anunciado la reintegración de Levin como bajista de King Crimson. La actual alineación de King Crimson ha quedado constituida por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Pat Mastelotto. Mientras, en 2006 apareció el ProjeKct Six.
Pat Mastelotto anunció en 2008 el regreso de la banda con una serie de conciertos, así como cambios en la alineación del grupo, ya que Gavin Harrison, baterista de Porcupine Tree, ingresará como nuevo integrante de King Crimson, acompañando a Pat Mastelotto como segundo baterista.
Generalmente se asocia la historia de King Crimson con los constantes cambios de integrantes que ha tenido, pero en realidad eso se dio sobre todo en sus primeros años; desde 1981 cuando el grupo resurgió, ha tenido una mayor estabilidad de miembros en donde unos se van, después vuelven, y actualmente la flexibilidad de esos cambios se ha vuelto su sello. La que no se ve tan clara es la vuelta de Bill Bruford, ya que tras las desavenencias surgidas durante la preparación de The ConstruKction of Light (Fripp exigió a Bruford que tocase la batería electrónica en vez de la acústica). Con posterioridad, Bill Bruford, al ser preguntado por este tema, aseguró que no volvería a tocar Rock nunca más y que se dedicaría en el futuro a su carreta como músico de Jazz con su grupo, Earthworks.
Con más de cuarenta años de trayectoria, King Crimson es una de las bandas más longevas de la historia de la música y uno de los más importantes representantes del rock progresivo, además de que se les ha llegado a considerar como músicos de gran calidad técnica e interpretativa.
Miembros
Formación actual
* Robert Fripp — guitarra, piano eléctrico, melotrón, teclados (1969–presente). * Adrian Belew — guitarra, voz (1981–presente). * Tony Levin — bajo, chapman stick, voz (1981–1999; 2003–presente). * Pat Mastelotto — batería, percusión (1994–presente). * Gavin Harrison — batería (2007–presente).
Miembros pasados
* Greg Lake — bajo, voz y pandereta (1969–1970). * Michael Giles — batería, voz (1969–1970). * Ian McDonald — saxofón, clarinete, clarinete bajo, flauta, melotrón, vibráfono, voz (1969; 1974). * Peter Sinfield — letras, sintetizador (1969–1971). * Mel Collins — saxofón, flauta, voz, melotrón (1970–1972; 1974). * Gordon Haskell — bajo, voz (1970). * Andy McCulloch — batería (1970). * Rick Kemp – bajo (1971). * Boz Burrell — bajo, voz (1971–1972). * Ian Wallace — batería, percusión y voz (1971–1972). * John Wetton — bajo, voz (1972–1974). * Jamie Muir — percusión, de todo (1972–1973). * Bill Bruford — batería, percusión (1972–1998). * David Cross — violín, viola, flauta, melotrón, piano eléctrico, teclados (1972–1974). * Richard Palmer-James — letras, voz (1972–1974). * Trey Gunn — Warr guitar, Chapman stick (1994–2003).
Otros participantes
* Keith Tippet: piano, piano eléctrico; instrumentación. Músico de jazz. * Marc Charig: corneta. Músico de jazz. * Robin Miller: oboe, corno inglés. Este músico fue miembro de la London Sinfonietta, con la que tomó parte en la grabación de la obra de cámara de Arnold Schönberg. * Nick Evans: trombón de varas. Músico de jazz. * Jon Anderson: voz en King Rupert Awakes, del álbum Lizard. * Paulina Lucas: voz en el álbum Islands.
Discografia
Álbumes
* In the Court of the Crimson King (1969) * In the Wake of Poseidon (1970) * Lizard (1970) * Islands (1971) * Larks’ Tongues in Aspic (1973) * Starless and Bible Black (1974) * Red (1974) * Discipline (1981) * Beat (1982) * Three of a Perfect Pair (1984) * THRAK (1995) * The ConstruKction of Light (2000) * The Power to Believe (2003)
EP
* VROOOM (1994) * Happy With What You Have To Be Happy With (2002) * Level Five (EP, 2001)
Sencillos
* Cat Food/Groon (1970) * Atlantic Sampler (1973) * The Night Watch/The Great Deceiver (1974) * Epitaph/21st Century Schizoid Man (1976) * Matte Kudasai (1981) * Elephant Talk (1981) * Thela Hun Ginjeet (1981) * Heartbeat (1982) * Three of a Perfect Pair/Man With an Open Hearth (1984) * Sleepless (1984) * Dinosaur (1995) * People (1995) * Sex Sleep Eat Drink Dream (1995)
Álbumes en vivo
* Earthbound (1972) * USA (1975, grabado en 1974) * The Great Deceiver (4 CD) (1992, grabado en 1973-74) * B:Boom: Live in Argentina (1995, grabado en 1994) * THRaKaTTaK (1996, grabado en 1995) * Epitaph (4 CD) (1997, grabado en 1969) * The Night Watch (2 CD) (1998, grabado en 1973) * Absent Lovers: Live in Montreal (2 CD) (1998, grabado en 1984) * Cirkus: The Young Persons’ Guide to King Crimson Live (2 CD) (1999, grabados entre 1969 y 1998) * The ProjeKcts (4 CD) (1999, grabados en 1997-1999) * The Deception of the Thrush: A Beginners’ Guide to ProjeKcts (1999, grabados en 1997-1999) * The Beginners’ Guide to the King Crimson Collectors’ Club (2000, grabado entre 1969 y 1998) * Heavy ConstruKtion (3 CD) (2000) * VROOOM VROOOM (2 CD) (2001, grabado en 1995-96) * Ladies of the Road (2 CD) (2002, grabado en 1971-72) * EleKtrik: Live in Japan (2003) * The Power to Believe Tour Box (2003)
Álbumes recopilatorios
* A Young Persons Guide to King Crimson (2LPs) (1976) * The Compact King Crimson (1986) * Heartbeat: The Abbreviated King Crimson (1991) * Frame by Frame: The Essenntial Kign Crimson (4CD) (1991) * Sleepless: The Concise King Crimson (1993) * The 21st Century Guide to King Crimson – Volume One – 1969-1974 (2004) * The 21st Century Guide to King Crimson – Volume Two – 1980-2003 (2004)
Colecciones del Club de King Crimson
Son una serie de numerosos conciertos de KC y del propio Robert Fripp, de venta exclusiva por Internet a través de Discipline Global Mobile. A la fecha suman 119 conciertos grabados.
Richard Stephen Sambora (nacido el 11 de julio de 1959 en Perth Amboy, New Jersey), de nombre artístico Richie Sambora, es el guitarrista y principal compositor junto a Jon Bon Jovi del grupo que ambos lideran, Bon Jovi.
En 1983, después de haber audicionado para ser el nuevo guitarrista de Kiss y no conseguirlo, vio a Bon Jovi en vivo en New Jersey. Al final del concierto, Sambora se acercó a Bon Jovi y le dijo “yo soy el guitarrista que necesitas”, y tras tocar varios minutos le convenció para entrar en la banda. Salta al estrellato junto a su banda con el exitoso album Slippery When Wet (1986), de él sale el single “Wanted Dead Or Alive”, pero sobre todo Sambora se destaca por sus riffs y solo de esta canción. Posteriormente, después de actuar en los MTV Awards (1989) y en el Moscow Muisc And Peace Festival, la banda no lanzó más discos.
En 1991 Sambora lanzó su disco en solitario “Stranger In This Town” (1991), con temas como Rosie, Ballad of Youth o Mr. Bluesman (canción en la cual el solo es interpretado por Eric Clapton, haciéndose realidad uno de los sueños de Richie) luego de una gira de promoción de este disco, Bon Jovi se reúne en 1992 y graban Keep The Faith. En 1994 contrajo matrimonio con la actriz Heather Locklear y tuvieron una hija, de nombre Ava. A principios del 2006, la pareja se separó en medio de diversos escándalos, una de las causas fue el escarceo amoroso de este con la mejor amiga de su mujer, Denise Richards. Desde el 2009 forma parte del prestigioso “Songwriters Hall of Fame” (Salón de la Fama de los compositores) junto a su compañero de grupo Jon Bon Jovi. Fue colocado en el puesto Nº 28 según la revista Total Guitar de los 100 mejores guitarristas de la historia. Se destacó junto a Jon Bon Jovi, ya que este último no es el único líder, sino que Richie ha sabido demostrar que puede ser un excelente frontman, basado en su carisma y su gran capacidad de show “On the stage”
Es un virtuoso guitarrista mundialmente reconocido, no solo por la banda que integra sino por su estudio sobre las escalas pentatónicas.
Richie ha lanzado dos discos como solista, Stranger In This Town (1991) y Undiscovered Soul (1998), ambos han tenido un éxito moderado, pero son obras de gran calidad de composición y muy valoradas por los seguidores de Bon Jovi. Ha realizado colaboraciones con Eric Clapton, B.B. King, Eddie Van Halen o Bryan Adams entre otros artistas.
Hoy está volcado en Bon Jovi, con los que está publicando el lanzamiento de un nuevo álbum de estudio (The Circle).
Biografía
Infancia
A corta edad, ya se inclinaba hacia el mundo de la música, tratando de tocar el piano, el saxofón o la trompeta, pero a los 14 años se decidió por la guitarra. Fue a la raíz de la muerte de Jimi Hendrix que empezó a tocar guitarra, influenciado por sus ídolos: Eric Clapton y Jimmy Page. Después tomo su estilo y principal influencia de Joe Perry. Comenzó tocando en pequeños grupos: Screaming Minds, Bruce Foster Band, Duke Williams & The Extremes, Mercy y The Message (con Alec John Such, quien posteriormente también se uniría a Bon Jovi).
Los 80
Inicios
En 1983 despues de haber audicionado para ser el nuevo guitarrista de KISS , Richie fue a un concierto de Bon Jovi, una banda que ganaba cada vez mas popularidad en New Jersey, despues del concierto, Richie se acercó a Jon y le dijo: ” Yo soy el guitarrista que necesitas”, Jon lo miro con cara de superioridad preguntándose: “¿Quién es este loco?”, como Jon estaba cansado le dio poco tiempo para que le demostrase lo que sabe hacer, en ese poco tiempo Richie dejó asombrado a Jon y este lo contrato. En el siguinte año graban el primer disco de la banda con el mismo nombre de esta destacandose el tema Runaway, que sonaba mejor en vivo, luego de una gira se encierran en los estudios para grabar el segundo disco.
En 1985 sale a la venta 7800º Fahrenheit,aunque su calidad era baja ya que habian tenido 6 semanas para grabarlo. Cabe destacar que en vivo las canciones de este disco sonaban mucho mejor y sin duda Richie era quien mas se destacaba con unos solos extensos y unos arreglos alucinantes a todas las canciones. “In And Out Of Love” era la cancion en vivo que mejor tocaba Richie, empezaba con un llamado “supersolo”, y la lleveva al Heavy Metal. En el disco en vivo “Document In Japan”(1985) se puede oir claramente la clase de guitarrista que es Richie. [editar] La fama
En 1986 lanzan Slippery When Wet, uno de los 100 discos mas vendidos del mundo, del que salen los singles: You Give Love a Bad Name, Never Say Goodbye, Wanted Dead or Alive(considerada la mejor composicion de Richie), y Living On A Prayer en la cual utilizo por primera vez el Talk Box y es considerada la mejor cancion de los 80’s. Con estas canciones lograron acuar en los MTV VMA’s con la cancion “Living on a Prayer” ganando el premio a mejor presentacion, en una presentacion en Sydney(Australia), Richie tocó un “supersolo” haciendo sonar su guitarra como una motocicleta y luego como una ambulancia. En 1987 tambien se presentaron en el Monsters Of Rock Festival, siendo Bon Jovi la principal atracción, para ese entonces con ese gran repertorio la banda tocaba excelente en vivo siendo Richie obviamente el mas destacado de la banda, luego lanzan el disco en vivo “Live In Cincinati” en el que se puede apreciar las grandes técnicas que Richie usa para todas las canciones.
En 1988 lanzan New Jersey que se convirtio en otra superventa para la banda y en donde Richie compone su primera cancion Heavy Metal: Lay Your Hands On Me, pero vale tambien destacar otras canciones que tienen una gran composicion entre ellas otra que esta dentro del Heavy Metal: “Homebound Train”, y otras canciones propias del estilo de la banda como “Born To Be My Baby”, “Blood On Blood” Y Bad Medicine. En ese mismo año Bon Jovi se presenta junto a Aerosmith tocando “Walk This Way” en donde claramente Richie se destaca mas que Joe Perry. el disco ganaba cada vez mas reputación aunque era muy sentimental. En 1989 tocan en el Moscow Music And Peace Festival donde Bon Jovi fue la mejor banda en actuar. Posteriormente se separaron en 1990.
Los 90
El 31 de Diciembre de 1990 en Japon, Bon Jovi dio el concierto de año nuevo empezando con “Tokyo Road” donde Richie tocó como nunca. En 1991 Richie lanzó su primer disco en solitario “Stranger In This Town” con temas como “Rosie” que se caracterizaban por tener un sonido distinto a Bon Jovi; el album tuvo exito moderado aunque es muy valorado por los fans de Bon Jovi.
En Septiembre de 1991, la banda se reúne de nuevo y comienza a hacer los planos de un nuevo disco. Tras una ausencia discografica de 1 año la banda vuelve y lanzan “Keep The Faith” un disco con otro estilo a los anteriores era mas Hard Rock y habian abandonado las raices Heavy Metal. El disco fue un exito mundial la banda dio una gira por 37 paises dando en ese tour el concierto mas pesado de la historia. En 1993 tocaron en un programa dedicado solamente a Bon Jovi en MTV. Los cambios eran notorios Richie habia cambiado su estilo aunque seguia tocando bien. La cancion en vivo que mas destaca es “Keep The Faith” en la que simpre ejecuta un solo al final. La cancion Dry County es considerada como una obra maestra y su solo es una de las mejores composiciones de Richie por su solo que dura casi 2 minutos.
En 1994 contrajo matrimonio con la actriz Heather Locklear con la que tuvo una hija llamada Ava Elizabeth; luego junto a su banda lanzan “Crossroad”, otro de los discos mas vendidos, aunque es ahi donde verdaderamente caen en el Hard Rock con temas como “Always”, aunque no hicieron un tour muy largo fue un disco bastante apreciado.
En 1995 lanzan “These Days”, un disco oscuro y Hard Rockero con el que emprenden una gira mundial tocando 3 veces en Londres y paises nunca antes visistados como Ecuador, Medio Oriente y paises de Africa.
En 1997 la banda se separa de nuevo y Richie graba su segundo disco solita “Undiscovered Soul”.
Desde esta decada hasta la actualidad su estilo se trastorno debido a diversos problemas en especial porque Jon Bon Jovi no le deja lucirce mas que en unas cuantas oportunidades.
En el 2010 Richie, da a conocer los planes de su próximo álbum.
Los 2000
En el 2000 Bon Jovi regresa con el superhit “It’s my life” en el que vuelve a usar el Talk Box y es considerada una de las 100 mejores canciones de esa decada. Posteriormente la banda decae, pero vale destacar dicos moderados como “Bounce”, Have A Nice Day” y “Lost Highway”. En 2006 Richie se divorcio de su esposa debido a diversos escandalos amorosos con la actris Denise Richards y empezaron unos problemas de adiccion. En 2007 Richie tuvo problemas con el alchool y las drogas, se interno voluntariamente, luego se recupero.
Guitarras y amplificadores
* En los años 80, Sambora jugado sobre todo superstrats (Kramer, Jackson, Charvel, Hamer) así como modificado y costumbre Les Paul modelos, tales como su modelo de Rod Schoepfer. En 1987 temprano-mediados de, Kramer ponga hacia fuera un modelo de la firma de Richie Sambora con tres humbuckers, el cabezal inclinado pointy, el hardware del oro, los embutidos estrella-formados del fingerboard y un trémolo de fijación original de Floyd Rose, que paran la producción en 1989. Ha sido reeditado hoy por Musicco, y se nombra “estrella de Jersey”, llevando no más el nombre real de Sambora. Él también había utilizado varios otros modelos de Kramer, incluyendo una variedad de costumbre unos (los “one-offs”). Sus dos guitarras más notables del deslizadizo cuando el álbum mojado/el viaje era su firma de Kramer Richie Sambora y una Jackson blanca de encargo con un trémolo de Floyd Rose y las recolecciones del HSS, e invertido Empezar-como el cabezal. Hay también un nother de sus guitarras muy famosas de Kramer, que es un kramer doble del cuello usado en “endecha sus manos en mí”.
* 1989. Utiliza principalmente guitarras Kramer tipo Stratocasters, entre las cuales se incluye el modelo firmado por Richie Sambora. También Gibson Les Paul. Una guitarra hecha a medida V Shoephfer. Varias guitarras acústicas Ovation, incluida la hecha a medida de tres mástiles (un mástil para mandolina, otro con doce cuerdas y el tercero con seis cuerdas).
* En 1991, Defensa publicó una firma de Richie Sambora Stratocaster modelo que ofreció una original Sistema del trémolo de Floyd Rose y una combinación de favorable humbucking de DiMarzio PAF y 2 de la defensa Tejas especial solo-arrolla recolecciones.
Esta guitarra vino en dos versiones; Americano y más adelante en 1996, japonés. el modelo Nosotros-hecho de Sambora ofreció un cuerpo del aliso con las chapas de la ceniza y estaba disponible en la cereza Sunburst y el blanco olímpico, mientras que la versión japonesa tenía un cuerpo del basswood con los gráficos negros de Paisley. Otro ofrece incluyó un cuello/un fingerboard de una sola pieza del arce con 22 trastes y estrella-formó marcadores de la posición, tan bien como un 25dB activo mediados de-alza el circuito con controles del tono de TBX y un activo/una voz pasiva de botón interruptor.
* 1995. Fender saca al mercado la Stratocaster modelo Richie Sambora que incluye un trémolo Floyd Rose II, pastilla Humbucker DiMarzio en el puente, e inlays con forma de estrella. Una Gibson Les Paul Goldtop del año 54. Una Fender Telecaster del 51. Dos Fender hechas especialmente para él en el taller original Fender, una con trémolo y otra sin él. Una Fender Stratocaster de doble mástil. Una Gibson ES 335 del año 59 y su vieja guitarra negra Charvel Stratocaster (utilizada para grabar ‘Slippery’) Y muchas más, hasta un total de 28 guitarras que se usaban dependiendo del repertorio del concierto.
* 1997. Modelo exclusivo Custom Shop Eric Clapton Stratocaster construido para Richie. Fender Telecaster Thinline hecha especialmente para él. Y muchas más.
* En 1998 el modelo se ha puesto al día con un trémolo del vendimia-estilo, un sistema de silencioso caliente de la defensa solo-arrolla, circuito sin carga del tono y un 12dB activo mediados de-alza con un selector de botón de puente.
* En el período de 2003-2006, él tocó las guitarras anchas de una variedad en etapa, incluyendo las guitarras de encargo de “Sambora” construidas por su tech Chris Hofschneider “aterronado” de la guitarra, Guitarras de Zemaitis, Floyd Rose guitarras,Zemaitis, Ovación,Taylor y Martin guitarras, vendimia y tienda de encargo Gibson y modelos de la defensa, así como las guitarras de su colección. Una de las guitarras construyó por sus características del tech de la guitarra que un fretboard hizo de arce y el palo de rosa, en un cuerpo de la ceniza con la construcción del cuello-por-cuerpo y el humbucker del costumbre/escoge/las solas recolecciones. Actualmente, él toca sobre todo la guitarra negra de encargo de “Sambora”, (que es ahora un modelo de encargo llamó sambora SA-2 para ESPECIALMENTE EL LTD, diversos modelos de Gibson Les Pauls y la defensa Telecasters y Stratocasters (vendimia, tienda de lujo, de encargo y otros modelos).
* Para la mayor parte de los años 80 y el 90s temprano-mediados de, él utilizó Ordenar los amplificadores, particularmente el JCM800 modelan con ” gabinetes del altavoz 4×12 y una variedad de unidades del estante y del pedal (efectos incluyendo). Durante el suyo Extranjero en esta ciudad viaje, Sambora utilizó a 2 cabezas y a cabeza del amperio de la defensa (modelo del ordenar JCM800 2203 no especificado), con los ” gabinetes del ordenar 3 4×12. En 1995, Sambora comenzó a usar Defensa ToneMasters con Defensa Gabinetes del altavoz de ToneMaster 4×12 “, siguiente Actualmente Viaje. En viaje, él utilizó hasta 12 gabinetes en etapa. Para las sesiones del estudio de su álbum a solas del segundo, Alma sin descubrir, él también utilizó a Defensa Bassman 4×10 ” combo y a Voz AC30. En el viaje, él utilizó Defensa ToneMasters, una cabeza del amperio del ordenar, una cabeza y un VHT Pitbull del amperio de la voz conjuntamente con Defensa Gabinetes del altavoz 4×12 ” y 2×12 ” de ToneMaster. En 2000, Sambora comenzó usar Ordenar Serie de JCM2000 DSL (ambas en las sesiones del viaje y de la grabación de Agolpamiento). La canción “Es mi vida“también fue registrado con a Mesa Boogie Rectificador dual. Él también ha utilizado la serie del DSL del ordenar en Despedida viaje, así como a Hughes y Kettner amperio, de vez en cuando. Durante su Tenga un día de Niza el viaje, Sambora utilizó Diezel y dividido por la amplificación 13 y los ” gabinetes del altavoz 4×12 por encargo. Durante las sesiones de la grabación del estudio del Carretera perdida álbum, él utilizó los amperios incomparables, de Bogner del Ecstasy y de Diezel Herberto. En 2007, él comenzó a aparecer en etapa con 2 halfstacks, otra vez ofreciendo los amplificadores del ordenar JCM2000 DSL y los ” gabinetes 4×12 por encargo.
* ESP SA-2 Signature series Richie Sambora
* Hughes & Kettner Triamp
Estilo
Con el pasar de los años Richie ha cambiado mucho su estilo: Paso del Hair Metal al Glam Metal fusisnandolo con el Heavy Metal; del Heavy Metal al Hard Rock, de este al Rock con sonidos modernos, de ste al Country y luego volvio al Rock con sonidos modernos. Pero en fin se caracterisa por el uso de la palanca de vibracion y pinch armonics que muchas veces los usa unidos dando un sonido alucinante; tambien se caracterisa por pasar la vitela por las tres primeras cuerdas pero de manera inversa a lo que se hace comunmente al pasar la vitela por las cuerdas. Tambien es un guitarrista muy rapido y lo ha demostrado en cada uno de sus solos.
Discografía Solista
* Stranger in This Town 1991 * Undiscovered Soul 1998
Colaboraciones
1974 – 1980 Shark Frenzy: Southern Belle, Laura’s Birthday, I Need Your Love 1980 – 1981 The Message: Any other Girl, Is There Love 1989 Guitars that Rule the World: Mister Sambo 1991 Discipline: Discipline, I Don’t Wanna be Your Friend, Love on a Rooftop, According to the Gospel of Love 1992 Red Shoes Diaries OST: You Never Really Know 1994 – 1995 The Adventures of Ford Farlaind Nunca vio luz 1995 Evertt Toy 1997 Sounds of Wood: Ava’s Eyes 1997 Fire Down Below OST: Long Way Around 2001 On the Line OST: Take Me On 2002 The Banger Sister OST: One Last Goodbye 2004 Heaven and Earth: When a Blind Man Cries 2005 American Made World Played: Let Me Roll It 2008 A Tribute to a Legend: Great Hall Of Fame 2008 Randy Jackson’s Music Club, Vol. 1: Willin’ to Try
White Lion es un grupo estadounidense de glam metal. Perteneciente a la corriente de las bandas más melódicas como Warrant.
Esta banda fue influenciada por grupos como Journey, Boston y Van Halen. Fue formada en 1983 por el danés Mike Tramp (voz) (ex-integrante de Mabel) y Vito Bratta (ex-integrante de Dreamer), quienes después de varios intentos fallidos, se unieron al bajista Felix Robinson y al baterista Dave Capozzi. Con ellos consiguieron firmar un contrato con Elektra Records, para editar su álbum de debut, “Fight To Survive” en 1984. Sin embargo, tras negarse a lanzar el disco por no haber quedado conforme con la producción, White Lion fue despedido y finalmente la placa fue editada por RCA Records a fines de ese mismo año.
Para su segundo trabajo, Pride, lanzado junto a Atlantic Records en 1987, White Lion contaba con nuevos integrantes; se trataba de James LoMenzo (ex- Megadeth) en el bajo y Greg D’Angelo (ex-Anthrax) en la batería. Este álbum los catapultó a la fama y llegó a ubicarse en el número 11 de las listas Billboard, gracias a los sencillos ‘Wait’ y ‘When The Children Cry’, que llegó al puesto 3 en noviembre de 1988.
En 1989 editaron “Big Game”, pero no alcanzaron el mismo éxito de su anterior producción, aunque de todas maneras lograron imponerse con el clásico sonido melódico de la banda. Más tarde, en 1991 grabaron su cuarta placa llamada “Mane Attraction”, que destacó con el tema “Love Don’t Come Easy” y la regrabacion de “Broken Heart”.
Con la llegada de los años noventa, la escena musical cambia y D’Angelo y Lomenzo abandonaron el grupo, siendo reemplazados por Jimmy DeGrasso y Tommy Caradonna, respectivamente. Sin embargo ese mismo año le pusieron fin a White Lion, aunque se han editado algunas recopilaciones como “The Best Of White Lion” en 1992 , y de la mano del vocalista Mike Tramp, el cual ha incluido versiones de los temas originales del grupo se editaron “Remembering White Lion: Greatest Hits” en 1999, y “White Lion: Last Roar” en 2004.
A fines del 2007 se anunció el regreso de White Lion, y actualmente ya lanzaron un nuevo disco titulado Return of the Pride, que salió al mercado el 14 de marzo de 2008 a través del sello Frontiers Records. El trabajo ha sido producido por el vocalista Mike Tramp y el bajista Claus Langeskov, y ha sido grabado durante 2007 entre Australia y Copenhague entre los compromisos de gira.
La alineación actual de White Lion es la siguiente: Mike Tramp (Voz), Claus Langeskov (Bajo), Jamie Law (Guitarra) Troy Patrick Farrell (Batería) y Henning Wanner (Teclados).
Miembros Formación clásica
* Mike Tramp – vocalista, compositor (1983-1991, 2003 – presente) * Vito Bratta – guitarras, compostior(1983-1991) * James LoMenzo – bajo(1984-1991) * Greg D’Angelo – batería (1984-1991)
Actuales
* Mike Tramp – vocalista, compositor * Jamie Law – guitarrista * Troy Patrick Farrell – baterista * Claus Langeskov – bajista * Henning Wanner – teclista
Discografía
* Fight to Survive (1985) * Pride (1987) * Big Game (1989) * Mane Attraction (1991) * The Best Of White Lion- Greatest hits compilation (1992) * Remembering White Lion – new versions (1999) * Anthology 83-89 – demos/previously unreleased songs (2004) * Last Roar – (re-release of “Remembering White Lion” album, with new title) (2004) * Rocking The USA – live album (2006) * The Definitive Rock Collection – compilation (2007) * White Lion-Extended Versions (2007) * Return of the Pride (2008) * Suicide City (2009)
Pearl Jam es una banda de rock procedente de Seattle, Estados Unidos, y una de las líderes del movimiento grunge a principios de la década de los 90. A pesar de que otros grupos de dicho movimiento han desaparecido, Pearl Jam se mantiene en un lugar sólido, contando ya con veinte años de carrera y nueve álbumes de estudio grabados hasta la fecha. La alineación original del grupo estaba formada por Eddie Vedder (voz), Jeff Ament (bajo), Stone Gossard (guitarra rítmica), Mike McCready (guitarra principal) y Dave Krusen (batería). El baterista en la formación actual es Matt Cameron, ex-miembro de Soundgarden, que está en el grupo desde 1998.
Formada después de la desintegración de Mother Love Bone, grupo anterior de Ament y Gossard, Pearl Jam rompería el gran mercado con su álbum debut Ten. A pesar de ser considerados como uno de los grupos clave dentro de la escena grunge al inicio de los años noventa, Pearl Jam ha sido criticado en repetidas ocasiones por ser parte del corporativo que se vendió con la explosión del rock alternativo. Sin embargo, sus miembros siempre se han caracterizado por su rechazo a adherirse a las prácticas comunes de la industria musical, como por ejemplo negarse a realizar videos promocionales o a su famoso boicot a la empresa Ticketmaster. La revista Rolling Stone los describe como un grupo que “pasó la mayor parte de la década pasada destruyendo su propia fama”.
Pearl Jam es considerado uno de los grupos más importantes de la década de 1990. Desde su debut, el grupo ha vendido 30 millones de álbumes en los Estados Unidos, y un estimado de 60 millones en todo el mundo
Inicios 1980 – 1990
Podemos remontar la historia de Pearl Jam a la década de 1980. Los orígenes del grupo se encuentran con Green River, grupo de grunge formado en 1983 con los restos de otras bandas de la escena de Seattle. Green River estaba integrado originalmente por Stone Gossard en la guitarra (del grupo March of Crimes y The Ducky Boys), Jeff Ament en el bajo (del grupo Deranged Diction), el cantante Mark Arm (ex-miembro de los grupos Mr. Epp, Spluii Numa y Limp Richerds, y después miembro de Mudhoney), el guitarrista Steve Turner (ex-miembro de los grupos Mr. Epp, The Limp Richerds y The Ducky Boys, y después miembro de Mudhoney) y el baterista Alex Vincent. Green River llegó a grabar algunos EP y a aparecer en varias recopilaciones de artistas de su discográfica Sub Pop, pero finalmente se desintegró en 1987. Green River es recordado como uno de los primeros grupos importantes del naciente género grunge de Seattle.
Después de la ruptura, Arm y Turner crean el grupo Mudhoney, mientras que Gossard y Ament comienzan a organizar su nuevo proyecto. Hacia 1988 se unen al cantante Andrew Wood (ex-miembro del grupo Malfunkshun) y empiezan a darle forma al grupo que se convierte en Mother Love Bone. Junto con el guitarrista Bruce Fairweather y el baterista Greg Gilmore, aparecen cada vez más dentro de la escena de Seattle y comienzan a llamar la atención por su estilo, en el que se fusionaba el glam rock con el punk. En 1989 logran que la compañía discográfica PolyGram los contrate e inician las grabaciones de lo que sería su primer álbum Apple, proyectado para lanzarse en 1990. Trágicamente, semanas antes del lanzamiento del álbum, Andrew Wood muere por una sobredosis de heroína, el 19 de marzo de ese año.
Con la muerte y desintegración de Mother Love Bone, Ament y Gossard comienzan una vez más la búsqueda de personal para formar un nuevo grupo. En 1990 reclutan al guitarrista Mike McCready (ex-miembro del grupo Shadow) y con él comienzan a tocar como trío de manera informal. Durante este periodo, Chris Cornell, cantante de Soundgarden y amigo personal de Wood, escribe un par de canciones en su homenaje y le pide a Ament, Gossard y McCready que lo ayuden con la grabación de las mismas. El proyecto con el tiempo crece hasta convertirse en un álbum completo de homenaje, tomando el nombre de Temple of the Dog, referencia a la letra de la canción “Man of Golden Words” de Mother Love Bone.
Ya con la ayuda del baterista de Soundgarden, Matt Cameron, el proyecto Temple of the Dog comienza a grabar varias de las canciones que aparecerán en el disco homenaje a Wood. Algunas de las canciones que se grabaron fueron utilizadas como demos de las canciones del nuevo grupo de Ament, Gossard y McCready. Una de esas canciones es “Times of Trouble”, la cual, con algunas variaciones en la letra y la música, sería lanzada como un lado B del futuro grupo, llamado “Footsteps”.
Creando un nuevo grupo
Sin contar aún con baterista ni cantante, el trío Ament/Gossard/McCready comienza la cacería de los nuevos miembros del grupo. Para acelerar la búsqueda, graban una maqueta de sus composiciones más recientes ayudados por Matt Cameron en la batería, la cual titularon The Gossman Project. La búsqueda la hacen no sólo en la escena de Seattle, sino que van más allá, buscando algún talento incluso con gente con la cual no hubiesen tenido contacto. Una de estas personas es Jack Irons, ex baterista del grupo Red Hot Chilli Peppers.
Irons les pide una demo para poder repartirlo entre sus conocidos; ellos le dan un extracto de cinco canciones del Gossman Project (Conocido actualmente entre los fans como The Stone Gossard Demo ’91). Dicha demo contiene las canciones conocidas actualmente como Once, Footsteps, Alive, Black y Alone, todas ellas en versión instrumental.[16] Lo que sucede a continuación ya es parte de la leyenda: Irons, en lugar de conseguirles un baterista (como podría haber sido lógico pensar), le da la demo a su compañero de baloncesto y practicante de surf de la ciudad de San Diego, el cantante Eddie Vedder, quien en ese momento trabajaba como despachador en una gasolinera.
Vedder había sido cantante del grupo de San Diego Bad Radio. La leyenda relata que Vedder, una vez recibido la demo, lo escucha durante toda la noche. A la mañana siguiente, cuando surfeaba como era su costumbre, la música rondaba aún por su cabeza y de esa forma le vienen las letras a la mente. Ya en casa, aprovechando el momento de inspiración, graba las voces de tres de las canciones, renombrándolas como “Alive”, “Once” y “Footsteps”. Estas canciones Vedder las concibe, como él dirá después, en forma de una mini-ópera, la cual es conocida como la “Mamasan Trilogy”. Vedder envía de vuelta a Seattle su demo, la cual impresiona fuertemente a Mike, Stone, Jeff y a su nuevo miembro, el baterista Dave Krusen. En menos de una semana Vedder está en Seattle e inmediatamente dan comienzo las sesiones de lo que será el nuevo disco de la banda, aún sin nombre.
Al mismo tiempo, estando casi listo el proyecto de Temple of the Dog, Chris Cornell invita a Vedder a que juntos canten el tema que será el sencillo de ese disco, la canción “Hunger Strike”. De esa manera, la alineación definitiva de dicho proyecto queda con Cornell y Vedder en las voces, Jeff Ament en el bajo, Stone Gossard y Mike McCready en la guitarra y Matt Cameron en la batería. El álbum no es lanzado a la venta hasta abril de 1991.
Ya conjuntados y con varios días de ensayo, el grupo comienza a grabar más demos de estas sesiones con el fin de darse a conocer dentro de la escena de Seattle, a pesar de no tener aún un nombre definido. Varios de estas demos (de los cuales algunos aún existen en manos de fans) estaban grabados en casete, a veces ilustrados a mano por Vedder. Uno de ellos, a manera de broma, tiene en la portada la tarjeta de un jugador de baloncesto de la NBA, Mookie Blaylock, la idea de tomar ese nombre les gusta y fue así como comienzan a hacerse llamar. El grupo debuta, bajo el nombre de Mookie Blaylock, en vivo el 22 de octubre de 1990 en el club Off Ramp de Seattle, apadrinados por Alice in Chains
Los meses siguientes avanzan demasiado rápido para la naciente banda: en noviembre comienzan la grabación de su primer demo profesional, durante febrero de 1991 salen de gira por toda la Costa oeste de los Estados Unidos como teloneros de Alice in Chains y para marzo entran de nuevo al estudio para comenzar las grabaciones de su primer disco.
Debido al creciente interés que despierta la naciente escena grunge de Seattle, Cameron Crowe, en ese entonces productor de la cadena estadounidense MTV, comienza a filmar una película cuyo escenario principal es el ambiente musical de la ciudad. Singles representó una excelente forma de dar a conocer al mundo lo que en ese entonces pasaba en Seattle. Eddie Vedder, Stone Gossard y Jeff Ament actúan en la película como miembros de la banda ficticia Citizen Dick, liderada por el protagonista Matt Dillon.
Después de firmar con Epic Records, el grupo se ve obligado a cambiar su nombre por problemas comerciales. Aquí comienzan una serie de teorías y mitos acerca del origen del nombre de la banda, que ahora ya es un símbolo en la historia musical moderna: Pearl Jam. El más famoso de los mitos proviene de Vedder mismo. Él narra como su bisabuela, de nombre Pearl, estaba casada con un nativo americano al que ella le preparaba una jalea (jam en inglés) hecha a base de peyote. A pesar de ser considerada como verdadera por mucho tiempo, esta historia es en realidad una broma de Vedder.
En la revista Rolling Stone apareció un reportaje en el cual mencionan una historia diferente acerca del origen del nombre. En ésta cuentan que el grupo tenía entre sus posibles nombres la palabra «Pearl». Después, durante un concierto de Neil Young, cuentan que éste comenzó a realizar unos jams (improvisaciones) que impresionaron al grupo. En ese momento fue Jeff Amentt el que comentó que el grupo podría llamarse Pearl Jam, idea que fue aceptada por los demás integrantes que estaban escuchando el concierto como parte del público. Al parecer es esta la historia real, ya que son varios los miembros del grupo que la relatan.
Sobreviviendo al estrellato… 1991 – 1993
Pearl Jam estaba listo para comenzar una prometedora carrera, sin embargo, estando en puerta el debut discográfico, Dave Krusen, aduciendo problemas personales, abandona el grupo después de la fiesta de presentación de la película Singles. La salida de Krusen da inicio al constante problema que tendrá la banda con los bateristas, ya que por diversas razones, han contado con cuatro personas diferentes en dicho instrumento hasta ahora. Es sustituido por Matt Chamberlain, quien había tocado anteriormente con el grupo Edie Brickell and New Bohemians. Después de algunos conciertos (incluido el concierto de donde se filmó el vídeo de la canción “Alive” ), Chamberlain deja Pearl Jam para unirse al grupo Saturday Night Live. Antes de su salida, Chamberlain les recomienda a Dave Abbruzzese como su reemplazo en la batería; Abbruzzese se une al grupo durante la gira de apoyo del nuevo disco y forma parte de Pearl Jam por dos álbumes más.
El primer disco del grupo ve la luz por fin el 27 de agosto de 1991 con el título de Ten, en homenaje a Mookie Blaylock (dicho jugador utilizaba el número diez en su camiseta) y acompañados por la canción “Alive”, que es lanzada como su primer sencillo. El disco, al lado de Nevermind de Nirvana, es considerado uno de los motores que dieron al movimiento musical de Seattle su auge mundial. Pearl Jam, junto a grupos como los antes citados Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains (conocidos entre los medios como El grupo de las 4) se vuelven la punta de lanza del grunge durante estos años.
Durante finales de 1991 Pearl Jam se dedica a ser grupo telonero de varias bandas importantes como Smashing Pumpkins o Red Hot Chilli Peppers, pero es con el lanzamiento de Ten que el grupo tiene como constante los conciertos en vivo, principalmente en 1992. Para febrero de ese año el grupo da inicio a su primera gira europea; al regresar a Seattle, deben suspender un concierto ya que la asistencia al show (25.000 personas) rebasa por mucho las expectativas que se tenían del concierto.
El 16 de marzo de 1992 graban para la cadena MTV un concierto de su serie Unplugged, el cual es transmitido el 13 de mayo, sin embargo, nunca es lanzado comercialmente y fue hasta marzo del 2009 que se incluyo editado en formato DVD con audio 5.1 en el “Ten Deluxe Edition” Æ. Para junio regresan a Europa, esta vez tocando ante grandes cantidades de público, siendo las actuaciones más famosas su concierto en el PinkPop festival en los Países Bajos y el festival Rock am Ring en Núremberg, Alemania, donde tocan ante 50.000 personas, sin embargo, es durante esta gira cuando comienzan a darse los primeros síntomas de molestia contra el mundo del estrellato de parte del grupo, ya que durante el concierto realizado en Estocolmo, Suecia, son sustraídos de sus camerinos varios objetos personales, incluido un cuaderno de notas de Vedder. De regreso en Estados Unidos, se unen a Soundgarden, Ministry, Ice Cube y Red Hot Chili Peppers entre otros para participar en la segunda edición del ya mítico festival Lollapalooza.
Para agosto de 1992, es lanzado el vídeo de “Jeremy”, tercer sencillo del álbum Ten y uno de los videos musicales más famosos. A la larga, este vídeo provoca el segundo conflicto de la banda, esta vez contra las cadenas de videos musicales (MTV sobre todo), ya que el vídeo fue censurado y en ocasiones prohibido para su transmisión porque, a opinión del grupo, le daban mucha más importancia al impacto visual del vídeo y los conflictos que éste pudiera causar que a la propuesta artística. Pearl Jam aún graba un vídeo más para la canción “Oceans” (el cual sólo es lanzado en Europa), pero a partir de entonces se niegan a grabar un nuevo vídeo promocional para alguna de sus canciones. Jeff Ament resume la actitud del grupo al comentar en una entrevista: “No queremos que la gente recuerde nuestras canciones como videos”. Mantendrán esta postura durante 6 años.
Para inicios de 1993 la fama del grupo era impresionante, lo cual comienza a hacerlos sentir incómodos, sobre todo a Eddie Vedder quien lleva la mayor parte de la carga de la popularidad del grupo.[15] En ese año Vedder es invitado por los miembros sobrevivientes de The Doors para cantar algunas canciones del grupo durante la ceremonia de su ingreso al Salón de la Fama del Rock. Hacia junio el grupo sale de nuevo de gira por Europa como teloneros de Neil Young y U2.
El 19 de octubre sale a la venta Vs, segundo álbum de la banda, vendiendo en su primera semana 950.378 copias. En el disco se deja ver algo de la ira y rabia que sienten contra los medios y todo el mundo de fama en el cual pretenden encerrarlos. El acoso por parte de las revistas especializadas crece enormemente, Rolling Stone y Spin Magazine sacan entrevistas y reportajes sobre la banda e incluso, la revista Time tiene a Eddie Vedder en la portada de su edición del 25 de octubre. En dicha revista se incluye un artículo sobre la creciente popularidad del grunge. Vedder se muestra enojado por la utilización de la fotografía de la portada y por la forma en la cual el grupo es representado en el artículo. Tercer conflicto del grupo, a partir de ese momento, su relación con la prensa es más y más tensa, hasta el grado de negar entrevistas a cualquier medio, terminar con las ruedas de prensa y dejar de aparecer en programas de televisión de forma regular. Al ver esto, gente de la industria musical comentaba que su actitud recordaba a la de Led Zeppelin, en el sentido de que dicha banda “ignoraba a la prensa y daba su música directamente a los fans”. Esta postura la mantendrán hasta 2003, cuando sorpresivamente brindan una conferencia de prensa previa a su primer concierto en la Ciudad de México.
Conflictos externos e internos… 1994 – 1997
Con 1994 da inicio una de las etapas más complejas del grupo. Sin duda el año es crítico para la escena grunge, ya que en abril se da a conocer la muerte de uno de sus principales iconos, Kurt Cobain. La muerte del cantante de Nirvana genera poco a poco la desintegración del montaje creado alrededor de la escena de Seattle. Varias bandas desaparecen, los reflectores de la escena musical comienzan a dirigirse hacia otro lado, buscando nuevas expresiones que vender. Conflictos con el mundo al cual Pearl Jam se niega a entrar por cualquier motivo generan incluso peleas legales. Surgen además los primeros roces en el interior del grupo. Es una época de incertidumbre que se ve reflejada incluso en el plano artístico.
A inicios del año el grupo sigue en gira, continuando con la segunda parte de la gira promocional del álbum Vs El 1 de marzo de 1994, Pearl Jam anuncia su intención de mantener los precios de los conciertos de esa gira por debajo de los 20 USD, ya que consideraba que la empresa Ticketmaster aprovechaba su posición de agencia de ventas dominante en Estados Unidos para perjudicar tanto a los grupos como a los fans que iban a verlos. El siguiente paso fue el anuncio posterior de que Pearl Jam continúa con la gira sin contar con los servicios de Ticketmaster. Con esto inicia uno de los conflictos legales más importantes de la década y que marcará el futuro del grupo. Las consecuencias de la demanda contra Ticketmaster se dejaron sentir, en mayo de 1994 el grupo se ve obligado a cancelar sus giras, en junio, Jeff Ament y Stone Gossard (los principales promotores de esta demanda) comparecen ante un subcomité de la cámara de representantes de los Estados Unidos, testificando en el litigio de monopolio levantado contra la empresa; terminadas las sesiones de grabación del tercer disco de la banda, Dave Abbruzzese deja el grupo el 1 de agosto, aduciendo problemas personales, pero todo indica que fue por diferencias con el resto del grupo por el asunto Ticketmaster (principalmente con Stone Gossard). Para cubrir con sus compromisos pendientes, Vedder le pide a su amigo Jack Irons que reemplace a Abbruzzese en la batería, debutando el 1 de octubre en el concierto Bridge School Benefit. Sin embargo, la secuela más dolorosa que deja el conflicto legal, tanto para la banda como para sus seguidores, es la dramática reducción de sus conciertos en vivo en 1994 y 1995 (de 150 en el periodo 92-93 a un poco más de 80 en el periodo 94-95), provocando que durante todo 1994 no realicen giras fuera de los Estados Unidos y prácticamente no ofrecer conciertos por casi tres años en dicho país
A pesar de este clima de incertidumbre, la expectación por la tercera entrega del grupo es grande. El 22 de noviembre se lanza a la venta Vitalogy en edición especial en vinilo, logrando una cantidad de ventas muy importante a pesar de que el formato en vinilo ya comenzaba a quedar descontinuado por las compañías discográficas. Unos días después es lanzada la versión en disco compacto, alcanzado ventas de 877.000 copias en su semana de debut (el segundo lugar con más ventas en la historia en su primera semana). A pesar de ser un disco difícil y duro, expresa muy bien el momento generacional que se estaba viviendo. Ante la muerte del ídolo, la gente buscaba desesperadamente un sustituto.
1995 es un año de conflictos internos. Se dice que comienzan tensiones entre Vedder y el resto de la banda, hasta el grado que Jeff Ament abandona al grupo durante un tiempo, con lo que se difunden los primeros rumores de una posible desintegración. Sin embargo también es un año de cambio y regeneración al interior del grupo. Durante este año los conciertos vuelven a darse poco a poco, gracias a una pequeña compañía de venta de boletos que, ignorando las presiones de Ticketmaster, accede a manejar sus conciertos (a pesar de que varios tienen que ser suspendidos).
Para evitar la ruptura, los miembros del grupo se dedican a buscar proyectos alternos que ayuden a aliviar la tensión que empieza a surgir entre ellos. Es durante esta época en la que cada uno de los miembros del grupo comienza a expandirse y a crear grupos alternos a Pearl Jam o a involucrarse en nuevos ámbitos, relacionados o no con lo musical. También como grupo comienzan a realizar otro tipo de proyectos. Uno de los más significativos es un proyecto radiofónico, donde Pearl Jam se dedica a transmitir en vivo a grupos de la escena grunge como Soundgarden, Mudhoney o Mad Season y al mismo tiempo canciones de la misma banda. Este proyecto fue transmitido el 8 de enero de 1995 y es llamado Self-Pollution Radio. Durante estas retransmisiones, Eddie Vedder anuncia que Jack Irons oficialmente se convierte en su nuevo baterista.
El otro gran proyecto de este año para el grupo, y que a futuro los ayuda a cambiar su rumbo artístico, es participar como banda de apoyo para las grabaciones del nuevo disco de Neil Young, llamado Mirror Ball. Sin las presiones de ser ellos los estelares, el grupo logra una cohesión enorme durante las sesiones, consiguiendo un gran trabajo.
En 1996, con un Pearl Jam renovado y relajado, se dan inicio a las sesiones para su cuarto disco, las que dan como resultado el álbum más discutido del grupo hasta ahora, el polémico No Code. Desde el lanzamiento del primer sencillo “Who You Are” se pronosticaba un cambio drástico en el sonido del grupo. Experimentación es la palabra que define al nuevo disco, algo que muchos fans del grunge y varios críticos no aceptaron en el grupo. No Code es lanzado exactamente cinco años después que Ten y debuta en el número 35 del Billboard Hot 100, el más bajo hasta entonces.
Sin embargo, el logro más grande de No Code es que le da un nuevo impulso al grupo, reencontrando la forma de convivir con la fama sin tener que sacrificar la propuesta artística. Las canciones contenidas en el disco significan un avance en cuanto a lo que venían realizando en sus discos anteriores, con un contenido mucho más espiritual en las letras y un ritmo más relajado a diferencia de la rabia de Vs o Vitalogy.
Después de las convulsiones sufridas, 1997 viene a ser un año de calma al interior del grupo. Cada uno de los miembros se dedica a sus proyectos alternos y aparecer en diversos eventos de beneficencia. El 8 de junio, Eddie Vedder y Mike McCready aparecen en el concierto Tibetan Freedom y en los primeros días de noviembre aparecen como grupo de soporte para los Rolling Stones en cuatro conciertos realizados en Oakland, California. Gracias a esa calma, el grupo logra un gran ambiente artístico que se ve reflejado en las sesiones para su quinto álbum, del cual, al cerrar el año, dan su primera muestra con el lanzamiento en la Nochebuena de 1997 del sencillo “Given To Fly”.
Madurez, éxito y tragedia… 1998 – 2001
El periodo que comprende estos años puede ser considerado como contradictorio. Mientras que por un lado el grupo sufre varios golpes que los ponen de nueva cuenta al borde de la separación, por otro van adquiriendo poco a poco una gran madurez tanto artística como personal y de grupo. 1998 es el año que ve surgir uno de los discos más aclamados de la banda, Yield. En este álbum se recogen todas las enseñanzas logradas en su predecesor No Code, combinándolas con el rock duro y directo que siempre los caracterizó. De igual forma el grupo poco a poco comienza a reabrirse a la prensa y la televisión, ya que para promover su nuevo disco aparecen en programas de televisión como el “Late Show with David Letterman, además de lanzar su segundo proyecto radiofónico, esta vez titulado Monkey Wrench Radio.
Además, para apoyar el lanzamiento del álbum, Pearl Jam anuncia una nueva gira a través de todos los Estados Unidos y parte de Oceanía y Hawái, misma que está planeada para durar todo el año completo. Parecía que el grupo regresaba a la normalidad, pero estando ya en plena gira, Jack Irons debe dejar el grupo por problemas de salud. Este fue un golpe importante para el grupo, ya que Irons tenía lazos de amistad muy fuertes principalmente con Eddie Vedder. Providencialmente no tienen dificultad en encontrar un reemplazo, ya que casi de inmediato le solicitaron a un viejo conocido, Matt Cameron, integrarse a la banda para cubrir el hueco dejado por Irons. Cameron en ese momento se encontraba desempleado ya que un año atrás Soundgarden se había desintegrado.
Nuevos proyectos ayudan también a reafirmar la presencia del grupo. Lanzan a la venta su primera realización en vídeo (el documental Single Video Theory) y su primer álbum en vivo oficial (el Live On Two Legs), además de lanzar su primer video promocional en seis años para la canción “Do the Evolution”, el cual es grabado completamente en animación dirigido por Todd McFarlane, creador del cómic Spawn.
Como lo habían hecho desde que comenzaron como grupo, Pearl Jam distribuye a su club de fans oficial un disco de colección, el famoso X-Mas Single (sencillo de Navidad). Hasta ese momento no había pasado de ser una rareza sólo para coleccionistas; sin embargo, en la edición de 1998 el grupo incluye dos versiones, “Last Kiss”, realizada originalmente en 1964 por J. Frank Wilson and the Cavaliers, y “Soldier of Love”, original de Arthur Alexander. Ambas canciones fueron grabadas durante la segunda parte de la gira norteamericana de 1998. Para inicios de 1999 este sencillo, pero principalmente “Last Kiss”, comienza a recibir una tremenda difusión por radio, gracias a peticiones masivas hechas por los oyentes.
La demanda que tienen las canciones del X-Mas Single se vuelve tan grande, que el grupo decide, el 8 de junio de 1999, lanzar de manera comercial el sencillo “Last Kiss”/ “Soldier of Love”. Una semana después, ambas canciones son incluidas en el disco a beneficio de los refugiados de Kosovo No Boundaries, lo cual impulsa las ventas del sencillo aún más. Antes de que terminara el mes, el sencillo alcanza el número 2 en la lista Billboard Hot 100 (su sencillo que mejor puesto ha ocupado hasta 2007). Ya para abril de 2000, el álbum recauda más de 6,7 millones de dólares estadounidenses, y el sencillo “Last Kiss” se convierte en el éxito comercial más grande que Pearl Jam ha tenido hasta la fecha.
El año 1999 termina ya sin grandes sobresaltos, comenzando las sesiones de su nuevo álbum el 1 de septiembre, ya con Matt Cameron como baterista de planta. A finales de año lanzan la página web oficial del club de fans del grupo, llamada en ese entonces como Tenclub.net.
El sexto disco de la banda, Binaural ve la luz con los primeros meses de 2000, el 16 de mayo, y casi simultáneamente anuncian su primera gira europea en 5 años. Para el 23 de mayo se embarcan en una de las giras que les lleva a recorrer casi toda Europa y que marcará en muchas formas el destino del grupo.
Desde los inicios del grupo, Pearl Jam ha sido, junto con Nirvana y U2, una de las bandas que más ha sido pirateada. Es posible encontrar un catálogo enorme de ediciones alternativas y actuaciones en vivo del grupo grabados de forma ilegal (o bootlegs, como se les conoce en el ámbito musical). Pearl Jam era consciente de esta actividad, hasta el punto que no sólo la había permitido, sino que para la gira europea del 2000 anunció que lanzarían a la venta la totalidad de los conciertos en discos dobles. La idea original era ofrecer estos bootlegs oficiales sólo al club de fans, pero por cuestiones contractuales se vieron obligados a lanzar la totalidad de bootlegs, que al final de la gira de 2000 serían 72, en tiendas. De este modo nacen las famosas Bootleg Series de Pearl Jam. Hasta la fecha en cada una de sus giras han seguido ofreciendo sus bootlegs en vivo.
Todo parece indicar que la gira europea terminaría de forma normal, sin embargo la tragedia alcanzó al grupo en uno de sus conciertos. El 30 de junio de 2000, mientras Pearl Jam actuaba en el Festival Roskilde en Dinamarca, la multitud comienza a avanzar hacia el escenario, aplastando contra las bardas de contención a la gente que se encuentra en la parte más cercana al escenario, todo esto ante los mismos ojos de la banda. Un Eddie Vedder atónito interrumpe el concierto y pide a través del micrófono que la gente dé un paso hacia atrás, pero todo resulta inútil, 9 personas mueren aplastadas debido al empuje de la gente de la parte frontal.
Ante la tragedia el grupo se tambalea. Se cancelan los últimos dos conciertos de la gira europea y las ideas de separación comienzan a rondar al interior del grupo. El resultado de la investigación policial sobre la tragedia revela que fueron problemas técnicos los que provocaron el suceso, evitando con esto en cierta manera que el grupo se sienta responsable de las muertes y se separe por esta causa. El grupo decide continuar con sus planes, comenzando con la gira norteamericana, donde además se incluye el concierto donde celebran su décimo aniversario. Sin embargo, a manera de homenaje a los caídos, el grupo no interpreta la canción “Alive” en ninguno de esos conciertos hasta el final, realizado en Seattle (antes del incidente en Roskilde, “Alive” había sido interpretada en 19 de los 25 conciertos de la gira europea).
El año siguiente es un año de calma para el grupo, si bien sus proyectos no paran. Para mayo de 2001 se lanza el DVD Touring Band 2000, recopilación de los mejores momentos de la gira estadounidense de 2000. Después de los atentados del 11 de septiembre a las Torres Gemelas de Nueva York; Eddie Vedder, Mike McCready, y Neil Young interpretan la canción “Long Road” en el programa America: A Tribute to Heroes, a beneficio de las familias de las víctimas del atentado.
Activismo… 2002 – 2005
Este periodo está caracterizado por el fuerte activismo en los que los miembros del grupo (y en especial Eddie Vedder) se ven involucrados, influidos principalmente por las actitudes del gobierno estadounidense frente a los ataques del 11 de septiembre.
Durante gran parte del año el grupo se encierra para la grabación de su séptimo álbum de estudio, así que sus interpretaciones en vivo son muy pocas. Sobresale la participación de Eddie Vedder en la inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de The Ramones, el 18 de marzo de 2002.
Mientras se encontraban grabando en el estudio, el 19 de abril de 2002, se anuncia la muerte de Layne Staley, cantante del grupo Alice in Chains, causada por una sobredosis de heroína. La noticia impacta fuertemente al grupo e inspira a Eddie Vedder a escribir una canción dedicada a Staley titulada “4/20/02”. La canción no se lanza hasta 2004, como parte de la recopilación de lados-B y rarezas del grupo llamada Lost Dogs.
El nuevo disco comienza a ver la luz con el lanzamiento de su primer sencillo, titulado “I Am Mine”, lanzado el 8 de octubre de 2002 y con el lanzamiento mundial de Riot Act el 12 de noviembre. A pesar de la expectativa generada, el álbum sólo vende 166.000 copias en su semana de lanzamiento (mucho menos de lo logrado por todos sus lanzamientos anteriores). Riot Act se caracteriza por un sonido más basado en el folk y la música experimental, apoyados por un órgano B3, ejecutado por un miembro no oficial del grupo, Kenneth Boom Gaspar, y que le da al álbum un sello inusual en el grupo en canciones como “Love Boat Captain” por ejemplo. Además, se incluye una canción titulada “Arc”, un experimento vocal realizado por Vedder a manera de tributo a las nueve personas que murieron en el Festival Roskilde en junio de 2000. “Arc” fue interpretada también en vivo, solamente en nueve ocasiones durante la gira de 2003 y fue eliminada de los bootlegs correspondientes como un acto de respeto.
El 2003 inicia con la nueva gira mundial de la banda, la cual cubre originalmente Japón, Australia y los Estados Unidos. Esta gira pronto se vuelve controversial, ya que Vedder comienza a incluir un show anti-Bush cuando la banda interpreta la canción “Bu$hleaguer”, el cual no siempre es bien recibido por los espectadores. Mención aparte merece lo sucedido en el concierto inaugural de la gira norteamericana, realizado en la ciudad de Denver, el 1 de abril de 2003. En este concierto, el público queda atónito al ver como Eddie Vedder comienza a golpear una máscara del presidente George W. Bush. Mucha gente abuchea el acto y abandona el recinto ante la sorpresa de todo el grupo.
Durante esta gira el grupo trata de hacer cosas nuevas en los conciertos. En algunas ocasiones dando recitales de más de 30 canciones, ofreciendo un espectáculo previo semi-acústico en Boston, o procurando repetir las menos canciones posibles entre cada concierto. Hacia mayo, el grupo anuncia una extensión de su gira norteamericana, en la cual se incluye por vez primera a México. La gira en México resulta diferente en varios aspectos, ya que previo a su primer concierto, el 17 de julio de 2003, el grupo ofrece su primera conferencia de prensa en casi 10 años. Además, el tercer concierto del grupo en la Ciudad de México es transmitido en vivo por radio y televisión a toda América Latina.
Para esta gira Pearl Jam continua con su proyecto de ofrecer los bootlegs de sus conciertos del 2003, con la diferencia de que sólo seis son lanzados a la venta al público, mientras que la totalidad de los conciertos sólo son ofrecidos en su página web.
2003 termina para ellos con nuevos lanzamientos. Colaboran con el director Tim Burton con el tema “Man of the Hour” para su película Big Fish, editan su colección de dos discos de rarezas y lados B, Lost Dogs; y lanzan el Live at the Garden, DVD con el concierto realizado en el Madison Square Garden el 8 de julio de 2003.
El año 2004 transcurre con muy poca actividad del grupo, ya que cada uno de los miembros se dedica a proyectos personales. De este año cabe destacar el fuerte activismo del grupo debido a que en los Estados Unidos se encuentra en año de elecciones presidenciales. Para reafirmar la postura anti-Bush que han asumido, Pearl Jam toca la canción “Masters of War”, original de Bob Dylan en el programa Late Show with David Letterman del 30 de septiembre, como preámbulo a su participación en la gira Vote For Change (Voto por el cambio). Esta gira se realiza del 1 al 13 de octubre a lo largo de varias ciudades estadounidenses, acompañados de grupos como Dixie Chicks, Dave Matthews Band, R.E.M., Bruce Springsteen, todo esto como parte de la campaña de concienciación para evitar la reelección de George W. Bush como presidente. Ya hacia final del año lanzan su primer disco de Grandes éxitos titulado Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003.
A diferencia del año anterior, 2005 lleva a Pearl Jam de gira a través de varios lugares de América, la cual les servirá de preparación para el nuevo disco que estaban ya planeando. Un adelanto de ese disco lo dan el 18 de marzo en un concierto en Seattle, donde estrenarían la canción “Crapshoot”
Para abril de 2005 anuncian la realización de una gira que abarca varias ciudades de Canadá. El 13 de julio realizan un concierto en la ciudad de Missoula, Montana, para apoyar la candidatura al Senado de los Estados Unidos de Jon Tester.
El 1 de septiembre inicia su gira norteamericana con un concierto especial en el Anfiteatro Gorge, en las afueras de Seattle, interpretando un concierto acústico y eléctrico que dura poco más 3 horas (interpretan en total 36 canciones) y arrancan su gira canadiense al día siguiente en la ciudad de Vancouver, la cual los lleva a través de ciudades donde nunca antes habían tocado. Al mismo tiempo dan la noticia de que al concluir la gira canadiense realizarán su primera gira por toda Latinoamérica, parando en Chile, Argentina, Brasil y México. Para todos estos conciertos, el grupo anuncia que su nueva serie de Bootlegs serán solo lanzados en formato MP3 y distribuidos en su página web oficial. Este hecho marca un precedente ya que después del escándalo provocado por el programa Napster, las empresas discográficas y muchos grupos musicales se habían dedicado a satanizar el uso y venta de la música en formatos para computadora.
Actualidad
A pesar de tener ya un largo trecho recorrido, Pearl Jam aún en el presente puede jactarse de ser innovador y diferente. Ya desde 2005 comienzan a dar indicios de un nuevo cambio, al comentar que la discográfica Epic Records (sello perteneciente a Sony Music Entertainment) ya no cubre por completo sus expectativas. Es por esto que en febrero de 2006 anuncian su salida de este sello para pasar a las filas de J Records, sin embargo, a partir de ese momento toman el control de todo lo relacionado con su música y comienzan a darle un auge cada vez mayor a la distribución de su música a través de internet.
Ya para 2006 la expectativa de un nuevo álbum era enorme, así que para comenzar a preparar el terreno, el 24 de febrero lanzan a través de internet una muestra de 15 segundos de su nuevo sencillo “World Wide Suicide”, además de que el lanzamiento de éste sencillo se hace completamente a través de internet el 6 de marzo. “World Wide Suicide” se convierte en un hito ya que se vuelve el primer sencillo lanzado por este medio que alcanzó un lugar muy alto en las listas de popularidad.
La salida a la venta del nuevo álbum, titulado sencillamente Pearl Jam, es anunciada para el 2 de mayo, sin embargo, el disco completo es filtrado y distribuido a través de internet desde el 7 de abril de manera ilegal. A pesar de todo, sus planes siguen adelante, y el disco es estrenado en concierto en un pequeño concierto en el Teatro Astoria de Londres, el 20 de abril, dando también inicio con esto a una gira que los embarcaría durante todo el año a través de Estados Unidos, Europa y Australia.
El nuevo disco también recibe mucha más promoción en medios de lo que sus anteriores lanzamientos. Además de aparecer en los ya muy conocidos programas como Saturday Night Live o The Late Show con David Letterman, acceden a aparecer el 1 de julio en el programa de VH1 Storytellers; al mismo tiempo Eddie Vedder aparece después de mucho tiempo en la portada de junio de 2006 de la revista Rolling Stone. El álbum es bien recibido entre los críticos, los cuales comentan sobre él que es un retorno a sus raíces musicales.[46] También, como ya se ha hecho una tradición, se anuncia la venta de sus conciertos en formato digital, con la novedad de que se incluye el formato flac, además del mp3.
A mediados de 2006 Pearl Jam realiza una gira por Europa por primera vez en 6 años, donde sorpresivamente son anunciados para participar en los festivales de Leeds y Reading (desde la tragedia de Roskilde se habían negado a participar en eventos masivos). La gira de 2006 finaliza con una serie de conciertos en Australia y Hawái, donde participan como abridores de un concierto de la banda U2.
2007 ha sido un año de nuevos proyectos para la banda. Graban una versión de la canción “Love Reign O’er Me”, original de The Who para la película Reign Over Me, dirigida por Mike Binder. Además, inician una nueva gira por Europa visitando lugares que no recorrieron durante el 2006 y en la nueva edición del festival Loollapaloza. A mediados de ese año lanzan una nueva box set, Live at the Gorge 05/06 y un nuevo DVD llamado Immagine in Cornice, el cual reúne canciones de sus presentaciones en Italia durante la gira de 2006. A finales del año Eddie Vedder graba junto a The Million Dollar Bashers un cover de “All Along the Watchtower”, original de Bob Dylan, para la película I’m not there.
Durante 2008 han seguido los proyectos tanto personales como de toda la banda. Eddie Vedder realiza la banda sonora de la película Into the Wild, dirigida por Sean Penn, ganando el Globo de Oro a la mejor canción original por el tema “Guaranteed”. El resto de los miembros del grupo han realizado diversos conciertos a beneficio y presentaciones por separado, destacándose Stone Gossard y Jeff Ament en el concierto de reunión de Green River. El grupo inicia una nueva gira por Estados Unidos lanzando una nueva serie de bootlegs, además que se ha anunciado que están iniciando las sesiones para lo que será su noveno álbum de estudio.
Tras más de diez años, volvieron a trabajar con el productor Brendan O’Brien en el álbum de 2009 Backspacer, con el que volvieron a alcanzar el número uno en las listas estadounidenses.
En marzo de 2010 se conoció que como parte de su cruzada ecológica, la banda invirtió 210 mil dolares en plantar árboles en Washington, para compensar la enorme cantidad de monóxido de carbono que se emitió a causa de su gira de 2009.
Estilo musical
Comparados con otras bandas del movimiento grunge de inicios de los años 1990, el estilo de Pearl Jam es notablemente menos pesado y se remonta más hacia el rock clásico de los años 70.[52] El grupo ha citado como influencias a varios grupos de punk y rock clásico, tales como The Who, Neil Young y Ramones.[53] El gran éxito del grupo ha sido atribuido en gran parte a su sonido, el cual fusiona “los riffs del rock de estadio pesados de los 70 con el valor y la furia del post-punk de los 80, sin descuidar los ganchos ni los coros”.
Pearl Jam ha ampliado su rango musical conforme avanzaban sus álbumes. Para Vitalogy de 1994, el grupo comienza a incorporar más influencias punk en su música. En No Code fue deliberado el rompimiento con el estilo musical de su álbum debut Ten. Aquí las canciones tienen elementos del garage rock, el worldbeat y la música experimental.[5] Después del regreso al rock directo de sus primeras producciones que se da en Yield, el grupo se acerca a un rock más experimental con Binaural y al folk rock en Riot Act. El álbum del grupo Pearl Jam, es citado como un regreso al sonido primitivo de la banda.
El estilo vocal de Eddie Vedder ha sido comparado muchas veces con el de Jim Morrison. Los temas de sus letras pueden ir desde los temas personales (“Alive”, “Better Man”) a los temas sociales y políticos (“Even Flow”, “World Wide Suicide”). En los inicios del grupo, Gossard y McCready tenían muy definidos sus papeles como guitarristas, principal y rítmico respectivamente. La dinámica del grupo cambió cuando Vedder comenzó a tocar más la guitarra hacia el periodo de Vitalogy. En 2006 McCready comentó: “Aún con tres guitarras, creo que quizá ahora tenemos más espacio. Stone puede retirarse y tocar una línea de dos notas y Ed hacer cosas con un power chord, y yo acomodarme en todo eso”.
Miembros activos
* Jeff Ament – Bajo, coros * Matt Cameron – Batería, coros * Stone Gossard – Guitarra, coros * Mike McCready – Guitarra * Eddie Vedder – Voz, guitarra, armónica, ukelele
Nickelback es un grupo musical canadiense de rock alternativo, fundado por Chad Kroeger, Mike Kroeger, Ryan Peake y quien fuera el primer baterista, Brandon Kroeger. Nickelback es uno de los grupos canadienses más exitosos en términos comerciales, vendiendo más de 30 millones de copias en todo el mundo.[1] Nickelback está ubicado en la undécima posición de ventas musicales de la década de 2000, y también tiene el segundo lugar en ventas de grupos extranjeros en los Estados Unidos, después de Los Beatles, durante los años 2000.
La banda actualmente está establecida en Vancouver, Columbia Británica, en Canadá. El nombre de la banda proviene de la palabra nickel (moneda) que Mike Kroeger utilizaba frecuentemente para devolver el cambio cuando trabajaba en la cafetería Starbucks (“Here’s your nickel back”, o “Aquí está su moneda de vuelta”).
La banda tiene contrato actualmente con EMI para Canadá y con Roadrunner Records para el resto del mundo. En julio de 2008, la banda firmó con Live Nation, para que gestionara la comercialización, giras, merchandising y grabación de discos para los siguientes tres álbumes, teniendo opción para un cuarto.
El primer lanzamiento de Nickelback fue un EP de siete canciones llamado Hesher, en 1996 (hoy en día es una joya para coleccionistas). En ese mismo año, Nickelback grabó su primer álbum llamado Curb. ‘Fly’ fue lanzado tanto en Hesher como en Curb, y fue el primer sencillo promocionado por Nickelback. Desafortunadamente no llegó a ascender en las carteleras y tan sólo llegó a sonar en estaciones de radio locales.
El siguiente álbum, The State, se grabó en 1998 y fue lanzado como producción independiente ese mismo año. Nickelback firmó entonces un contrato con EMI y Roadrunner Records. The State fue relanzado en el 2000 bajo los sellos disqueros; certificando disco de oro en Canadá y en los Estados Unidos. Fue certificado disco de platino en el 2008.
Éxito comercial: 2001-2008
En el 2001, Nickelback lanzó el álbum Silver Side Up, que los catapultó a la popularidad. El sencillo ‘How You Remind Me’ fue un éxito total, alcanzando el 1 en las carteleras norteamericana y canadiense simultáneamente. En Estados Unidos, fue el sencillo 1 en las carteleras de mainstream y rock moderno, así como también en la cartelera pop. También alcanzó el 2 en el Top 40 Adulto. ‘How You Remind Me’ fue el sencillo 1 del año 2002 en la cartelera Billboard Hot 100. El siguiente sencillo fue ‘Too Bad’, que también alcanzó el 1 en la cartelera de mainstream rock, y tuvo cierto éxito en la cartelera pop. El último sencillo del álbum fue ‘Never Again’, que fue otro 1.
En el 2002, Chad Kroeger colaboró con Josey Scott y Gaige Corvo, que tocó la guitarra principal en la canción de la banda sonora de la película Spider-Man, llamada ‘Hero’. También participaron Tyler Connolly, Mike Kroeger, Matt Cameron y Jeremy Taggart.
En el 2003, Nickelback lanzó su cuarto álbum, The Long Road. El sencillo principal fue ‘Someday’. La banda también lanzó ‘Feelin’ Way Too Damn Good’ como sencillo, que alcanzó el 3 en la cartelera de rock mainstream. ‘Figured You Out’ fue el tercer sencillo, y alcanzó los primeros lugares de las carteleras rock mainstream por 13 semanas consecutivas.
El quinto álbum de estudio de la banda, All The Right Reasons, produjo cinco sencillos que llegaron a los U.S. Hot 100: ‘Photograph’, ‘Savin’ Me’, ‘Far Away’, ‘If Everyone Cared’ y ‘Rockstar’. Tres de estas cinco fueron sencillos que llegaron a estar dentro de las primeras diez posiciones. Para el 13 de junio de 2009, All The Right Reasons ha vendido 7.163.130 copias sólo en los Estados Unidos.
Nickelback fue telonero de Bon Jovi en la gira europea del Have a Nice Day Tour 2006, en el que a su vez la banda estaba promocionando All The Right Reasons.
En el 2007, el guitarrista y líder de la banda Chad Kroeger, hizo una colaboración para el también guitarrista Carlos Santana en su más reciente álbum The Ultimate Santana en la canción ‘Into the Night’ que fue escogida una de las mejores de aquel año.
Lanzamientos recientes: 2008-presente
El 4 de septiembre de 2008, Roadrunner Records anunció que el primer sencillo del próximo álbum iba a ser ‘If Today Was Your Last Day’, el cual iba a ser lanzado el 30 de septiembre de 2008. Sin embargo, la canción se omitió como primer sencillo y se colocó ‘Gotta Be Somebody’ en su lugar. El nuevo álbum, llamado Dark Horse, fue lanzado el 18 de noviembre de 2008, y fue producido por Robert “Mutt” Lange.
‘Something In Your Mouth’ fue lanzado como segundo sencillo sólo para las radios en Canadá el 15 de diciembre, donde alcanzó el 1. ‘If Today Was Your Last Day’ fue el segundo sencillo lanzado en Estados Unidos (tercero en Canadá), el 31 de marzo de 2008. Se tiene previsto que los siguientes sencillos sean ‘I’d Come For You’ y ‘Burn It To The Ground’, que es el nuevo tema de entrada del programa de WWE Monday Night Raw (a partir del 16/11/2009).
Estilo
El estilo de Nickelback viene definido por su sonido de rock moderno en directo con tintes grunge (algunos críticos afirman que hay pequeñas influencias de heavy metal y del country en su música) y se les suele identificar como banda de hard rock. Su cantante, guitarrista y líder, Chad Kroeger, es el elemento dominante; su voz controla y se acopla a las canciones. Algunas páginas webs los han calificado como Rock, con elementos tanto de Grunge, thrash metal (debido a la influencia de Metallica) y hard rock (en alguna canción, como Something in Your Mouth, incluso hacen uso del rapeo), así que no podemos definir al grupo de una forma muy concreta.
Como muchos otros grupos, las letras de Nickelback tratan mayormente sobre vaivenes amorosos y el pequeño trecho que hay entre el amor y el odio en las relaciones. Sus primeros discos incluyen canciones sobre el abandono y el abuso parental. Raramente se sirven de metafóras en sus letras.
Su quinto disco, All the Right Reasons (2005), vislumbra un cambio en la temática de sus canciones. Kroeger afronta la nostalgia, las amistades y el paso del tiempo en uno de sus singles de 2005, “Photograph”. “Rockstar” trata sobre el fiel reflejo del grupo en la actualidad: las consecuencias de su nuevo status como músicos reconocidos. El tema “Side of a Bullet” es un homenaje póstumo al guitarrista de Pantera y Damageplan, Dimebag Darrell, asesinado el 8 de diciembre de 2004. Cabe mencionar que Chad Kroeger siente profunda admiración por Darrell, y antes de ser asesinado colaboró con el grupo en la grabación de la versión de la canción de Elton John, “Saturday Night’s Alright (For Fighting)”, con un sólo exquisitamente técnico. En dicha canción también contaron con la colaboración de Kid Rock en las voces.
Miembros
Formación actual
* Chad Kroeger – Guitarra, Voz. * Mike Kroeger – Bajo. * Ryan Peake – Guitarra, Coros. * Daniel Adair – Batería, Coros.
* Hesher (Demo EP) (1995) * Curb (Septiembre de 1996) * The State (Enero de 1999) * Three Sided Coin (2002) * Silver Side Up (11 de septiembre de 2001) * The Long Road (23 de septiembre de 2003) * All The Right Reasons (4 de octubre de 2005) * Dark Horse (18 de noviembre de 2008)
Premios y Reconocimientos
* Mejor grupo novel 2001 * Grupo favorito de Pop, banda de rock y duo * Grupo del año * Hot 100 Artist Duo/Group of the Year * Mejor álbum de rock con el “Silver Side Up” * How You Remind Me mejor sencillo * Hero Songwriter of the Year * Grupo del año 2002 * Juno Fan Choice Award * “Too Bad” mejor video y mejor video rock 2003 * “All the Right Reasons Rock” álbum del año, álbum de pop/rock favorito y mejor álbum rock del 2006 * Grupo del año 2006 * “Photograph” mejor video rock del 2006 * “Far Away” premio de música del 2007 * Grupo favorito del 2007
Robert James Ritchie (15 de enero de 1971) más conocido por su nombre artístico Kid Rock o The Big Poser, nacido en Romero, Míchigan, es un cantante, compositor y actor estadounidense. Kid Rock es conocido por su estilo musical, que fusiona rap con heavy metal, blues rock, southern rock, funk y country.
Creció escuchando los principios del hip-hop, como the Fat Boys y Run DMC, así como iconos de Detroit como Bob Seger y los MC5, Kid Rock fue descubierto por D Nice de Boogie Down Productions, quien lo recomendó a Jive Records, donde para 1990 estaba grabando su primer álbum “Grits Sandwiches For Breakfast”, después acompañó a gente como Ice Cube y Geto Boys en un tour nacional.
En 1993, Rock se asoció con Continuum Records y grabó su segundo esfuerzo llamado “The Polyfuze Method”, tiempo después sacó un EP titulado “Fire it Up”, que incluía la primera versión de “I am The Bullgod”, pero por problemas con la discográfica, Kid Rock se retiró de Continuum.
Después de algunos años de tours, Rock finalmente grabó su tercer álbum, “Early Mornin´Stoned Pimp” en los estudios White Room, en Detroit, el cuál `se lanzó en 1996, ahora bajo su propio sello discográfico, Top Dog Records, el disco expandió los temas e ideas de “Polyfuze”, sencillamente un buen álbum, el cuál le dio un contrato con Lava/Altantic y la promesa de un nuevo comienzo…
En 1998, Rock lanzó su más dinámico, fuerte y más comercialmente accesible álbum hasta la fecha, el multiplatino, “Devil Without A Cause”, con tracks pesados como, “Bawitdaba” y “Fist of Rage”, temas funky como “I Gotta One 4 Ya” y “Wastin´Time”, pero la sopresa del álbum fue la balada country “Only God Knows Why”, la cual daría paso a un éxito country que grabaría a dueto con Sheryl Crow para su siguiente álbum, Cocky.
En el 2000 llegó “The History of Rock”, compilación de temas no tan conocidos de sus discos anteriores, y en el 2001 volvió con “Cocky”, en el 2002, Kid Rock ganó popularidad tanto por sus sencillos, sus conciertos y también por su relación con la ex-Baywatch, Pamela Anderson, poco después, Lava decidió lanzar como cuarto sencillo de “Cocky”, la balada “Picture” a dueto con Sheryl Crow, convirtiéndose en un hit masivo, de repente Kid Rock, se volvió más popular que nunca, dándole todas las razones para ser “Cocky” (presumido). Kid Rock apareció en un capítulo de Los Simpsons en el que Homer necesitaba relajarse. En 2008, Kid Rock vuelve a la escena musical con un nuevo disco llamado “Rock ‘N Roll Jesus”, su single estrella fue “All Summer Long”, llegando a los primeros sitios de la lista americana de ventas, también fue uno de los éxitos del año en Europa, llegando al número 1 de la lista británica de singles, y estando nominada a la mejor canción del año en los MTV Europe Music Awards 2008. “All Summer Long” fue la canción oficial del evento Backlash de la WWE, celebrado el domingo 27 de abril de 2008. “So Hott” fue una de las tres canciones oficiales de WrestleMania XXV, otro evento de la WWE celebrado el domingo 5 de abril de 2009. En dicho evento, realizó un miniconcierto de 10 minutos, en el que cantó las canciones “Bawitdaba”, “Rock & Roll Jesus”, “Cowboy”, “All Summer Long” y “So Hott”.
El 10 de noviembre, la emisora de radio WAAF de Boston anunció que Kid Rock cantaba un tema de Slash, el álbum en solitario del guitarrista Slash (Velvet Revolver, ex-Guns N’Roses)[2] . El 23 de marzo 2010, ESPN Radio colgó en su web la canción “I Hold On” interpretada por Kid Rock que estará en el disco de Slash[3] . Sin embargo 10 el junio fue arrestado por la policia de L:A por presunta comercializacion y consumicion de estupefacientes [editar] Discografia
* 1990: Grits Sandwiches for Breakfast * 1993: The Polyfuze Method * 1994: Fire It Up! (EP) * 1996: Early Mornin’ Stoned Pimp * 1997: The Polyfuze Method * 1998: Devil Without a Cause * 2000: The History of Rock * 2001: Cocky * 2003: Kid Rock * 2006: Live Trucker * 2007: Rock N Roll Jesus * 2010 : TBA
Blondie es una popular e influyente banda norteamericana de los años setenta, parte integrante de la llamada Nueva Ola, y referente estético y musical del pop de los ochenta.
Hasta ahora Blondie ha vendido más de 30 millones de discos. Los miembros de la formación original de Blondie eran Deborah Harry como vocalista, Clem Burke como batería, Gary Valentine como bajista, James Destri como teclista y Chris Stein como guitarrista.
De origen neoyorquino, el grupo inició su andadura musical en 1975 junto a otras bandas locales como The Ramones y Black Flag, dentro del recién surgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGB supusieron una plataforma para dar a conocer a la banda en Nueva York.
Tras editar un par de álbumes (“Blondie”, “Plastic Letters”) con singles de modesto éxito (“X offender”,”In the flesh” o la popular “Denis”, que les abrió las puertas del mercado europeo) en 1978 sale a la venta su tercer trabajo, el álbum Parallel Lines: un compendio de sonidos a medio camino entre el punk rock, el Soft Rock y el sonido de la música disco que por aquel entonces comenzaba a causar furor a ambos lados del Atlántico. El éxito de este álbum a nivel mundial, y particularmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, se debió a la popularidad de algunas de sus canciones, tales como: “Heart of Glass” (que alcanzó simultáneamente el número 1 en las listas inglesas y estadounidenses), “Sunday girl”, “Picture This” o One Way or Another. Destacar también su tema “Hanging on the telephone”, versión de The Nerves.
“Heart of glass”, el tema estrella de “Parallel lines”, abrió una nueva vía en el sonido de la banda: Clem Burke, batería del grupo, ha comentado que lo que comenzó siendo una melodía con ritmo reggae terminó convirtiéndose en un tema disco, cuya base rítmica imitó a partir de algunos cortes de la banda sonora de Saturday Night Fever. Por su parte, Jimmy Destri, tecladista de la banda, admitió que los integrantes del grupo estaban entusiasmados con los experimentos electrónicos de los alemanes de Kraftwerk, y que en “Heart of glass” intentaron exponer las posibilidades ofrecidas por los sintetizadores. Lo cierto es que “Heart of glass” alcanzó el puesto más alto de las listas de éxitos. Semejante éxito sacó a la banda del anonimato: Blondie pasó a convertirse en uno de los conjuntos musicales más célebres y admirados por el público joven, y su carismática vocalista y líder, Deborah Harry, comenzó a acaparar las portadas de numerosas revistas con su imagen sexy, atrevida y su carácter gélido.
La carrera de Blondie continuó con “Eat to the beat” (1979), que incluía canciones convertidas luego en íconos del pop como “Atomic”, “Dreaming” o “Union city blue”; en 1980 el grupo grabó “Call me”, tema compuesto por Giorgio Moroder y Deborah Harry para la banda sonora del filme “American Gigolo”, convirtiéndose en un nuevo número uno en los EE.UU. Su quinto disco, “Autoamerican” (1980), incluyó los singles “The tide is high” y “Rapture” (que incluye el primer rap cantado por una mujer blanca), ambos números 1 en los EEUU. Con “Autoamerican”, la banda daba un paso hacia adelante abordando nuevos estilos y sonidos que, más allá del punk-pop habitual, campaban entre el jazz, el rock épico, el reggae o incluso el sinfonismo (“Europa”).
Disolución
Su último disco, “The hunter”, fue el menos popular de los realizados por la banda, y coincidió con el declive de la misma en 1982, separándose al año siguiente, también debido a una enfermedad de origen genético que padecía el guitarrista Chris Stein. Deborah Harry, líder de la banda, voz e imagen (que ya había editado un álbum en solitario en 1981 llamado “Koo Koo”), emprendió una carrera como solista con cierto éxito aunque sin igualar la popularidad de Blondie,además de participar en algunas películas y series de televisión como actriz invitada. Algunos de sus éxitos como solista fueron “I want that man” o “French kissin in the USA”, durante la década de los 80. En la década de los 90, Debbie Harry participó en diversos proyectos musicales colaborando con artistas alternativos, y también trabajó con la banda de jazz “The Jazz Passengers”.
Reaparición
En 1998, los cuatro miembros de la formación original de Blondie, Deborah Harry, Clem Burke, James Destri y Chris Stein decidieron reunirse para grabar el que sería su séptimo álbum, “No exit”, editado en 1998 y cuyo single “María” les llevó de nuevo a las listas de éxitos.
En 2003 salió a la venta “The curse of Blondie”, su último álbum hasta la fecha. Coincidiendo con el trigésimo aniversario de su disco “Parallel lines”, Blondie realiza una larga gira internacional.
Blondie es el único grupo musical que ha conseguido números uno en tres décadas consecutivas. Además, Debbie Harry está incluida en el libro Guinness de los Records, como la cantante más madura de la historia en conseguir un número uno en las listas de éxitos de UK con “Maria”. En 2006, Blondie han sido incluidos en el codiciado Salón de la Fama del Rock n’Roll.
En 2008 anuncian que comenzarán a grabar lo que será su noveno álbum. “Panic Of Girls” será lanzado en junio de 2010.
Discografía
Álbumes de Estudio
* Blondie (1976). * Plastic Letters (1977). * Parallel Lines (1978). * Eat to the Beat (1979). * Autoamerican (1980). * The Best of Blondie (1981). * The Hunter (1982). * Atomic (1999). * No Exit (1999). * Livid (1999). * The Curse of Blondie (2004). * Live By Request (2004). * Panic Of Girls (2010).
Cherilyn Sarkisian (nacida en El Centro, Estados Unidos; el 20 de mayo de 1946), conocida mundialmente como Cher, es una cantante, actriz, compositora, diseñadora y productora estadounidense. Varias veces ha sido galardonada por su desempeño en su carrera musical y como actriz. Entre sus múltiples premios se encuentran Óscar, Grammy, Emmy, Globo de Oro y un premio en el Festival de Cine de Cannes.
Cher llegó a la fama en 1965, formando parte del dúo musical Sonny & Cher, junto con su ex esposo Sonny Bono. Posteriormente Cher se estableció como solista. Ha lanzado 25 álbumes de estudio, varias compilaciones y 56 sencillos; cinco de ellos han llegado a la cumbre del Billboard Hot 100. El más notable es “Believe”. Fue número uno en 23 países y la hizo acreedora al premio Grammy, además puede considerarse como la tercera canción más exitosa de toda la historia interpretada por un artista de sexo femenino detrás de “My Heart Will Go On” de Céline Dion y “I Will Always Love You” de Whitney Houston. Se convirtió en actriz de televisión a mediados de 1970 y en actriz de cine a comienzos de 1980. En 1987 ganó el premio Óscar como mejor actriz por la película Hechizo de luna.
Con una carrera que rebasa los 40 años y sin mostrar signos de decadencia, Cher ha sido conocida por ser un ícono pop y una de las pocas cantantes consideradas divas de la música además de su joven apariencia, debido a sus múltiples cirugías plásticas. Ha vendido aproximadamente 315 millones de discos mundialmente como solista, lo cual la convierte en la segunda cantante femenina mas exitosa de la historia y en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos. A 2009, la cantante reside en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, presentando allí su espectáculo Cher At The Colosseum.También es conocida por poseer un rango vocal de contralto profundo, lo cual la hace una de las mejores voces en la historia de la música.
Su padre, John Sarkisian nacido en 1920, era un refugiado armenio que trabajó como camionero. Su madre, Georgia Holt, nació en Arkansas el 20 de junio de 1927. Se casó ocho veces, aspiró a ser actriz y trabajó como modelo ocasional. Es de ascendencia cherokee, británica y alemana. Los padres de Cher se divorciaron cuando ella era joven y se crió principalmente con su madre y su medio hermana Georgeane, hija de Gilbert LaPierre, segundo esposo de Holt, un banquero que adoptó a Cher. Además de los graves problemas financieros que había en la familia, a Cher se le diagnosticó dislexia, lo cual la hizo retirarse de la escuela a muy temprana edad. En ese tiempo mantuvo una relación amorosa con el ahora actor Warren Beatty.
Su padre, John Sarkisian nacido en 1920, era un refugiado armenio que trabajó como camionero. Su madre, Georgia Holt, nació en Arkansas el 20 de junio de 1927. Se casó ocho veces, aspiró a ser actriz y trabajó como modelo ocasional. Es de ascendencia cherokee, británica y alemana. Los padres de Cher se divorciaron cuando ella era joven y se crió principalmente con su madre y su medio hermana Georgeane, hija de Gilbert LaPierre, segundo esposo de Holt, un banquero que adoptó a Cher. Además de los graves problemas financieros que había en la familia, a Cher se le diagnosticó dislexia, lo cual la hizo retirarse de la escuela a muy temprana edad. En ese tiempo mantuvo una relación amorosa con el ahora actor Warren Beatty.
A los 16 años, y siguiendo los pasos de su madre, Cher viajó a Los Ángeles para estudiar actuación. Sin embargo, no tuvo ningún resultado ya que su enfermedad se lo impedía. de camino a los angeles En 1963 conoce en una cafetería local al productor musical Sonny Bono; se convirtieron rápidamente en amigos, luego se comprometieron y más tarde se casaron.
Sonny Bono trabajaba en ese tiempo con el productor Phil Spector en Gold Star Studios en Hollywood. A través de Sonny, Cher entra al ámbito musical grabando demos, cantando en coros y participando en varias grabaciones de Spector, para artistas como The Righteous Brothers y Darlene Love. Spector vio el potencial que tenía la voz de Cher y no dudo en lanzarla a la escena musical. Bajo el nombre artístico Bonnie Jo Mason, Cher lanzó su primer sencillo en 1964 llamado Ringo, I Love You, dedicada a Ringo Starr, sin alcanzar el éxito. Los esfuerzos de Spector no cesaron y decidió unir a Sonny con Cher bajo el nombre artístico Cesar & Cleo, lanzando el sencillo “The Letter” que tampoco tuvo éxito.
A comienzos de 1965 deciden relanzarse con el nombre “Sonny & Cher” y con su primer álbum de estudio, Look At Us, que fue un éxito de ventas en el mercado estadounidense y europeo. De este álbum salió el sencillo “I Got You Babe” que se convirtió en un gran éxito mundial llegando al puesto del Billboard Hot 100. A este éxito le siguieron sencillos como “Baby Don’t Go”, Just You”, “But You’re Mine”, “Little Man” y por último “The Beat Goes On”.
Ese mismo año el dúo aparece en programas de entretenimiento como The Ed Sullivan Show, American Bandstand, Top of the Pops, Ready Steady Go! y Shindig!. Cher se destacó como icono popular moderno por su extravagante forma de vestir y pronto Sonny & Cher se convirtieron en un ícono hippie. Paralelamente Cher lanzó al mercado su álbum debut como solista titulado All I Really Want To Do, que tuvo gran reconocimiento y llegó al puesto de Billboard 200. El sencillo homónimo al álbum es una reversión de la canción de Bob Dylan del mismo título y logró llegar al puesto del Billboard Hot 100. En 1966 lanzó su segundo álbum en solitario titulado The Sonny Side of Chèr, que fue un gran éxito en Reino Unido; de este álbum salieron los sencillos “Where Do You Go” y “Bang Bang (My Baby Shot Me Down)” (ambos compuestos y producidos por Sonny Bono). Esta última canción fue un gran éxito en Norteamérica, convirtiéndose en el sencillo más exitoso de Cher en los años 60s. En 1966 Cher lanzó su primer álbum homónimo que, aunque no fue tan exitoso como los anteriores, incluyó el sencillo “Sunny”, que ocupó los primeros lugares en las listas del Reino Unido. Al año siguiente lanza otro nuevo álbum de estudio titulado Backstage, pero fue un fracaso comercial.
La carrera de Sonny & Cher se estancó repentinamente en 1968. Sus álbumes ya no tenían éxito y no llegaban a superar las 400 mil copias vendidas en todo el mundo. Parte de los fracasos comerciales se debieron a que el decenio sesentero estaba llegando a su fin y la cultura musical había dado un giro radical, cosa que afectó gravemente al dúo. El 4 de marzo de 1969 nació Chastity Bono, hija única de Sonny y Cher. Juntos intentan ingresar a la pantalla grande apareciendo en películas como Good Times y Chastity (en esta última Cher debuta como actriz), pero también resultaron un fracaso.
A comienzos de 1970 la pareja se muda a Las Vegas para trabajar por separado temporalmente en el hotel Caesars Palace. Cher rápidamente se estableció como cantante del casino y Sonny como humorista. Si bien ambos tuvieron éxito en el hotel, su suerte recién mejoró sustancialmente cuando firmaron un contrato con la cadena CBS en 1971 para trasmitir un show de variedades titulado The Sonny & Cher Comedy Hour[14] en el cual se veía a la pareja hacer comedia y actuaciones completamente en vivo con distintas celebridades invitadas, entre ellas Chuck Berry, Carol Burnett, George Burns, Glen Campbell, Tina Turner, Dick Clark, Tony Curtis, Bobby Darin, Phyllis Diller, Farrah Fawcett, Merv Griffin, The Jackson Five, Jerry Lee Lewis, Liberace, Steve Martin, Ronald Reagan, Burt Reynolds, Lynn Anderson,Barbara Eden,The Righteous Brothers, Neil Sedaka, Dinah Shore, Sally Struthers, The Supremes y Raquel Welch. El programa tuvo tanto éxito que fue galardonado con dos Globo de Oro,[14] mientras que Cher fue nominada al premio Emmy cuatro veces consecutivas entre 1971 a 1974.
Ya con 25 años y aprovechando su fama televisiva, Cher decide volver a la escena musical lanzando el álbum Gypsys, Tramps & Thieves, con gran éxito de ventas en Estados Unidos, algo que no lograba desde 1966. El álbum ocupó el puesto 16 del Billboard 200 e incluyó los sencillos “Gypsies Tramps & Thieves” y “The Way of Love”; el primero ocupó el puesto 1 del Hot 100 y el segundo el puesto 7 del mismo chart. En 1973 y 1974 lanzó otros dos álbumes igual de exitosos, Half Breed y Dark Lady, que fueron 1 en Estados Unidos y Europa y “Disco de Multi Platino” . En 1974, Cher lanza la recopilación Greatest Hits.
1975: el fin de Sonny & Cher
En la tercera temporada de The Sonny & Cher Comedy Hour, aun cuando el matrimonio de Sonny y Cher estaba en crisis, su show siguió siendo un éxito y fue catalogado entre los 10 mejores del año. Cher incluso ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical en televisión en 1975. El 27 de junio de 1975 Sonny y Cher se divorciaron a la vez que su programa salía del aire.
Tanto Sonny como Cher se independizaron y ambos formaron sus propios shows de variedades. Sonny con The Sonny Comedy Revue, que fue cancelado seis semanas después de su lanzamiento y Cher con The Cher Show, de gran éxito, donde aparecieron estrellas como Bette Midler, Elton John, Pat Boone, David Bowie, Ray Charles, Dion DiMucci, Patti Labelle, Cheryl Ladd, Wayne Newton, Linda Ronstadt, Lily Tomlin y Frankie Valli.
Tan solo seis días después del rompimiento con Sonny Bono, Cher se casó nuevamente, esta vez con el rockero Gregg Allman. De esta unión nace Elijah Blue Allman, quien vio la luz el 10 de julio de 1976. Cher volvió a divorciarse en 1977 en coincidencia con el fin de su programa de televisión. De 1975 a 1978 Cher lanzó una serie de infructuosos álbumes: Stars, I’d Rather Believe in You y Cherished.
Luego de que The Cher Show fuera cancelado en 1977, Cher hizo programas de televisión especiales, entre los que se destacan Cher…Special en 1978 con la participación especial de Dolly Parton y por el cual fue nominada al Emmy, y también Cher… and Other Fantasies en 1979.
Ese mismo año Cher firma un contrato con Casablanca Records para lanzar un álbum de estudio titulado Take Me Home, dedicado principalmente a la música disco que en ese entonces estaba muy de moda. Take Me Home demuestra ser exitoso, llegando al número 25 en Estados Unidos en la lista Billboard 200 de los discos más vendidos y siendo certificado como “disco de oro” por la Recording Industry Association of America. El sencillo del mismo nombre alcanza el top 10 en la lista Hot 100 de Estados Unidos y, al igual que el álbum, también es certificado disco de oro. En el mismo año publica otro álbum, Prisioner, que no fue tan exitoso cómo su antecesor.
1980: receso temporal y éxito musical Estatua de cera de Cher en la década de 1980.
A principios de los años ochenta Cher participó en la banda sonora de la película Foxes, grabando el sencillo “Bad Love”; la canción fue incluida en la versión internacional de The Very Best of Cher. Los siguientes álbumes que Cher lanzaría en esos años serían solo fracasos comerciales como Black Rose en 1980 y I Paralyze en 1982. En 1981 junto con Meat Loaf lanzan el sencillo “Dead Ringer of Love” que llegó al Top 5 de las listas del Reino Unido; este sería el último éxito de la diva hasta 1989.
Viendo las pocas ventas de sus producciones, Cher decidió tomarse un receso en el ámbito musical para dedicarse a la actuación, lo cual resultó ser muy positivo ya que en los siete años siguientes logró ganar dos Globo de Oro y el premio Óscar. El 22 de mayo de 1986, Cher hizo una polémica aparición en el programa Late Night de David Letterman. En la pre entrevista para el show, Cher tuvo un altercado con los productores del programa y se refirió a Letterman en muy malos términos cuando le preguntaron acerca de sus pocas ventas musicales.[10] Un año después ambos limarían asperezas cuando Letterman reunió a Sonny Bono y a Cher en su programa para cantar “I Got You Babe”, en lo que resultó un momento memorable, ya que fue la última vez que Sonny & Cher cantaron juntos la canción que los consagró.
Cher retomó su carrera musical en 1987 al firmar un contrato de tres discos con la discográfica Geffen Records; ese mismo año salió su décimo noveno álbum de estudio titulado Cher. Se trata de su segundo álbum homónimo y en él se destaca la participación de Diane Warren, Jon Bon Jovi, Richie Sambora, Desmond Child y Michael Bolton en la producción. El álbum resultó ser un gran éxito mundial, vendiendo más de siete millones de copias y ubicando a los sencillos “I Found Someone” y “We All Sleep Alone” en las primeras posiciones en las listas de Estados Unidos y de Europa. En 1989 publicó su segundo álbum con Geffen, titulado Heart of Stone, superando el éxito del anterior hasta convertirse en el más exitoso de Cher hasta esa fecha, siendo certificado tres veces con “disco de platino” por la RIAA.
En este álbum se incluyó el sencillo “If I Could Turn Back Time”, uno de los éxitos mas grandes de Cher en toda su carrera. La canción lideró las listas de Australia y se posicionó en el puesto 3 en Estados Unidos y en el puesto 6 en Reino Unido, además de alcanzar altas posiciones en diversos países del mundo. Otros sencillos exitosos de Heart of Stone fueron “Just Like Jesse James”, “Heart of Stone” y “Alter All”, este último a dúo con Peter Cetera. El vídeo musical de “If I Could Turn Back Time” causó una gran controversia ya que en él Cher lucía un erótico body negro translúcido con ligas casi transparente, debajo del cual tenía un pequeño bañador también negro. Reconocidas cadenas de televisión, como MTV y VH1 censuraron el vídeo, disponiendo que su transmisión se realizara sólo después de las 9 p.m.. Ese año Cher realizó el Heart of Stone Tour, una gira de la que salió un DVD titulado Cher: Live at the Mirage que fue grabado en el hotel Mirage de Las Vegas.
1990: reinvención musical
En 1990 Cher vuelve al cine con Mermaids, que fue un éxito de taquilla, junto a Bob Hoskins, Winona Ryder y Christina Ricci (quien en ese entonces tenia 9 años). La película recibió buenos comentarios por parte de los críticos y Cher contribuyó con dos canciones para su banda sonora: “Baby I’m Yours” y el segundo single del álbum, “The Shoop Shoop Song (It’s In His Kiss)”, que se convirtió en un éxito simultáneo, llegando al 1 En el Reino Unido, 3 en Alemania y en Francia, y 5 en Australia. Este tema era considerado el más exitoso de Cher hasta 1998, fecha en la que grabó “Believe”. Al año siguiente Cher termina su contrato con Geffen Records lanzando el álbum Love Hurts. Esta producción tuvo un gran impacto en Europa, al igual que en el resto del mundo, particularmente en el Reino Unido en el que debutó en el 1 y permaneció allí durante seis semanas consecutivas. A diferencia de sus dos discos anteriores, Love Hurts recibió menos atención en Estados Unidos, donde si bien fue certificado “disco de oro”, no alcanzó los niveles de ventas logrados en los países europeos, donde el disco fue certificado con múltiples “discos de platino”. La portada europea es distinta a la versión americana donde se muestra a Cher acostada con una peluca roja y las manos en la cabeza.
Aparte del éxito mundial de “The Shoop Shoop Song (It’s In His Kiss)”, el álbum también provocó otro gran éxito titulado “Love and Understanding” que alcanzó la posición 3 en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos, llegó al Top 20. A estos sencillos le siguen “Love Hurts”, “Could’ve Been You” y “Save Up All Your Tears”, que tuvieron menos éxito; este último es el sencillo favorito de Cher. Hasta la fecha Love Hurts ha vendido alrededor de 30 millones de copias convirtiéndose en uno de los más vendidos de toda su carrera. En Alemania Cher recibió el prestigioso premio ECHO en la categoría de “Cantante más exitoso del año”. Semanas después Cher se embarca en el Love Hurts Tour que se extiende a lo largo de todo 1992. Simultáneamente lanzó dos vídeos sobre dieta y nutrición en VHS titulados Cherfitness: A New Attitude y Cherfitness: A Body Confidence. En 1992 la recopilación Greatest Hits: 1965-1992 se convirtió en un gran éxito, que se mantuvo en la posición 1 en el Reino Unido durante siete semanas consecutivas y alcanzando buenas cifras de difusión en otros países. El álbum contiene tres nuevos temas grabados, “Oh No Not My Baby”, “Many Rivers to Cross” y “Whenever You’re Near”, que también estuvieron disponibles en los Estados Unidos pero sólo como una importación.
A finales de 1992, a la edad de 46 años, Cher tomó un descanso después de lo que se informó ampliamente como un caso de virus de Epstein-Barr o síndrome de fatiga crónica. Durante este tiempo Cher hizo pequeñas apariciones informales, promocionando cosméticos de belleza para el cuidado del cabello de su amiga Lori Davis, que tuvieron un efecto negativo en su carrera. También hizo apariciones de cameo en películas como The Player de Robert Altman y Pret-a-Porter en 1994. Ese mismo año, en colaboración con MTV, Cher interpretó una nueva versión del clásico “I Got You Babe” junto con los dibujos animados Beavis and Butt-head. En el año siguiente, junto con Chrissie Hynde, Neneh Cherry y Eric Clapton, lanzan el sencillo “Love Can Build a Bridge”, que tuvo gran éxito en las listas del Reino Unido.
A mediados de 1995 Cher lanzó un nuevo álbum titulado It’s a Man’s World, que en su mayoría son covers de otras canciones. No fue lanzado en Estados Unidos hasta el verano de 1996. It’s a Man’s World fue un éxito moderado que logró vender alrededor de 2 millones de copias en Europa pero no corrió con la misma suerte en Norteamérica. También en 1996 Cher, junto con Demi Moore y Nancy Savoca, protagonizaron If These Walls Could Talk, un documental dramático de HBO acerca del aborto en el ámbito social, que recibió una nominación al Globo de Oro y al Emmy.
1998: éxito y popularidad de “Believe”
A comienzos de 1998, Sonny Bono, quien entonces se dedicaba a la política, muere en un fatídico accidente de esquí. Cher dio un amplio discurso en su funeral elogiándolo y recordando los años que compartieron juntos casi 20 años atrás.
A finales del mismo año lanza un innovador álbum de estudio titulado Believe, una compilación de música de genero dance. El disco fue un extraordinario éxito musical y de critica, que alcanzó casi instantáneamente el 1 en Alemania y en todos los países en donde fue lanzado incluidos los mercados de Estados Unidos, Reino Unido, Francia y Australia. Fue certificado con cuatro discos de platino en EE.UU y en 2010 alcanzó las 80 millones de copias vendidas. En 1999 ganó el premio Grammy, el primero de su carrera, a la vez que el primer sencillo homónimo del álbum, se apoderó de las listas de 1999. La canción alcanzó el 1 en 23 países, incluyendo los Estados Unidos, y el Reino Unido. Believe convirtió a Cher en la mujer de mayor edad en tener un éxito mundial.
Se trata de la producción más exitosa de Cher en más de 33 años de carrera profesional, convirtiéndola en la única mujer en tener hits que han entrado en el Top 10 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990. “Believe” fue el sencillo más vendido en Reino Unido por parte de una cantante, permaneciendo siete meses en el UK Singles Chart. convirtiendose asi en la unica persona en tener numeros unos en las ultimas 5 decadas y convirtiendo a belive en el disco mas vendido por una mujer 80 millones a la fecha y convirtiendose en el segundo disco mas vendido en toda la historia
En diciembre de 1998 Cher lanzó su primera autobiografía titulada “The First Time” (La primera vez). Más que una biografía, el libro recoge los más íntimos secretos de Cher, así como recuerdos de su infancia y su carrera en Hollywood. En enero de 1999 realizó una aparición especial en el Super Bowl XXXIII que se transmitió en vivo. Más adelante, apareció en uno de los especiales de televisión de mayor prestigio en Estados Unidos, el concierto de VH1 Divas Live 1999, con la participación de Tina Turner, Elton John, Chaka Khan, Faith Hill, Mary J. Blige, LeAnn Rimes, Brandy y Whitney Houston.
Ese mismo año, Cher vuelve a la pantalla grande con una de los mejores directores del séptimo arte, Franco Zeffirelli, en una de sus grandes producciones, Té con Mussolini. A mediados de 1999, se embarca nuevamente en una gira titulada Do you believe? Tour. Del tour salió un DVD titulado Cher Live In Concert, nominado a un premio Emmy.
El 30 de noviembre de 1999 Cher publica una nueva recopilación titulada The Greatest Hits que instantáneamente se convierte en un éxito de ventas, alcanzando el 1 en Alemania y el 7 en el Reino Unido. Esta recopilación fue lanzada exclusivamente para el público europeo. Más tarde lanzó un segundo álbum recopilatorio, solo en Estados Unidos, con el nombre de If I Could Turn Back Time: Cher’s Greatest Hits, por el cual recibió el premio ECHO en Alemania en el año 2000.
2000: reconocimiento mundial
The Believe Tour continuó hasta mediados del 2000 y se convirtió en una de sus giras más exitosas, recaudando alrededor de $161 millones de dolaresArchivo:Cher 2000.jpg, entre 1999 y 2000, recorriendo gran parte del mundo, incluyendo el Cairo (Egipto). Ese mismo año recibió el “World Music Award” por su contribución a la música a lo largo de su carrera. Después de esto, Cher preparó un álbum titulado Not.com.mercial con ritmos de rock alternativo y temas escritos casi todos por la propia Cher entre 1993 y 1995; era la primera vez que Cher escribía la mayoría de los temas para un disco. El álbum había sido rechazado por los sellos discográficos, razón por la cual Cher decidió comercializar su disco a través de su página web y titularlo “Not.com.mercial”, en un juego de palabras entre “dot com” (punto com), referida a los sitios web y “not commercial” (no comercial).
En febrero de 2002, siguiendo con el género dance, Cher lanzó la esperada secuela de Believe: Living Proof, que llegó a la posición 9 del Billboard 200. El álbum fue reconocido por la crítica por su alta calidad, pero no repitió el éxito que tuvo su predecesor en 1998. Fuera de Estados Unidos, el disco recibió múltiples reconocimientos en Reino Unido, Francia y Australia, y en Alemania alcanzó la posición 13. El escaso éxito en Estados Unidos se ha atribuido a la falta de una promoción adecuada al momento de lanzarse el álbum.
El sencillo titulado “The Music’s No Good Without You”, fue un gran éxito en el viejo continente y en Australia, posicionándose en el puesto 1 del Top 10 de Reino Unido, Rusia y Polonia, entre otras listas de popularidad. El álbum incluyó varias canciones re-mezcladas que ocuparon los primeros lugares en las listas Hot Dance, Maxi-Single Sales, Club Play y el Adult Contemporary charts, y fue certificado con disco de oro en Estados Unidos y Alemania, logrando vender más de 10 millones de copias en todo el mundo.
Ese mismo año Cher ganó el “Dance/Club Play Artist” y recibió el premio honorífico en los Billboard. En mayo de 2002 apareció por segunda vez en el especial de Divas Live, esta vez con el nombre de VH1 Divas Live Las Vegas 2002 con Shakira, Céline Dion, las Dixie Chicks, Anastacia, Cyndi Lauper, Mary J. Blige, Whitney Houston y Steve Nicks. En junio se dieron a conocer los planes para la preparación de la gira Living Proof: The Farewell Tour, anunciada como la última gira mundial de Cher. Ella misma ha declarado que la razón de su retiro era porque se sentía desplazada por las artistas jóvenes. Cher ratificó esta posición cuando en uno de sus conciertos, calificó de “prostitutas” a Britney Spears y Jennifer Lopez.
2003: repentino descenso
The Farewell Tour fue diseñado como un homenaje a sus casi 40 años en el mundo del espectáculo. Incluye sus triunfos desde la década de 1960 en adelante, destacando sus éxitos en la música, la televisión y el cine, pero sin olvidar las dificultades del comienzo, con el respaldo de una banda, cantantes, bailarines y la inclusión de acrobacia aérea. La gira abarcó prácticamente todas las principales ciudades de Estados Unidos, Canadá, Nueva Zelanda, Australia, Europa y 3 conciertos especiales en México D.F, con 350 fechas mas de 600 millones de dolares recaudado se convierte en la gira mas larga de toda la historia entrando al libro de record guines de ese año poniendo a cher entre las 5 mujeres mas rentables de el espectaculo
En abril de 2003 fue puesto a la venta The Very Best of Cher, un CD de recopilación de todos sus grandes éxitos. El álbum alcanzó el número cuatro en las listas de Billboard 200. La compilación ha sido certificada como doble platino y ha vendido 3,5 millones de copias en todo el mundo.
Cher encontró el éxito en la televisión, una vez más, en la primavera de 2003, con Cher: The Farewell Tour, un especial de NBC grabado el 7 y 8 de noviembre de 2002 en Miami, en el American Airlines Arena que atrajo a 17,3 millones de televidentes, por el que ganó un premio Emmy. En 2003 publica Live! The Farewell Tour, una colección de canciones en vivo sacadas de la gira. También participó en la película Stuck On You, donde interpretaba a una Cher Materialista, junto con los hermanos siameses interpretados por Matt Damon y Greg Kinnear y con su novio de secundaria interpretado por Frankie Muniz. Meses después grabó junto con Rod Stewart el sencillo “Bewitched, Bothered and Bewildered” que tuvo gran reconocimiento en Europa.
En febrero de 2004, a los 57 años recibió otra nominación al premio Grammy por “Love One Another” y el mismo año lanzó un DVD titulado The Sonny & Cher Shows, donde recopilaba todos las viejas apariciones que el dúo hizo a comienzos de los 70s. En el vídeo del grupo ABBA llamado “The Last Video”, Cher apareció durante unos segundos. The Farewell Tour finalizó en abril de 2005 en Los Ángeles.
2008: el regreso
En noviembre de 2007 Cher aparece en la portada de la séptima entrega de la revista Chrome Hearts y declaró que estaba trabajando en su vigésimo sexto álbum de estudio, aunque sin dar detalles de la fecha de lanzamiento. También se rumorea que colaborará con Timbaland para su nuevo álbum Shock Value II.
El 7 de febrero de 2007 Cher anunció que abandonaba el retiro de las actuaciones en vivo que había anunciado en el 2002, para volver a los escenarios. A mediados de 2008 firmó un contrato para hacer una serie de presentaciones en el Caesars Palace de Las Vegas, este espectáculo lleva el nombre de Cher At The Colosseum, que incluye 200 actuaciones durante 3 años. Los conciertos, iniciados el 6 de mayo, repasan los mejores temas de toda su discografía, incluidos los años de Sonny & Cher y cada canción tiene un escenario diferente. El show ha contado con la participación de super estrellas como lo son Elton John y Bette Midler.
Cher se presentó el 10 de febrero para la ceremonia número 50ª de los Premios Grammy, introduciendo la presentación de su gran amiga Tina Turner y de Beyoncé.
El 8 de mayo Cher se presentó en el programa The Oprah Winfrey Show donde se reunió con su compañera y amiga Tina Turner, recreando el legendario dueto que tuvieron en la década de 1970. Ambas divas sorprendieron al público con sus interpretaciones individuales, cerrando el programa con la interpretación a dueto de “Proud Mary”. El hecho de haber tenido en el mismo escenario a Tina y Cher, hizo del especial, el programa más visto en meses en Estados Unidos, rompiendo los propios récords del programa de Winfrey.
A finales del año 2008, la cantante no pudo terminar su serie de conciertos en Las Vegas debido a que no se encontraba en buenas condiciones de salud. Días después la misma Cher dio sus declaraciones en televisión, aclarando que solo se trataba de un problema en la garganta.[50] Durante el mes de noviembre del mismo año, la cantante anunció en su sitio web oficial, una nueva temporada de conciertos en la “ciudad del pecado” para 2009.[51] preparando un disco del cual se a dicho mucho sus exitos nuevas verciones duetos esto tien ya varios años.
Álbumes de estudio
* 1965: All I Really Want To Do * 1966: The Sonny Side of Cher * 1966: Cher * 1967: With Love, Cher * 1968: Backstage * 1969: 3614 Jackson Highway * 1971: Gypsys, Tramps & Thieves * 1972: Foxy Lady * 1973: Bittersweet White Light * 1973: Half Breed * 1974: Dark Lady * 1975: Stars * 1976: I’d Rather Believe in You * 1977: Cherished * 1979: Take Me Home * 1979: Prisioner * 1980: Black Rose * 1982: I Paralyze * 1987: Cher * 1989: Heart of Stone * 1991: Love Hurts * 1995: It’s a Man’s World * 1998: Believe * 2000: Not.com.mercial * 2001: Living Proof * 2011: TBA
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